Jazz aus Europa

Если название этой классической пластинки Яна Гарбарека 1984 года вас тронуло, то это не просто так. Как и все произведения альбома, оно взято из поэзии Томаса Транстремера, получившего в этом году Нобелевскую премию по литературе. И если у кого и есть под рукой словарный запас, чтобы передать ее без слов, так это у Яна Гарбарека.

Альбомы Гарбарека, как и альбомы Кита Джарретта, являются указателями в каталоге ECM, по которым можно судить об эволюции звучания и атмосферы лейбла, и если этот альбом является хоть каким-то показателем, то я бы сказал, что он проделал чертовски долгий путь. Гарбарек сияет ярче всего в компании тех, кто может привнести свой собственный звуковой свет в непередаваемое дело, и это именно то, что он находит в лице гитариста Дэвида Торна, басиста Эберхарда Вебера и барабанщика Майкла ДиПаскуа.

Вместе они плетут тонкую паутину из гитар и электроники в "White Noise Of Forgetfulness", где на каждый искаженный квадрат тишины Гарбарек нанизывает песню. Вебер открывает "The Crossing Place" медовым соло, к которому Гарбарек подносит свой саксофонный факел и заставляет темноту светиться, как июльские искры, всегда танцуя на грани уничтожения. Извилистое соло Торна под солнцем пустыни приводит к оазису "One Day In March I Go Down To The Sea". Здесь Гарбарек выводит концепцию звуковой открытки на совершенно новый уровень, диакритически транскрибируя образы и чувства с тщательностью соболиной кисти. песня "Mission: To Be Where I Am" ощущается как личный гимн и обладает собственной лилейной красотой. в "Phone The Island That Is A Mirage" мелодичная басовая работа Вебера сопровождается медленным движением. Заглавная композиция "Phone The Island That Mirave" звучит прямо из сердца и впоследствии появится на opus magnum саксофониста 1998 года "Rites". Завершает сет скромная композиция "I Am The Knife Thrower's Partner", грустная и одинокая история - нет, впечатление - рассказанная двумя многослойными саксофонами, каждый из которых - свет на горизонте, ушедший слишком рано.

К 1990 году Ян Гарбарек провел десятилетия в поисках этого ключа, преодолевая ландшафт пиков и долин, и наконец нашел его в рунах, которые он взял себе в качестве тезок в этом альбоме. Извилистая версия песни Мари Бойне Персен "Gula Gula" очерчивает идеально пропорциональное ритуальное пространство альбома для звука, который с тех пор определяет творчество норвежского саксофониста. В "Runes" его тон достиг сияния, которое, как жидкость, падает на клавишные Райнера Брюнингхауса.

В пятичастной "Molde Canticle", которая исследует самую глубокую анатомию альбома, Гарбарек сохраняет баланс между звуком и движением и создает нечто совершенно особенное. Это произведение, прежде всего, о времени. Оно говорит на языке, который трогает нас. Гироскопичность второй части гудит вокруг центробежной силы лирики Гарбарека, которая развивается от силы к силе. В третьей части звучит певучее соло басиста Эберхарда Вебера, который извлекает птичьи нотки из мягкого скольжения своего смычка. Эти чары - лишь прелюдия к целому кругу духовых и пианистических мечтаний. Часть 4 - более ритмичная (влияние перкуссионистки Наны Васконселос заметно и в таких композициях, как "Buena Hora, Buenos Vientos"), и Гарбарек дует мощно, но причудливо и весомо, а в части 5 он плетет простую волну поверх остинато, напоминающего арфу.

Все эти мелодии имеют задатки народных песен (иногда наоборот, как в "His Eyes Were Suns"), настолько ярки в них образы народов и традиций. Заглавная композиция - более грувовое зрелище, в котором Гарбарек еще больше раскрепощается. Остается только "Rahkki Sruvvis", еще одна песенная композиция с многослойными звуками саксофона для последнего взгляда на небо.

Многие критиковали Гарбарека за то, что он стал слишком мягким. I Took Up The Runes доказывает, что он просто направил эту динамичную энергию через различные струйки интенсивности. Как дым, они нуждаются в огне, чтобы подняться, но огонь в его естественном состоянии требует времени и заботы.

Отзывы

M. Inhoffen в stereoplay 1/91: "Для "I Took Up The Runes" Гарбарек расширил свой квартет - и поражает разнообразием форм и ритмов, экстравертностью и динамично-плавным тоном, который дает ложь всем тем критикам, которые уже поспешили причислить его к джазу нового времени"

"On the Wing" - первый исключительно инструментальный диск Стефана Микуса с 1990 г. В отличие от "Life" (2004), где в музыке запечатлен японский дзен-коан, здесь нет "либретто", нет непрерывного сюжета. Даже если названия пьес свидетельствуют о тесной связи музыканта с природой, они скорее ассоциативны, чем описательны. Тем не менее "На крыльях" определенно задуман как единое целое. "Для меня это как путешествие: Движение, которое начинается, несколько раз трансформируется и, наконец, завершается", - говорит Стефан Микус о своей сюите из десяти композиций. Первые четыре пьесы, например, подготавливают почву для масштабной пятой, "Невеста", которая также занимает центральное место благодаря своему церемониальному жесту.

Среди инструментов из Китая, Тибета, Ирака, Египта, Японии, Бирмы, Индонезии, Кореи, Индии, Испании, Швейцарии и США три выделяются как главные действующие лица: Саттар - струнный инструмент уйгуров из западного Китая, состоящий из одной звучащей металлической струны и десяти резонирующих струн; Мудбедш - тростниковый инструмент из Ирака; и, наконец, Хне - тростниковый инструмент из Мьянмы (Бирмы), который Микус впервые посетил в 1974 году в сложных политических условиях и который стал ему особенно дорог в течение четырех длительных путешествий. "Хне - очень мощный и пронзительный инструмент, используемый в основном на открытом воздухе. Каждый раз, когда я бывал в Бирме, я брал уроки у исполнителей на хне, поэтому для меня было так важно наконец-то включить хне в композицию"

Стефан Микус, родившийся в 1953 году, начал свои обширные исследования еще подростком, откуда привез домой почти неисчислимый арсенал инструментов. Четыре из них впервые появляются на альбоме "On the Wing": помимо Хне и Мадбедша, это мандобахар, очень редко встречающийся смычковый басовый инструмент из Индии, который Микус случайно разыскал в Калькутте несколько десятилетий назад, и перкуссионный инструмент ханг, вдохновленный карибскими стальными барабанами. С самого начала Микус не довольствовался обучением технике игры на типичных инструментах на месте, а всегда старался понять соответствующие культуры во всей их сложности и прочувствовать повседневную жизнь.

Особенно интенсивно он увлекся игрой на ситаре во время длительного пребывания в Индии сразу после окончания школы. "В то время я занимался по многу часов каждый день в течение трех лет", - рассказывает Микус. затем в 1976 году я написал пьесу "As I crossed a Bridge of Dreams" (ECM/Japo 60017), в которой впервые использовал ситар в сочетании с гитарой и вокалом. После тридцатилетнего перерыва я написал еще одно произведение для этого инструмента, впервые для ситара соло. Проблема для меня всегда заключалась в том, что он так тесно связан с традиционной индийской музыкой и ее величайшими мастерами. Однако для меня главное - оторвать инструменты от их первоначального контекста и создать для них совершенно новый звуковой мир. Именно это трудно сделать с ситаром, поскольку он обладает очень уникальным, сразу узнаваемым звучанием. Я много лет экспериментировал с разными струнами и всевозможными перенастройками. В конце концов я снял все струны, кроме двух. Это вернуло меня к начальным этапам создания ситара, который в своей первоначальной персидской форме имел всего три или четыре струны, без всех резонирующих струн, которые добавили индийцы

Микус часто играет на инструментах в своей собственной, неординарной технике или модифицирует их, приспосабливая к своим представлениям о звуке. Особенно его интересуют нетрадиционные сочетания нескольких инструментов для создания больших групп. "Саттар и Мадбедш никогда раньше не играли вместе, просто потому, что они родом из очень далеких стран, между которыми практически не было музыкального обмена. Но поскольку они так естественно сочетаются как компиляция струнных и деревянных духовых, они могли бы стать просто классическим составом", - считает Стефан Микус.

Микус работал над "On the Wing" в своей студии в течение трех лет, с 2003 по 2006 год. "Запись моих произведений всегда очень трудоемка, поскольку я сам играю на всех инструментах, и музыка состоит из множества треков, записанных один за другим. За исключением нескольких концертов, я все свое время посвящаю студийной работе". Не только техническая реализация многодорожечных записей, но и сочинительство Микуса происходит по особым правилам. "Я не записываю свою музыку в нотной записи, а работаю с записывающими устройствами с самого начала. Я импровизирую на каком-либо инструменте до тех пор, пока не наткнусь на фразу, которая покажется мне интересной. Затем эта фраза становится ядром для развития и разработки. Наличие записывающих устройств означает, что у меня всегда есть зеркало моей работы, даже после длительного перерыва. Оставить его и прослушать позже - очень важный для меня процесс. Я экспериментирую со связями и различными комбинациями и позволяю им органично развиваться"

"On the Wing" - 17-я запись Стефана Микуса для ECM.

В комплект CD входит 16-страничный буклет с примечаниями к инструментам и полной дискографией.

Рецензии в прессе:

Стефан Микус - человек, которому можно позавидовать. В то время как у простых смертных одна жизнь, он, кажется, живет тремя разными жизнями одновременно: одна - путешествует, другая - учится, третья - записывает целую вереницу компакт-дисков с собственными композициями. И все это он делает, ничуть не теряя спокойствия. Его музыка - яркое тому подтверждение.
Многие из его инструментов, большинство из которых родом из Азии и Африки, представляют собой вековые музыкальные традиции, находящиеся под угрозой исчезновения. С этой точки зрения композиторское творчество Микуса можно рассматривать как Ноев ковчег звука. Возьмите экземпляр его последнего альбома - On the Wing - и послушайте Ancient Trees - это удивительное сочетание шести шакухачи, двух саттаров (смычковый инструмент, используемый уйгурами в Западном Китае) и четырех мандобахаров (чрезвычайно редкий смычковый басовый инструмент из Индии). Мучительно медленно Микус дает своим инструментам почувствовать себя в полифонической звуковой структуре. Вместе они создают необычайно красивую, похожую на ламент историю, в которой каждая музыкальная фраза словно заканчивается вопросительным знаком. Конечный результат далек от традиционной музыки Японии, Западного Китая или Индии. Напротив, грубовато-зернистое звучание инструментов словно специально создано для этой композиции.
Или возьмем душераздирающе прекрасную "Зимнюю лампу" на том же диске, исполненную на трех саттарах. Характерно, что звучание саттара обладает беспрецедентно широким гармоническим спектром, создаваемым десятью сочувствующими струнами. Зимний свет" звучит как старинная многоголосная молитва, напоминающая русскую православную церковную музыку. Множество гармоник (обертонов) придает пронзительной мелодии ослепительную харизму.
Его музыка не потеряла своей невинности, но приобрела много мудрости. Его уединенный образ жизни и склонность работать в одиночку позволили ему выработать свое собственное, очень своеобразное звучание, не поддающееся никаким капризам моды. Стефан Микус заслуживает почетного места среди современных композиторов, лаврового венка за страсть к экспериментам и глубокого поклона за сольное мастерство. Саския Тёрнквист, Parool, Нидерланды

Пейзажи, которые представляешь себе, слушая эту музыку, кажутся усыпанными жемчужинами утренней росы, одетыми ветром и бризом и благоухающими гирляндами невест. Если рай еще существует, то он здесь, на этой пластинке. B!ritmos

Альбом On the Wing, как и все его записи, далек от всего, что отдаленно напоминает нью-эйдж: это еще один пример того, как чрезвычайно одаренный музыкант создает интроспективный звук ищущей души. Майкл Роф, The Australian

Как всегда неординарно, он объединяет звуки разных культур, открывая совершенно новые миры для прослушивания или разрабатывая свои собственные техники игры и новые инструменты, которые, тем не менее, кажутся совершенно естественными. В то же время его спокойно-радужные произведения приобретают все большую интенсивность благодаря своей ассоциативности. Чрезвычайно органичный альбом. Ханс Петри, Jazzthing

в переводе с немецкого "Vaghissimo Ritratto" означает что-то вроде "прекрасная картина" или "смутное впечатление". Редко название альбома можно понимать так программно и буквально, как в случае с новым альбомом Джанлуиджи Тровеси на ECM. Не далее как со времен своего бестселлера "In Cerca Di Cibo", записанного в дуэте с Джанни Кошиа, итальянский кларнетист у всех на устах.
На "Vaghissimo Ritratto" Тровеси и его соратники озвучивают музыкальные пейзажи между бесплодным высокогорьем и импрессионистскими саундтреками в царстве фильма-нуар. Они создают новый вид импровизированной камерной музыки с незаметными электронными влияниями.

Отзывы

М. Инхоффен в журнале Audio 4/07: "От старых мастеров до Жака Бреля, список похотливо и элегантно и элегантно разобранный - в безупречном звучании"

Виртуозный инструменталист, автор песен и композитор Матс Эден - одна из определяющих фигур новой шведской фолк-музыки, а характерное звучание его настроенной скрипки-дрона является неотъемлемой частью широко известного проекта Nordan Лены Виллемарк и Але Мёллера (альбомы: "Nordan", "Agram"). Неоднократный победитель опросов и премий на своей родине, он является одновременно и хранителем традиционных ценностей народной музыки, и одним из самых новаторских исполнителей жанра. Але Мёллер назвал Эдена "лидером возрождения фолка". Он создал свободу, уникальную для скрипачей. У него миллион идей..."

Матс Эден вырос в музыкальной семье в Вярмланде, на западе Швеции, граничащем с Норвегией. Его отчим был известен как прекрасный скрипач и передал ему много своих знаний. "Опираясь на этот опыт, - говорит Эден, - я много путешествовал, играл с самыми разными музыкантами, что заставило меня задуматься о своих собственных возможностях"

С начала 1980-х гг. Эден и Йонас Симонсон играли вместе в до сих пор существующей шведско-норвежской группе Groupa, музыка которой также опирается на джаз (в Groupa Симонсон - изначально классический флейтист - также играет на бас-саксофоне). Но именно народная традиция является отправной точкой. "У нас с Йонасом сложился почти инстинктивный способ совместной работы. Каждый из нас по-своему искал новые средства выражения в диапазоне традиционной музыки. Глубокое знание этих старинных методов дало нам надежную базу для поиска новых художественных возможностей. Тембр и сильная красота музыки стали основным источником для моих собственных композиций"

Для альбома, якобы посвященного шведской народной традиции, "Milvus" описывает несколько удивительно широких дуг. Он начинается с пьесы, посвященной индийскому скрипачу К. Шивакумару (в своей композиции "Haväng" Эден, похоже, хочет сказать нам что-то об универсальности народного опыта) и заканчивается 20-минутной композицией для струнного квартета в исполнении выдающегося и прогрессивного норвежского квартета Cikada, известного своими интерпретациями Лютославского, Крамба, Веберна, Скельси и т.д. (их можно услышать на готовящемся к выпуску альбоме датского композитора Бента Сёренсена "Birds And Bells" на ECM New Series).

В промежутках Эден посвящает свои записи предшественникам - легендам, таким как эртберги Калле Карлстрем и Лейсме Пер Ларссон, мастерам старой школы игры, таким как Торлейв Бьёргум, а также своим ближайшим современникам, таким как Андерс Розен. Розен был одним из тех, кто в 1970-е годы возродил традицию обильного использования резонирующих струн. Матс Эден сделал еще один шаг вперед, создав скрипку с пятью симфоническими струнами: он назвал этот инструмент "bordunfiol", или "drone-fiddle".

Географическая близость Вярмланда к Норвегии побудила Эдена обратиться к родственным традициям. Так, например, мелодия "Nordafjälls" ("Северные горы") родом из Южной Норвегии и относится к группе песен "Rameslåtter", мотивы которых, как утверждается, можно проследить с XIII века.

Эден также учился в Норвегии, занимался композицией у Лассе Торесена и Олава Антона Томесена, приобретая теоретические и практические знания, которые позволили ему создать свой собственный взгляд на современную композицию, используя при этом знание скандинавской народной традиции. Струнный квартет № 1, представленный здесь, - ранний пример такого развития, исполненный квартетом Cikada с большим мастерством.

Старая музыка, новая музыка... Матс Эден утверждал в других источниках, что черпает вдохновение у всех - от Лейсме пер Ларссона до Лигети. Когда речь идет о шведском фолке, Эден стремится к тому, чтобы звучали голоса раннего поколения скрипачей, но при этом он осознает ответственность, которая сопровождает его собственную роль в традиции, и охотно выступает за новое поколение. На альбоме "Vardag" он с удовольствием демонстрирует музыку одного из своих учеников, Магнуса Стиннербома, "мастера в своем деле", утверждает Эден.

Помимо исторических, музыковедческих и кураторских перспектив, "Milvus" демонстрирует, прежде всего, несомненное удовольствие от игры.

Альбом, кстати, назван в честь хищной птицы, которую по-английски называют коршуном (лат. milvus milvus). Для Матса Эдена эта птица имеет талисманное значение - наблюдая за ней, парящей над горными долинами Швеции, он воспринимает ее как символ свободы.

Отзывы

Sjöraets polska - Efter Olof Schyman; Spillet; Andante Т. Урбах в журнале FonoForum 10/99: "Фолк в испытанной и проверенной ква- ква-литативной изысканности и, наконец, струнный квартет квартет, композитора которого хотелось бы услышать еще, потому что он сочетает чутко озвученные пространства с извергающимися, эмо эмоционально насыщенными массажами"

Каждый музыкант должен однажды порвать с образцами для подражания, традициями, если он хочет сделать шаг за границу известного. Паскаль Шумахер делает это настойчиво и радостно. Он выбирает трудный путь художника, который творит изнутри себя, который не поддается благословениям современного звукового разнообразия и студийной техники, но весит и утяжеляет звуки, бросает вызов музыке и борется с ней. Строго говоря, это делает его более пуристом, чем многие, кто склоняется перед прошлым. Ибо его беспокоит инструмент, из которого он борется с идиосинкратическими вещами, не прибегая к помощи героев

Вибрафон не облегчает ему задачу. Несмотря на то, что его звук экзотичен, он считается негибким и исторически зациклен на развлечениях и эффектах. Запатентованный как ударный инструмент, он принадлежит к семейству ударных инструментов и часто воспринимается как один из вариантов среди множества альтернатив ударным инструментам. Ряд столповых святых до сих пор придавали ему характер и добавляли к его родословной немного качелей, немного бопа, щепотку современности и рюмку сальсы. Таким образом, вам больше не нужно беспокоиться о принятии, но вы найдете только горстку музыкантов, которые оставили четкие следы в джазовом мире как композиторы, стилисты и провидцы вибрафона

Для Паскаля Шумахера это вызов. Молодой люксембуржец хочет не только заявить о себе в смеси непоследовательных систем ссылок, но и подать пример. Его музыкальная смесь поражает, начиная от позднего романтизма и заканчивая новым эмфатизмом настоящего. Звуковые идеи иногда приближаются к сдержанной фанкине Fender Rhodes, иногда - к появлению стальных барабанов, играющих с органной элегантностью, с одной стороны, и трансом, увеличивающим тонопуляцию, с другой. И они не заканчиваются на инструменте Паскаля Шумахера, а опираются на энергию квартета, на силу взаимодополняющей творческой силы

Результат замечательный. Трек за треком "Bang My Can" превращается в эпопею без слов, жонглируя структурой и разрешением. Музыка создается органической, основанной и энергичной. Он укоренен в настоящем, играет с прошлым, с властью и пафосом и основан на игровой установке, на которую оказывает влияние как камерный джаз 80-х годов, так и рок-звук 90-х и открытость настоящего. Таким образом, Паскаль Шумахер уже на пути к выпадению из рамы. У него есть известная команда на его стороне, компактный, узнаваемый репертуар, индивидуальная звуковая идея и достаточно серьезный, чтобы не потерять юмор в деталях - флюиды с отношением, на передний край. (Ральф Домбровски)

Ришар Гальяно: аккордеон, фортепиано, аккордеон - Бирели Лагрен: гитара - Пьер Мишело: контрабас - Шарль Беллонци: баттер

Франко Амброзетти играет на трубе с 1961 года и является артистом ENJA с 1980 года; он один из самых выдающихся джазовых музыкантов Европы. Начав с 1-го места за трубу в 1966 году на Венском международном джазовом конкурсе (тогда им руководил Фридрих Гульда), Амброзетти за эти годы собрал внушительную коллекцию наград в разных странах, включая "Лучший альбом года", "Лучший европейский музыкант" или "Лучшее выступление на фестивале", "Лучший джазовый музыкант Италии", "Кавалер Французской академии". Его отмеченная наградами запись "Movies" была переиздана на ENJA 24-bit Master Series и получила восторженное признание. На его многочисленных превосходных записях, которые мы регулярно выпускали в США, Франко всегда окружали лучшие музыканты нью-йоркской сцены, такие как Майк Брекер, Кенни Киркланд, Кенни Баррон, Джон Скофилд, Ури Кейн, Джон Аберкромби и Джери Аллен.

Эта последняя запись была сделана сразу после 12-концертного тура по Италии, и в ней чувствуется атмосфера нью-йоркского периода. Абрахам Бертон (уже участвовавший в трех великолепных записях на ENJA) впечатляет своей мужественной, мощной игрой на тенор-саксофоне, а Джери Аллен прекрасно возобновил сотрудничество с Франко Амброзетти. Швейцарец Хайри Каензиг - один из лучших европейских басистов, а барабанщик Нэшит Уэйтс - один из молодых мастеров своего инструмента. Сын Франко Джанлука представляет третье поколение необычайно музыкальной семьи, начало которой в истории джаза положил отец Франко Флавио - он играл, в частности, в группе Лайонела Хэмптона. Саксофон-сопрано с электронным усовершенствованием в песне "Blues for my Friends" - изобретение Джанлуки.

В последние годы Франко продолжал развивать свою музыкальную концепцию, вероятно, под влиянием таких партнеров по дуэту, как Чик Кориа и особенно басиста Мирослава Витоуса. "Уже некоторое время я интенсивно работаю с Мирославом Витоусом, концепция которого позволила мне открыть для себя новый удивительный мир. В музыке используется свободная концепция, в отрыве от традиционного порядка: тема, соло, тема. Мы не обращаем внимания на штриховое деление и движемся в сторону свободной импровизации - над простыми, в основном модальными гармониями, которые должны отвечать только одному условию: внимательно слушать другого и обрабатывать музыкальные предложения, откуда бы они ни исходили".

Как и в случае с длинной интерпретацией Витоусом фактически короткой темы "Миробоп" - музыканты формально увлеклись захватывающей 21-минутной импровизацией.

Франко Амброзетти труба, флюгельгорн
Абрахам Бертон тенор-саксофон
Джери Аллен фортепиано
Джанлука Амброзетти сопрано-саксофон
Хайри Каензиг бас
Нашит Уэйтс ударные

Отзывы

,,И мастер бархатистого тона снова показывает, что он превосходный рассказчик" (Аудио, июнь 2012)

Итак, "Cycladic Moods" - это душевный, земной, богатый разнообразием, мелодичный, даже блюзовый, но при этом удивительно молодежный необоп. Потрясающе!" (Jazzthing, июнь-август 2012)

Самые красивые концертные записи норвежского джазового гитариста

"Я провожу много времени в студии, но мне нравится играть вживую", - говорит Эйвинд Аарсет. "И моя игра на гитаре вживую зачастую лучше, чем в студии" Норвежец собрал свой альбом Live Extracts из записей шести концертов в Германии и Риме. Динамика живого сета, в котором его поддерживает оркестр Sonic Codex, меняющийся состав (в том числе Хокон Корнстад, Гуннар Халле и Ветле Хольте), позволяет совершенно по-новому взглянуть на знакомый материал.

Это экспрессионистская версия звукового мира Аарсета, но она никогда не скатывается в самолюбование. Музыка Live Extracts - это чистая дистилляция его воображения: энергичная и необузданная, но в то же время способная порождать нежность, спокойствие и моменты неподвижности. Если такие композиции, как Still Changing, относятся к эмбиентному направлению, то в Electromagnetic и Sign of Seven витает призрак Джими Хендрикса, но пропущенный через фильтр Аарсета.

Гитарист полностью отказался от последующих овердабов и свел редактирование к минимуму. Поклонники найдут в этом 50-минутном сэте подтверждение своему энтузиазму в отношении творчества Арсета. А те, кто никогда не видел музыканта на сцене, теперь смогут ощутить неповторимую атмосферу живого выступления.

Информация о продукте

Взятые с разных площадок и с небольшими изменениями в составе участников, Live Extracts сохраняют единство чувств и целей, присущих студийным работам Арсета, но при этом построены с совершенно иной точки зрения. Динамизм живых выступлений предлагает слушателю свежий взгляд на знакомый материал, часто звучащий совершенно по-новому. Тем не менее, характерный подход Эйвинда Аарсета, хотя и менее дистиллированный и рафинированный, несомненно, присутствует: это сырая руда его воображения, часто смелая, энергичная и необузданная, но в то же время способная на моменты неподвижности, нежности и холодного спокойствия. Это экспрессионистская версия его звукового мира, но она никогда не впадает в самолюбование - эго уходит на второй план, позволяя взаимодействию музыкантов развиваться как внутри, так и вне песенных структур, которые так хорошо знакомы поклонникам Аарсета, создавая при этом нечто совершенно новое. Открывающая и завершающая композиции, хотя и вырастают из отдельных устоявшихся произведений из творчества Aarset, являются превосходными примерами спонтанной музыки, наполненной атмосферой и тонким блеском. Отголоски Джими Хендрикса и Майлза Дэвиса звучат также в композициях Electromagnetic и Sign of Seven соответственно, но они пропущены через очень аарсетский фильтр. Для поклонников это будет подтверждением их пристрастия к его музыке. А для тех, кто никогда не слышал живых выступлений Эйвинда Арсета, Live Extracts станет откровением, которое заставит их в будущем обращать самое пристальное внимание на списки концертов. (gubemusic. com)

Рецензии

"Live Extracts, помимо самого выступления, наиболее примечателен тем, что создается ощущение, что это запись одного выступления, хотя два трека на самом деле являются плавным слиянием двух отдельных выступлений. Аарсет-продюсер столь же дотошен и продуман, как и Аарсет-исполнитель, а резонирующий, раритетный, но мощный Live Extracts служит одновременно и консолидацией, и запоздалым документом постоянной эволюции этого все более значимого артиста." (allaboutjazz. com)

"Некоторые пассажи звучат как Mahavishnu Orchestra, сыгранный на половинной скорости, некоторые - как Майлз Дэвис эпохи Джека Джонсона, твинг-гитара, записанная в ванной Джо Мика, или Fleetwood Mac, играющие Морриконе. Это скорее для любителей эмбиента, чем для джазменов, но это очень качественно и значительно отличается от студийных работ Аарсета" (guardian. co. uk)

Изначально созданный специально для фестиваля VossaJazz, альбом Grace стал полноценным. В основном он был записан на живых выступлениях Кетиля в Воссе, но некоторые песни были записаны позже в Rainbow Studios в Осло, Норвегия, продюсером которой выступил Ян Эрик Конгсхауг. Все песни, вошедшие в альбом Grace, спродюсированы Кетилем Бьёрнстадом, а аранжировки к ним сделаны группой.

Рецензии

P. Bickel in Stereo 6/01: "Grace" - захватывающий поп-альбом, который нужно слушать и Поп-альбом, который нужно слушать и в который нужно погружаться Поп-арт на самом высоком уровне"