Piano Jazz

С 1972 по 2006 год Майк Гарсон выступал в качестве пианиста практически на всех записях Дэвида Боуи и в ряде туров. Сам Боуи называл Гарсона лучшим рок-музыкантом в мире, потому что тот не играл рок. Это высказывание вполне справедливо и для данного альбома, поскольку он представляет собой фортепианные сольные вариации песен Дэвида Боуи, возникшие в результате импровизаций. Многие названия произведений Боуи узнаваемы только его поклонниками.

Пьеса Nine, напротив, является оригинальной композицией Майка Гарсона, в которой он размышляет о своей работе с Дэвидом Боуи, а классическая Space Oddity появляется в двух разных импровизациях. В музыкальном плане альбом основан на джазе, но периодически возникающие переборы, в которых несколько раз слышен большой рояль Yamaha Disklavier, явно напоминают о мире поп-музыки.

Альбом был записан "профессором" Китом О. Джонсоном 23 ноября 2010 года в Калифорнии. В звуковом плане получился идеальный сплав прямого фортепианного звука и реверберации Центра исполнительских искусств Окснарда. Английский музыкальный журналист Эндрю Эверард даже назвал эту запись в журнале What-HiFi лучшей фортепианной записью, которую он слышал за свою долгую карьеру. Запись выполнена в 24-битной технологии и выпущена в формате HDCD.

Orvieto" - это сенсационный альбом этой осени. Мало того, что запись с Чиком Кореа вновь выходит на ECM после 27-летнего перерыва, так еще и в качестве партнера по дуэту с ним выступает звездный итальянский пианист Стефан Боллани. Два гения фортепианной игры в уникальной манере и с огромным удовольствием празднуют искусство совместной импровизации Уникальным образом и с огромным удовольствием.

Эта первая совместная запись Чика Кореа и Стефано Боллани документирует очень вдохновенный концерт в театре Манчинелли в Орвието в декабре прошлого года. Виртуозность почти преувеличена, когда два пианиста встречаются и резвятся в программе, включающей такие произведения, как "Черно-белый портрет" Антонио Карлоса Жобима, баллада "Darn That Dream", "Jitterburg Waltz" Фэтса Уоллера, "Nardis" Майлса Дэвиса, а также блюзы и свободные импровизации.

Праздник для каждого меломана или для тех, кто хочет им стать!

Отзывы

спонтанная встреча с поразительным результатом" (Stereoplay, ноябрь 2011 г.)

чик Кориа и Стефано Боллани сделали ставку на спонтанность и магию момента. И действительно, вечер на Umbria Jazz Winter 2010 превратился в фейерверк звуков" (Аудио, ноябрь 2011 г.)

то, что Кореа и Боллани делают с известными и популярными стандартами, - это маленькое чудо. Босса звучит так, как будто ее перегармонизировал Оливье Мессиан перегармонизировал ее, а в свободно импровизированных частях пианисты обнаруживают не только радость виртуозности, но и, то и дело, свое предпочтение атональному звучанию новой музыки" (Stereo, ноябрь 2011 г.)

музыка Кореа и Боллани всегда звучит красиво" (Sono, ноябрь / декабрь 2011 г.)

Эсбьёрн Свенссон тянется к роялю, перебирает струны в поисках звучания гитары. Он осторожно экспериментирует с ударными акцентами и ныряет в просторы оркестрового формообразования. Внимательный к правильному соотношению музыкальных средств, он вписывает в свое представление о музыкальном творчестве электронные моменты оптимизации звука. И дополняет их гармоническими новациями, мелодически неожиданными вариациями и запоминающимися мотивами. Его музыка - это произведение искусства, которое не претендует на стилистическую определенность и поэтому тем более может работать изнутри себя.

Ведь открытость, любопытство и немного случайности - это творческие корни Эсбьёрна Свенссона: "Я играю на фортепиано, потому что у нас дома не было другого инструмента. На самом деле я бы предпочел барабаны. Когда я был подростком, я, например, сделал набор из старых ведер с краской и пытался звучать как "Sweet" с "Ballroom Blitz". Но потом появился Магнус Острём со своими барабанами, и я остановился на фортепиано. Потому что мы выросли вместе и с самого начала делали музыку вместе. Когда Магнус получил в подарок свою первую ударную установку, он установил ее у меня дома, и мы начали играть. Мы понятия не имели, как это делается, но это было весело. Так что наша музыка долгое время могла развиваться очень индивидуально, потому что у нас не было учителей и никто не говорил нам, как что делать".

"Эсбьёрн Свенссон родился в 1964 году в городе Вэстерас, Швеция. Его мать играла на классическом фортепиано, отец любил Эллингтона, а по радио он слушал хиты бурно развивающейся поп-музыки. За ранними выступлениями в школьные годы последовали первые успехи в старших классах и три года занятий на фортепиано. Четыре года учебы в Стокгольмском университете помогли Свенссону преодолеть опыт самоучек и приобрести необходимую техническую базу, которая позволила юношеской музыкальной безрассудности перерасти в творческую уверенность в себе. К местным влияниям, таким как Ян Йоханссон, добавились образцы для подражания от Чика Кореа до Кита Джарретта, чьи стилистические особенности он включил в свое личное представление о джазовом звуковом пространстве.

С середины 80-х годов Свенссон впервые зарекомендовал себя в качестве вдохновенного сайдмена на шведской и датской джазовой сцене. в 1990 году он создал собственное трио, но только в 1993 году получил необходимый импульс, чтобы представить себя публике с ним на CD. Он познакомился по работе с контрабасистом Дэном Берглундом, был очарован разнообразными творческими возможностями Берглунда и сумел привлечь его в свой коллектив. В том же году трио Эсбьёрна Свенссона дебютировало с композицией "When Everyone Has Gone" (Dragon), затем в 1995 году вышла концертная запись "Mr & Mrs Handkerchief", в 1997 году - "EST Plays Monk", а в 1998 году - "Winter In Venice". Одаренный пианист-новичок начал собирать призы. В 1995 и 1996 годах он был признан лучшим джазовым музыкантом года в Швеции, а в 1998 году - лучшим автором песен. Вместе с такими музыкантами, как Алекс Риель, Мадс Виндинг, Виктория Толстая ("White Russian" 1997) и, прежде всего, Нильс Ландгрен, он стал известен за пределами Скандинавии и сыграл важную роль в том, что концерт Nils Landgren Funk Unit стал одним из самых ярких событий джазового фестиваля в Монтрё в 1998 году.

С альбомом "From Gagarin's Point Of View", записанным в период с мая по ноябрь 1998 года, трио Эсбьёрна Свенссона сделало еще один шаг вперед. Композиционная сложность и отраженное стилистическое разнообразие сочетаются с ритмической чувствительностью к необходимой доле грува и мелодической броскости. Одиннадцать композиций сочетают в себе амбициозность и остроумие, индивидуальность и развлекательность, концепцию и видение с умной непринужденностью, создавая современный паноптикон импровизационных возможностей: "Нашей целью было сделать музыку как можно более текучей. Странное название, придуманное Магнусом, тоже оказалось кстати. Гагарин был первым человеком, увидевшим Землю из космоса. Находясь в одиночестве, он мог наблюдать за всем, что происходит внизу. Нам понравилась эта идея в качестве названия и идеи всего альбома"

Рецензии

М. Инхоффен в stereoplay 7/99: "35-летний музыкант уже осыпается наградами на своей родине в Швеции, а его новый, пятый альбом "From Gagarin's Point Of View" входит в тамошние поп-чарты, что неудивительно - учитывая суверенность и ясность, динамическую тягучесть и ритмическую пробивность, с которыми выступает его трио.стилистические аллюзии на этом альбоме варьируются от Баха до бопа, от Motown до рок-джаза, и e.s.t. гарантируют увлекательное и захватывающее прослушивание

Лейкоциты - белые кровяные тельца - это клетки иммунной системы, которые защищают организм от чужеродных патогенов и инфекций. Время от времени им необходимо обновляться, чтобы продолжать свою работу.

Для e.s.t. способом обновления стали спонтанные джем-сейшены. Часто во время гастролей они снимали на день-два местную студию звукозаписи и играли. Они обходились без сочиненного материала и готовых песен. Музыканты свободно общались друг с другом и полностью отдавались потоку музыки, приходящим и уходящим идеям. Эта свобода была нужна музыкантам e.s.t. для того, чтобы исследовать новые музыкальные регионы, или, как всегда говорил Эсбьёрн Свенссон, "следовать за музыкой". Многие композиции трио в прошлом были созданы именно на основе такой импровизации.

И, конечно, вряд ли в этом мире существовала формация, более предназначенная для этого, чем e.s.t. Они действовали втроем с сомнамбулической уверенностью, буквально "дыша" вместе, "гений с шестью руками, тремя мозгами и музыкальным пониманием" (Джейми Каллум), который задался фундаментальным "вопросом": Чем может быть фортепианное трио, чем оно не было раньше?" (Пэт Метени) (Пэт Метени).

Leucocyte [lu:kәsaıt] - результат такого двухдневного джема. Запись проходила во время австралийского тура группы в знаменитой "Studios 301" в центре Сиднея и была смикширована в присутствии группы на студии Bohus Sound Studios в Гетеборге звукоинженером e.s.t. Аке Линтоном весной 2008 года. 28 апреля в Берлине состоялась фотосессия для новой кампании, а 16 мая группа доставила альбом и обложку в ACT.

А 14 июня случилось немыслимое: Эсбьёрн Свенссон, пожалуй, самый стильный музыкант этого десятилетия, погиб в результате несчастного случая при погружении с аквалангом на острове Врёмдё, недалеко от Стокгольма.

Таким образом, Leucocyte становится музыкальным наследием Эсбьёрна Свенссона и e.s.t.! Это самый смелый и новаторский альбом Эсбьёрна Свенссона (p), Дэна Берглунда (b) и Магнуса Острёма (dr) в качестве e.s.t. Суть этого путешествия-открытия - опьяняющая энергия. Путешествие по кровеносной системе без композиционной сетки и стилистических ограничений, исследование границ музыкальной коммуникации.

Путешествие Эсбьёрна Свенссона, начавшееся почти 10 лет назад во Вселенной (From Gagarin's Point Of View), затем приведшее его на землю через Strange Place For Snow и Seven Days Of Falling, где он распространял провизию для души (Viaticum) и заблудился во Вторничной стране чудес, завершилось альбомом Leucocyte.

A. Кунц в журнале Stereo 3/09: "Все желающие могут ознакомиться с этой сложной работой между джазом, электроникой и роком, которая И роком, которая, несмотря на свой экспериментальный подход Подходит с тревожно красивыми звуками"

Их музыку называют "новым звучанием старого мира", "сильным течением из Швеции", а сам коллектив - "возможно, лучшим джазовым трио в мире". Полет фантазии, в который взлетело трио Эсбьёрна Свенссона - сокращенно EST - почти пугает. После огромного успеха в Швеции они совершили международный прорыв в Монтрё на фестивале ACT World Jazz Night в 1999 году. В следующем году EST произвел фурор во всей Европе, а сейчас он успешно продолжает эту историю успеха в США. Неудивительно, ведь особенно вживую EST излучает энергию, которую трудно уловить - и, как многим кажется, все больше и больше от тура к туру. Восходящая звезда, которая светит все ярче. Но иногда звезды сияют гораздо дольше, чем кажется. И вот записи, доказывающие, что это справедливо и для EST. Группа, основанная в 1993 году, рано нашла свое специфическое звучание - просто поначалу его не замечали за пределами родной страны. Шесть лет назад, в 1995 году, когда однофамилец трио еще носил длинные волосы и повязку на голове, эти записи, вышедшие в том году под названием "Mr. and Mrs. Handkerchief", были сделаны в разных местах Швеции - за год до того, как EST достигли национальной мечты продаж в 10 000 экземпляров с альбомом "Esbjörn Svensson Trio plays Monk" (недавно переизданным как ACT 9010-2). Станции, например, были в Мёльндале, Архусе, Упсале. И у того, кто услышит, как играло трио в те времена, дух захватит (для пробы: трек 5).

Многое из того, что отличает EST сегодня, уже тогда было ярко выражено: слаженность и мощная хватка игры, запоминающиеся темы, которые сразу бросаются в глаза слушателю и при этом не становятся шаблонными, слияние музыки таких кумиров, как Телониус Монк и Кит Джарретт, в собственный стиль, всегда зараженный устремленностью вперед рока. Волшебные моменты были сохранены этими записями для вечности. В треках 3 и 7 Свенссон играет на пианино, которое не может сравниться по звуковому блеску с роялем, и, тем не менее, записи являются жемчужинами. Спонтанная реакция на сиюминутное вдохновение - искусство, которым трио потрясающе владело и тогда.

Нет ли отличий от сегодняшнего дня? В целом, на последних гастролях EST звучали не так грубо, даже более плотно, более контролируемо, чем в бурные дни своей молодости. Сравнение с шедевром "Dodge the Dodo" с концерта в Монтрё в 1999 году (бонус-CD) показывает, что развитие трио было не хаотичным, а непрерывным. Сам Эсбьёрн Свенссон наиболее метко сказал, насколько актуальна для группы музыка того времени: "Очевидно, что мы постоянно развиваемся, как индивидуально, так и как группа. Но развитие - это не только слепой прогресс. Поэтому вместо того, чтобы просто идти вперед, местами мы решили вернуться к нашему раннему звучанию, к тому, что было на наших первых двух альбомах" Уже одного этого достаточно, чтобы уделить новое внимание одному из них: "EST LIVE '95".

Рецензии

М. Инхоффен в stereoplay 11/01: "E.S.T. Live", 1995 записанный в Швеции и теперь изданный здесь с бонусным CD показывает, насколько зажигательно играли Свенссон и Ко уже в то время в песне "Like Wash It Or Something" трое музыкантов подходят к Something" они втроем даже приближаются к классу Keith Jarrett Trio

Кит Джарретт всегда будет оставаться для меня чем-то загадочным. Не потому, что он больше, чем человек, а потому, что он играет с честностью, которая практически непостижима. Его мелодии умеют переворачиваться сами собой, и это производит захватывающий эффект.

На этом новаторском альбоме (первом для ECM) Джарретт, пожалуй, наиболее сосредоточен и прозрачен. Каждая нота кажется идеально расположенной. Его интуиция пылает, и мы с удовольствием принимаем участие в этом процессе. альбом "In Front" с самого начала задает острое и искрометное настроение, а затем переходит на более низкую ступеньку с обязательными балладами. Из них "My Lady, My Child" прекрасна и становится еще прекраснее по мере продвижения по треку. "Starbright" поднимает настроение с причудливым оттенком и бурлит с естественной силой прорвавшейся плотины, а "Vapallia" - это последняя струйка. Финалом является "Semblence", которая катится и подпрыгивает с фирменной энергией Джарретта.

Что можно сказать о стиле исполнения Джарретта? Такие слова, как "плавный" и "безудержный", даже не могут описать его. Кажется, что его пальцы обладают собственным разумом, предвосхищая каждую ноту еще до того, как будет нанесен удар по следующей клавише. Джарретт выходит за рамки понятия "импровизация", превращаясь в нечто совершенно иное: импровизацию. Под этим я подразумеваю, что его способность заставить музыку говорить настолько затемнена композиционно, что она может появиться только в результате капитуляции перед свободой пустой партитуры. В результате получается не объективная музыка, а субъективный опыт, который можно получить, играя на инструменте.

Хотя Джарретту принадлежит заслуга в том, что он представил сольное фортепиано как инструмент, способный выйти за рамки классической музыки, не стоит забывать и о его замечательных предшественниках на ECM (чьи работы я уже рецензировал в этом блоге). Этот диск, смею заметить, очень крут. Настоящее открытие, которым стоит дорожить. Слушая его, хочется искажать лицо и визжать, как будто я сам нахожусь за клавишами.

Рецензии

M.Schmidt в стерео 12/85: "Классические амбиции, джазовый фон, ритмическая чувствительность и превосходная техника образуют на "Facing You" идеальный симбиоз. Музыка Джарретта теперь звучит на компакт-диске свежее и свободнее, рояль звучит полнее и теплее в комнате, фортепианные штрихи воспроизводятся гораздо точнее"

Триумфальное эхо эпохи

301
В январе 2007 года e. s. t. гастролировали в Азии и Австралии, это был третий тур по Японии, второй - по пятому континенту, и концертные площадки выросли не меньше, чем слушатели. Всего несколькими неделями ранее трио завершило триумфальное турне по Германии, в том числе с выступлением, запись которого "Live in Hamburg" (ACT 6002-2) была впоследствии названа лондонской "Таймс" "альбомом десятилетия". Группа, несомненно, находилась в зените своей стилеобразующей работы, которая заново определила звучание и облик фортепианного трио в джазе. Во время отдыха в Сиднее Эсбьёрн Свенссон, Магнус Острём и Дэн Берглунд решили арендовать знаменитую студию "301". Два дня подряд они просто хотели джемовать вместе, не испытывая давления, внести свежий ветер в свою игру и разработать новые произведения. Было создано девять часов музыки, и вскоре после сессии Эсбьёрн Свенссон набрал материал для двух альбомов. Планировалось выпустить либо двойной альбом, либо два альбома, непосредственно следующих друг за другом. Трагическая смерть Эсбьёрна Свенссона 14 июня 2008 года прервала этот план, и посмертно был выпущен только один из альбомов: "Leucocyte" (ACT 9018-2), который был воспринят критиками и поклонниками как новаторская работа, переориентация e. s. t. и наследие Эсбьёрна Свенссона. Три года спустя, в октябре и ноябре 2011 года, Дан Берглунд и Магнус Острём переработали оставшийся материал и вместе с блестящим звукорежиссером e. s.t. Оке Линтоном создали свой собственный микс для ставшего доступным альбома "301" (ACT 9029-2), названного в честь места его происхождения.

3=1
Абсолютно равная игра трех музыкантов и их кажущееся легким, всегда взаимосвязанное взаимодействие - одна из характерных черт e. s. t. На протяжении всего существования группы. Конечно, эта несравненная степень взаимопонимания возникла не случайно. Талант, подготовка и упорный труд дополняли друг друга. Но прежде всего это было выражением многолетней дружбы, "рабочей группы": с 1993 года все трое играли исключительно вместе, полностью сосредоточившись на e. s. t. Это особенно важно, когда приходится экспериментировать в студии без сетки или двойного дна, как это было в Сиднее. Немногие группы способны развивать импровизации и идти дальше, как это удавалось e. s.t: Не простаивая и не возвращаясь постоянно к исходной точке. И вот этот часто копируемый, но никогда не достигаемый поток музыки можно услышать в чистом виде на альбоме "301", который, начинаясь с мелодических идей Свенссона, при слепом доверии каждого к тому, кто рядом с ним, может превратиться из ласкового ручейка во всепоглощающий поток и который, как традиционно, так и самоуверенно, прорезает никогда не проторенные пути.

3+1
Звукорежиссер Оке Линтон (Åke Linton), естественно, был вовлечен в творческий процесс во время сессий записи. С весны 2000 года он ездил с e. s.t. во все их туры, был за пультом на более чем 500 концертах и стал, таким образом, четвертым членом группы. Вместе с ним e. s.t. создала свое неповторимое звучание. На "301" вы можете услышать больше, чем когда-либо, петлевых эффектов, наложенных искажений и эффектов реверберации, созданных Линтоном и точно подогнанных к действию - особенно деликатные процедуры, поскольку их невозможно отменить при сведении. Соответственно, "301", как и "Leucocyte", был отмастерен и смикширован в Bohus Sound Studio в Гетеборге - Åke Linton.

3-1
Случайная смерть Эсбьёрна Свенссона положила конец, пожалуй, самой интересной джазовой группе своего десятилетия задолго до ее появления. С тех пор поклонники тоскуют по архивным материалам и неизвестным записям. С альбомом "301" они получили полноценный альбом с новыми оригинальными композициями и аутентичной музыкой e.s.t. Почему это происходит только спустя некоторое время, очевидно: Дэн Берглунд и Магнус Острём, по их собственным словам, были сначала парализованы потерей своего друга и товарища Эсбьёрна Свенссона и, чтобы смириться с этим, вынуждены были встать на новые пути. Берглунд основал свой инди-джазовый проект "Tonbruket" со старыми друзьями еще со времен e. s. t., который записал два очень успешных альбома "Tonbruket" (ACT 9023-2) и "Dig it to the End" (ACT 9026-2), отмеченных, в частности, шведской джазовой премией Grammy. С альбомом "Thread of Life" (ACT 9025-2) Эстрем представил не менее интересный диск, который также связан с его прог-роковыми влияниями эпохи до E. s.t.

И все же для обоих это был болезненный процесс - впервые обратиться к сиднейским записям. Но это того стоило: "301" - это не что иное, как переделка наследства. В результате получился новый, очень вдохновенный, "настоящий" альбом e.s.t., демонстрирующий группу, находящуюся на пике своего искусства, заряжающую музыку напряжением так, как мало кому удавалось. Об этом свидетельствуют такие композиции, как "Inner City, City Lights" или "Three Falling Free", которые исследуют тему e.s.t. на микроуровне и с ошеломляющим динамическим усилением, а также совершенная драматургия всего альбома, в которую вплетены прелюдия "Behind The Stars" и эпилог "The Childhood Dream", в каждом из которых доминирует фортепиано Свенссона.

Отзывы

независимо от стиля, феноменальное взаимодействие трех шведов всегда ошеломляет. Энергичное нарастание всегда происходит органично, каждый предвидит реакцию другого, что приводит к огромному накалу. Основное настроение "301" более позитивное, чем у мрачного предыдущего альбома "Leucocyte", но и он является шедевром - к сожалению, последним у этого трио (Stereo, апрель 2012 г.)

музыка рисует широкие дуги, то спокойно-лиричные, то дикие и напряженные, но всегда полные интенсивности" (Аудио, май 2012 г.)

джаз в своем классе (Good Times, июнь/июль 2012 г.)

великое сокровище из архива" (stereoplay, май 2012 г.)

Последний проект Чика Кориа - это дань уважения Биллу Эвансу. Ему аккомпанирует ритм-секция из бывших соратников Билла Эванса: барабанщика Пола Моушена и басиста Эдди Гомеса. Живая запись на концерте в честь 50-летия альбома Билла Эванса Explorations в Blue Note в Нью-Йорке. 19 треков на 2 CD - включая ранее не издававшуюся вещь под редакцией Чика Кориа под названием Song No. 1.

Информация о продукте

Продюсер Кореа записал альбом Further Explorations с 4 по 17 мая 2010 года в живом исполнении в Blue Note в Нью-Йорке. (В 2011 году исполняется 50 лет со дня выхода на лейбле Riverside оригинального LP "Explorations" Эванса с Мотианом и басистом Скоттом ЛаФаро) В процессе подготовки Кореа, Гомес и Мотиан изучили всю дискографию Билла Эванса. Вместо того, чтобы подходить к музыке как к трибьюту, его материал представляет собой скорее шаблон. Каждый музыкант также вносит свой оригинальный материал. Результаты вдохновляют, ведь это возвышенное фортепианное трио играет с почти телепатической эмпатией и удивительным сочетанием изобретательности и эмоциональной глубины.

Первый диск начинается с "Peri's Scope" с пластинки Эванса Portrait in Jazz, "Gloria's Step", классической композиции Скотта ЛаФаро с пластинки Эванса Sunday at the Village Vanguard, и "They Say That Falling in Love Is Wonderful" Ирвинга Берлина из бродвейского шоу Annie Get Your Gun. Среди других ярких моментов - композиция Сэмми Фейна и Боба Хиллиарда "Alice in Wonderland" с пластинки Эванса "Waltz for Debby", прекрасная баллада Эванса "Laurie" с пластинки "We Will Meet Again", любовный трибьют Кореа "Bill Evans" и "Little Rootie Tootie" Телониуса Монка В качестве дополнительного бонуса на первом диске представлена незаписанная композиция Эванса под названием "Song No. 1." Эта мелодия была обнаружена архивариусом Фрэнком Фуксом, и на основе этой информации была получена запись песни от сына Эванса. "Чик сделал транскрипцию песни и подтвердил Эдди, что это то, над чем Билл работал годами", - пишет помощник продюсера Боб Белден в примечаниях к альбому. "В первые несколько вечеров песня была настолько новой, что ее нужно было играть как можно ближе к написанному листу. В течение двух недель она превратилась в полноценное исполнение, которое вы слышите в этом наборе, что сделает эту версию окончательной интерпретацией"

Второй диск открывается "Hot House", композицией Тадда Дамерона 1940-х годов, за которой следует "Mode VI" Пола Мотиана. Здесь найдется что-то почти для каждого, начиная с таких каштанов Эванса, как "Turn Out The Stars" и джазовый вальс "Very Early", заканчивая собственным "Another Tango" Кориа и "But Beautiful" Джимми Ван Хойзена и Джонни Берка Завершает сессию оригинальная композиция Эдди Гомеса "Puccini's Walk" (concordmusicgroup. com)

Отзывы

С Мотианом и Эдди Гомесом он привлек на борт двух компаньонов Эванса из самых творческих периодов, но помимо материала из своего репертуара он играет и другие, и свои собственные исполняется репертуар, а также другие и свой собственный. Дух музыки Эванса дух музыки Эванса здесь и сейчас" (Stereo, апрель 2012)

13 февраля 1995 года - историческое событие. Впервые миланский театр "Ла Скала" позволил выступить джазовому музыканту. Но Кит Джарретт - это, конечно же, нечто большее, чем его псевдоним, и он принес с собой богатейшую музыку, не менее оперную, чем та, что обычно звучит на сцене. Ибо как опера воплощает цветущее взаимодействие текста, драмы и звука, так и Джарретт передает вибрации, эмоции и вовлеченность через призму тела, пока его коллективная призма не раскроется, как хвост орла. Так начинается еще один из его импровизационных фортепианных концертов, в данном случае предлагающий подергать кожу пространства-времени до крови.

Мелодичное разворачивание первой части - это самоисполняющееся желание. В 45 минутах, которые материализуются перед нашими ушами, я не могу не распознать нюансы детства. Я чувствую их в родительском трепетном отношении к самым нежным моментам; в изгнании воздуха, которое возникает при нажатии на педаль в сепии; в самореферентных бриллиантах, которые сверкают внутри: Нюансы Кельна, Гурджиева (хотя здесь он, кажется, больше "пишет", чем "читает"), памятников, которые еще предстоит открыть. Поначалу Джарретт держит руки близко друг к другу, как бы обнимая возникающую между ними близость, как клетку для птицы, полет которой еще только снится. Его пальцы двигаются градациями, подобно тому, как солнечный свет меняет свою текстуру в зависимости от прохождения облаков. По мере того, как плотность растет, превращаясь в настоящий кукурузный лабиринт, Джарретт обдумывает решение и пробирается сквозь голос. Он смешивает свое дыхание с дыханием всех присутствующих, вращаясь вокруг оси любви. Ощущения от ивы глубоки. Как песок между пальцами ног, оно редкое и желанное. Пальчиковые валики раскрашивают цветочные ящики при затянувшемся свете дня, сажая в одну глыбу цветы на целое лето. Когда они увядают, от них остается лишь один стебель. Охваченные задумчивым пламенем, которое выхватывает их из виду и превращает их аромат в нечто слышимое, их непрерывность сама по себе является заклинанием, сутрой без слов. Часть I завершается в стазисе, мягкими шагами переворачивая плоскость своего существования, пока не остается полная и непроницаемая сфера, которая, будучи прозрачной, противостоит превратностям интерпретации и поворачивается, пока не сможет запеть снова.

Вторая часть держит микроскоп на вихре расщеплений. Короткие прикосновения к педали и тягучие, цветистые пробежки завершаются стремительным раскатом. Музыка ускоряется, становится сжатой. Скрупулезно детальные исследования верхнего регистра фортепиано высвобождают массу новых впечатлений. Частица за частицей Джарретт создает дождевое облако и вливает его содержимое в пальцы, полные вдохновения. Очень постепенно его левая рука обнаруживает более глубокое притяжение, перекатываясь по камням и разглаживая зеркально гладкую поверхность далекого озера. В ней задерживается что-то от жизни, а поцелуй смерти кажется далеким, как горизонт. Это переходит в один из самых глубоких тоннелей света Джарретта. Он парит в гершвиновской манере, покрывая землю звездной пылью, а затем ведет нас за собой, делая осторожные шаги по следам неистового прилива.

Джарретт рисует миры переходов, если не переходы миров. Каждый момент - это фрагмент большого метеорита, чье лицо можно только услышать, но никогда не увидеть, чьи слезы можно попробовать на вкус, но никогда не пролить. Поэтому его решение завершить выступление интерпретацией песни "Over the Rainbow" более чем трогательно. А интерпретация - это то, чем она является на самом деле, потому что она должна пройти через тело, как дыхание, пока оно не расширится. Это тем более трогательно, что буря браво, пропитавшая его поля, еще не успела высохнуть.

Ла Скала выделяется в архиве Джарретта тем, что по мере усиления бури она все больше и больше исчезает. Он смывает невысказанные ритмы ударами ног, рисуя не внешние просторы, а интимные анатомические схемы, так что возникает ощущение растворения, когда аккордовая работа становится все плотнее, а музыка - все более растворенной. Таким образом, связь между звуком и эффектом не является причинно-следственной. То, что эти стили живут в одной и той же музыке, не означает, что они живут в одном и том же теле. Скорее, Джарретт участвует в их смешении, вписывая вещи в реальном времени, как если бы они были само собой разумеющимися.

Гениальность этих сольных выступлений проявляется не только в огромном объеме проходящего через него материала, который, кажется, транслируется из неземного источника, но и в силе его мелодики, которая при его прикосновении рождает сборник песен, неподвластный времени и доступный только из места удивления.

Отзывы

М. Инхоффен в stereoplay 8/97: "Именно эмоциональная сила, скрывающаяся за "осязаемыми" аккордовыми прогрессиями и ритмическими вариациями, делает сольные импровизационные фортепианные концерты Кита Джарретта столь уникальными. В феврале 1995 года этот волшебник сел за рояль в миланском зале Scala - и предложил все, что заставляет сердца его поклонников парить: смелые, резко очерченные фантазии, направляемые вдохновением, с тихой "Over The Rainbow" в качестве биса"

Согласно общепринятому мнению, которое в данном случае может оказаться верным, пик карьеры Билла Эванса пришелся на 25 июня 1961 года, когда были записаны две концертные пластинки: "Sunday at the Village Vanguard" и "Waltz for Debby" - два последних документа первого и лучшего трио Эванса с басистом Скоттом ЛаФаро и барабанщиком Полом Мотианом. За два года совместной работы с Эвансом ЛаФаро открыл новые возможности джазового баса, играя в невиданном для того времени гармонически раскованном, мелодически гибком стиле. Через десять дней после записи этой пластинки он умер, ему было всего 25 лет.

альбом "Sunday at the Village Vanguard" - это, пожалуй, главный памятник таланту ЛаФаро: в него вошли две его композиции, "Gloria's Step" и "Jade Visions", и почти в каждом треке он играет длинные и ослепительные соло. Но не только ЛаФаро - все трио в этот момент было на высоте: тонко сбалансированный ансамбль, невесомо стоящий на якоре благодаря постоянно меняющемуся, реактивному тембру Мотиана, в то время как ясные, импрессионистические гармонии Эванса плыли над ним, как облака. В этом наборе нет недоразумений, но самым ярким моментом является мрачное, траурное прочтение песни Гершвина "My Man's Gone Now". ~ Томас Бартлетт, eMusic
(concordmusicgroup.com)

Комментарий Оррина (из его новых примечаний): "Хотя я был очень впечатлен его работой с [Джоном Колтрейном], слушая [Маккоя Тайнера] в нью-йоркских клубах в последующие годы, я понял, как замечательно он развивается. Он был и остается одним из самых мощных пианистов, которых я когда-либо слышал; много лет назад он научился соединять эту силу с очень личной формой лиризма - необычное, уникальное сочетание. На мой взгляд, именно это соединение силы и красоты, как в сочинении, так и в игре, отличает "Fly With the Wind" и делает его, возможно, моим личным фаворитом среди 17 альбомов, над которыми я работал с этим выдающимся артистом в течение восьми лет нашей совместной работы в Milestone"

Персоналии: Маккой Тайнер на фортепиано и другие музыканты, включая флейтиста Хьюберта Лоуса, басиста Рона Картера, барабанщика Билли Кобэма

Продуктивность может измеряться как количеством, так и качеством. По обоим показателям сессия Реда Гарланда, состоявшаяся 15 ноября 1957 года, произвела на свет тома; фактически, два тома и часть еще одного. В "Soul Junction" и дополняющем его "All Mornin' Long" Гарланд и Джон Колтрейн были настроены друг на друга и находились в превосходной форме в результате интенсивной работы в квинтете Майлза Дэвиса. Игра трубача Дональда Берда была на пике популярности. Барабанщиком был Артур Тейлор, непоколебимая сила времени и острая чувствительность. Басист Джордж Джойнер (он же Джамиль Нассер) обеспечил глубину и мощь, которые впоследствии привели его к длительному сотрудничеству с Ахмадом Джамалом. Все руки ликуют в двух композициях Диззи Гиллеспи, двух стандартах и одном из тех медленных блюзов Реда Гарланда, которые длятся более четверти часа и являются слишком короткими.
(concordmusicgroup. com)

Норвежский пианист и композитор Кетиль Бьёрнстад - настоящий артистический камертон. Временами его можно встретить в студиях Осло, временами - в качестве известного писателя и приглашенного спикера на чтениях Фонда Эдварда Мунка. Помимо литературных экскурсов, Бьёрнстад выпустил такие успешные альбомы, как "Grace", "Seafarers Song" или дуэтную запись "Epigraphs" с американским виолончелистом Дэвидом Дарлингом, вышедшую на ECM в 2000 году.

В январе 2006 года выйдет его новый альбом "Floating", на котором Кетиль Бьёрнстад впервые предстанет в классической обстановке фортепианного трио. Сразу возникают ассоциации с трио от Билла Эванса до Кита Джарретта. Однако это не так, поскольку Кетиль Бьёрнстад, Мэрилин Мазур (перкуссия, в том числе с Яном Гарбареком) и икона скандинавского джаза Палле Даниэльссон (бас) идут совершенно новыми путями. Кетиль Бьёрнстад, в частности, покоряет своей лиричной, скупой игрой, которая приобретает особую значимость именно благодаря тщательному отбору мотивов. Мэрилин Мазур и Палле Даниэльссон как нельзя лучше дополняют Бьёрнстада, добавляя небольшие акценты в открытые пространства своего лидера, придавая им огромный простор и глубину.

"Floating" - отличный альбом фортепианного трио, который прекрасно вписывается в нынешнюю волну между Тордом Густавсеном, Василевским / Куркевичем / Мискевичем, Бобо Стенсоном и E. S.T..

Рецензии

С. Тильманн в stereoplay 2/06: "Это трио звучит очаровательно незрелищно, но привлекательно именно по этой причине" Б. Клостерманн в Stereo 2/06: "Он очень любит отмечать мелодии и "петь" их на фортепиано. Так происходит и на его первом альбоме в качестве лидера фортепианного трио, для которого он привлек двух партнеров в лице светила контрабаса Палле Даниэльссона и фокусника звука Мэрилин Мазур (ударные, перкуссия), которые красочно поддерживают его плавающую ("Floating") игру"

Жак Луссье: "Тема Allegretto из Седьмой симфонии Бетховена никогда не выходила у меня из головы. Она была у меня в голове уже тогда, когда я начал заниматься музыкой. Я открыл для себя Бетховена в самом начале своей карьеры. И что мне особенно понравилось в его теме, так это ее простота. Она очень красивая, очень трогательная и в то же время музыкально очень интересная. Она как раз соответствует моему личному музыкальному миру, который, как правило, не является ни джазовым, ни чисто классическим, а находится на моей личной промежуточной территории" Получив классическое образование в консерватории, пианист Жак Луссье обнаружил свою любовь к джазу в 1950-х годах. И это был гениальный ход, когда десять лет спустя он объединил оба мира в своем Play Bach Trio. В конце 70-х годов Луссье ушел со сцены и построил в родном Провансе современную студию, где вскоре поселились Стинг и Элтон Джон, а Pink Floyd записали песни для классического рок-фильма "The Wall". Маэстро вернулся с новыми интерпретациями Баха в стиле гоу-гоу-джаз в конце 80-х годов. С тех пор он выпустил целую серию джазовых и соответствующих им классических записей. Жак Луссье с импровизационной легкостью открывает для себя мир Георга Фридриха Генделя, Клода Дебюсси, Мориса Равеля, Эрика Сати или Антонио Вивальди. И вот, наконец, Бетховен. Жак Луссье: "С Бетховеном я хотел достичь чего-то более классического. Я хотел создать нечто очень непосредственное, сразу понятное слушателю" Ему это удалось: Новый диск в равной степени обращен к сердцу, мозгу и желудку. Спокойно, уверенно и с пианистической элегантностью занятой француз открывает новую главу "джаз переходит в классику".