Classic

Удостоенный наград французский пианист Паскаль Роже представляет программу на музыку Гершвина и Равеля в записи с Симфоническим оркестром Венского радио под управлением Бертрана де Билли. Пристрастие Роже к французскому стилю и сочувствие к джазу делают его особенно подходящим для этого репертуара.

Doris Bertschinger, accordion

Роберт Симпсон написал свою Пятую симфонию в 1972 году по заказу Лондонского симфонического оркестра. Первое исполнение симфонии состоялось 3 мая 1973 года в Королевском фестивальном зале под руководством Эндрю Дэвиса. Еще одно лондонское выступление состоялось 29 марта 1984 года, снова в Королевском фестивальном зале с Филармонией, дирижером снова стал Эндрю Дэвис. В обоих случаях аудитория и приемная прессы были единодушны в восторге. Десмонд Шоу-Тейлор в обзоре Sunday Times, озаглавленном «Сила Роберта Симпсона», обнаружил «некоторый сокрушительный личный кризис» и заметил, что 4-я и 5-я симфонии «заставляют всех, кроме самых упорно продвинутых слушателей, присмотреться к ним поближе у этого замечательного композитора ». Он нашел Пятый «смелее, жестче и загадочнее по сути». Шестая симфония Симпсона 1977 года была заказана Лондонским филармоническим оркестром на средства, предоставленные Советом по делам искусств, который позже спонсировал запись Шестой и Седьмой симфонии, а также внес свой вклад в ряд последующих комиссий. Премьера состоялась 8 апреля 1980 года в Королевском фестивальном зале с Лондонским филармоническим оркестром под управлением сэра Чарльза Гровса. Эдвард Гринфилд написал в своем обзоре Guardian: «К счастью, метафоры доктора Симпсона являются случайными для его подлинно музыкального воображения. Таким образом, после фрагментарных зародышевых мотивов в начале, он очень быстро превращается в смелую тональную мелодию, которую мог бы написать Нильсен. Можно даже сказать, что присутствует и другое большое влияние доктора Симпсона; он часто признавал свой долг Бетховену, и здесь он фактически написал пастырскую симфонию для 20-го века, взгляд на природу, наблюдаемый не глазами человека, а через микроскоп ».

Тартини и Карл Филипп Эмануэль Бах, виртуозы, эстеты и почти философы, - два очень важных композитора XVIII века. В свое время ими восхищались и уважали, но они должны были открыть новые решительные пути и стать известными предшественниками. Их пленительная изобретательность дает нам возможность обнаружить в их композициях множество нюансов. Их работы представляют для нас в наше время неиссякаемые запасы открытий и эмоций, которыми можно наслаждаться. В контексте диалога Тартини и КФЕ Бах предстают как два полюса; их методы, как можно более разные, точно сходящиеся к одной и той же благородной цели .продвигая нас к самой сути.

Брилинский стремится «сделать упор не на технике, а на звуке, и прежде всего великолепная музыка должна иметь первостепенное значение. Полифонический, как и Бах, Исаи также дает определенный стилистический портрет каждого из шести скрипачей, для которых были написаны сонаты ». Исаи знала их всех лично; Некоторые из них были связаны с Венской филармонией, как и он сам, объединяя, таким образом, различные европейские школы игры на скрипке. Максим Брилинский, однако, не подходит ко всем высоким техническим требованиям, тонкостям и индивидуальным портретам, исключительно исходя из выразительной виртуозности их посвященных. Еще раз подчеркивая связь с венской школой, Брилинский играет на скрипке, созданной в 1862 году венским мастером Габриэлем Лембёком, который также отвечал за струнные инструменты Венского филармонического оркестра, основанного в 1842 году.

Джордж Фридрих Гендель был одним из тех редких композиторов, которые преуспели в сочинении духовного и светского, инструментального и оперного, оставив нам выдающиеся шедевры во всех областях музыки. Уже известный в Италии, Гендель заявил о себе в Лондоне с Ринальдо в 1711 году, что имело такой успех, что он решил остаться в Англии навсегда. Это до сих пор считается одной из его величайших опер. Действие Ринальдо происходит во время крестовых походов. Это роскошное зрелище, рассказывающее историю любви, магии, борьбы за власть и окончательного примирения. Знаменитая постановка Пьера Луиджи Пицци переносит нас в «сказочный, нереальный ... мир заклинаний и заклинаний». (Эпока). Эта постановка Пьера Луиджи Пицци, задуманная в 1985 году для театра Ромоло Валли в Реджо-Эмилии, с тех пор побывала примерно в двадцати крупнейших оперных театрах мира. Не считая практичных сокращений и нескольких смещений музыкальных номеров, его прочная привлекательность заключается в великолепных костюмах и декорациях, стильном образце гипербарокко, избегающем как буквализма, так и дешевой провокации. Он проводится в Maggio Musicale Fiorentino, который был первым театром, вновь открывшимся после закрытия.

Джордж Фридрих Гендель был одним из тех редких композиторов, которые преуспели в сочинении духовного и светского, инструментального и оперного, оставив нам выдающиеся шедевры во всех областях музыки. Уже известный в Италии, Гендель заявил о себе в Лондоне с Ринальдо в 1711 году, что имело такой успех, что он решил остаться в Англии навсегда. Это до сих пор считается одной из его величайших опер. Действие Ринальдо происходит во время крестовых походов. Это роскошное зрелище, рассказывающее историю любви, магии, борьбы за власть и окончательного примирения. Знаменитая постановка Пьера Луиджи Пицци переносит нас в «сказочный, нереальный ... мир заклинаний и заклинаний». (Эпока). Эта постановка Пьера Луиджи Пицци, задуманная в 1985 году для театра Ромоло Валли в Реджо-Эмилии, с тех пор побывала примерно в двадцати крупнейших оперных театрах мира. Не считая практичных сокращений и нескольких смещений музыкальных номеров, его прочная привлекательность заключается в великолепных костюмах и декорациях, стильном образце гипербарокко, избегающем как буквализма, так и дешевой провокации. Он проводится в Maggio Musicale Fiorentino, который был первым театром, вновь открывшимся после закрытия.

Самые известные «Lecons de Tenebres» - это произведения Франсуа Куперена, датируемые 1714 годом. В конце концов Людовика XIV священные эмоции, сочиненные Купереном для своих певиц, по-видимому, зародились в опере ... монастырей, люди спешили послушать эти божественные голоса, поющие Уроки Страстной недели, безликие голоса молодых монастырских отшельников, голоса небесные ... но чаще оперные певцы! Свечи гасли по мере продвижения службы в Тенебре, завершившейся в темноте ночи ... Леконы Франсуа Куперена, органиста Королевской Шапели в течение 37 лет, являются вершиной французского сакрального искусства века Луи Ле Гранда. Возвышенные и юные голоса Флори Валикетт и Софи Юнкер виртуозно переплетаются с причитаниями, придавая этой музыке завораживающую свежесть. Во главе солистов Королевского оперного оркестра Стефан Фюже работает над орнаментом в проверенной веками традиционной манере, придавая значение каждой фазе и подчеркивая блеск этого апофеоза французского барочного пения.

Два контртенора для Stabat Mater Перголези: это воскрешение первого исполнения во Франции этого произведения, представленного двумя итальянскими Кастрато из Королевской капеллы Людовика XV, которые с энтузиазмом пропагандировали его как при дворе, так и в Concert Spirituel. Париж был завоеван и увидел в нем революционный отпечаток неаполитанского гения, который, увы, скончался таким молодым. Перголези незадолго до своей смерти в возрасте 26 лет, страдающий болезнью, выразил страдания Богородицы языком страсти, более типичным для оперы. Stabat Mater, впервые исполненная в 1736 году, является одним из знаковых произведений барокко и оказала глубокое влияние на музыкальный мир 18 века. Чтобы придать великолепие роскошному дуэту ангельских голосов, оплакивающих боль Марии у подножия креста, требуются два исполнителя, сочетающих свои тембры, как два неаполитанских кастрата, для которых была написана эта музыка. Блестящее сопрано Самуэль Марино и не менее блестящий контратенор Филиппо Минечча образуют исключительный дуэт для этой эмоциональной и виртуозной программы.

Создав свой шедевр Les Indes galantes в 1735 году, Рамо обновил жанр оперы-балета, представив отдельные независимые картины, включив в него серию безумных любовных историй с участием экзотических народов, рассматриваемых по-разному: драматические для Великодушного турка. , трагедия для инков Перу и комикс для дикарей. Феноменальный успех - 320 выступлений! Молодой Валентин Турне выбрал версию 1761 года, которая включает пролог, за которым следуют три входа. В «Входе инков» Землетрясение и сошествие верховного жреца в подземный мир - необычные моменты. Турецкое- открывается необузданной страстью, в которой преобладает шторм невероятной красоты. Наконец, знаменитый «Танец дикарей» сам по себе мог подвести итог всей французской опере 18 века. Великолепный вокальный состав великолепно использует вызывающую воспоминания силу французского языка в сердце оркестра на службе восхитительной музыки Рамо, цвета и пышность которой переливаются благодаря Валентину Турне.

«Струнный квартет, который Вайнберг завершил в мае 1937 года, не имеет ничего общего с музыкой, которой тогда увлекались молодые варшавские композиторы. В нем отсутствуют какие-либо явные отголоски стиля Шимановского или неоклассицизма, последний был наиболее привлекательным для молодого поколения композиторов того времени. Кажется, что Вайнберг писал с точки зрения пианиста, и, возможно, именно поэтому рукопись гласит: «Посвящается профессору Юзефу Турчински». В результате получился трехчастный цикл с медленным центральным движением и танцевальным финалом. возвращает темы из начала произведения. (...) Вайнберг написал свой струнный квартет No. 16 (завершена в январе 1981 г.), и в то же время он работал над своей Симфонией No. 16. В то время как Симфония была написана в память о его матери, квартет был написан для его сестры. В сентябре 1939 года он навсегда расстался со своими близкими. Его родители и сестра не смогли вовремя выбраться из Варшавы и четыре спустя годы они погибли в концлагере Травники. «Многие из моих работ относятся к войне», - пояснил Вайнберг. "Но не я выбрал эту тему. Это было продиктовано судьбой, трагической судьбой тех, кто был мне дорог. Я считаю, что это мой моральный долг - писать о войне и ужасных страданиях, которые наш век принес людям ». Самым известным произведением, в котором эта тема занимает центральное место, является опера «Пассажир», с которой сегодня Вайнберг больше всего ассоциируется. (...) И, как и в случае с предыдущим квартетом, знание намерений Вайнберга помогает нам понять характер струнного квартета No. 17. С первых же тактов веселое настроение Allegro с его танцевальными 6/8 метрами создает атмосферу юбилея. Соло для виолончели - отсылка к Сонате No. 4 для виолончели соло, сочиненную Вайнбергом незадолго до 60-летия со дня рождения Валентина Берлинского - виолончелиста квартета Бородина. Это соло ведет прямо к центральному эпизоду, состоящему в основном из дуэтов и трио и выдержанных в медленном темпе. Эта обычно меланхолическая часть, составляющая почти половину пьесы, постепенно приобретает драматическое напряжение. Может быть, композитор включил в музыку некие аллюзии, предназначенные только для участников квартета? Финальная серия открывается дуэтом виолончели и альта - сначала несколько скерцо, но потом некоторое время снова явно «празднично» по духу, благодаря возвращению вступительной темы. Последняя минута квартета ликует вплоть до финального унисона в ре мажоре - ноте, занимающей привилегированное положение среди струнных инструментов. «Осознание того, что кто-то ждет твою музыку, чрезвычайно мотивирует», - мы читаем в одном из немногих интервью, которое дал Мечислав Вайнберг. «Я надеюсь, что квартет, который я пишу сейчас, достанется ансамблю Бородина. Для композитора это очень важно! При сочинении мне не нужно учитывать какие-то особые предрасположенности музыкантов, которые часто исполняют мои произведения. Мне не нужно думать, чего следует избегать, потому что позже это может не сработать. С ними всегда все получается! "

«Он хотел создать что-то неслыханное», - заранее заметил дирижер Николаус Харнонкур. И соответствует форме: то, что дирижер должен был предложить, начиная свой цикл Моцарт / Да Понте в Театре ан дер Вин, было чем-то, что мы «никогда раньше не слышали» (Курьер). Николаус Харнонкур, «мастер» исторической исполнительской практики, реализовал проект, который долгое время был одним из его самых заветных желаний: впервые он и его «оркестр оригинального звука» Concentus Musicus и его личный выбор певцов представляли Моцарта полностью. / Цикл да Понте и сбор плодов своих исследований Моцарта - «цикл, получивший признание с энтузиазмом!» (news.at). Во время интенсивной фазы репетиций и подготовки он искал герменевтику Моцарта, опирающуюся на исторические источники и, тем не менее, привязанную к нашему времени, чтобы поставить всю «трилогию» Да Понте - Le nozze di Figaro, Don Giovanni и Così fan tutte - всего за шесть недель. «Кульминация участия Харнонкура в [операх Моцарта Да Понте] - Моцарт, почерпнутый из исторических источников, но привязанный к нашему времени». (Пресс)

«Он хотел создать что-то неслыханное», - заранее заметил дирижер Николаус Харнонкур. И соответствует форме: то, что дирижер должен был предложить, начиная свой цикл Моцарт / Да Понте в Театре ан дер Вин, было чем-то, что мы «никогда раньше не слышали» (Курьер). Николаус Харнонкур, «мастер» исторической исполнительской практики, реализовал проект, который долгое время был одним из его самых заветных желаний: впервые он и его «оркестр оригинального звука» Concentus Musicus и его личный выбор певцов представляли Моцарта полностью. / Цикл да Понте и сбор плодов своих исследований Моцарта - «цикл, получивший признание с энтузиазмом!» (news.at). Во время интенсивной фазы репетиций и подготовки он искал герменевтику Моцарта, опирающуюся на исторические источники и, тем не менее, привязанную к нашему времени, чтобы поставить всю «трилогию» Да Понте - Le nozze di Figaro, Don Giovanni и Così fan tutte - всего за шесть недель. «Кульминация участия Харнонкура в [операх Моцарта Да Понте] - Моцарт, почерпнутый из исторических источников, но привязанный к нашему времени». (Пресс)

«Он хотел создать что-то неслыханное», - заранее заметил дирижер Николаус Харнонкур. И соответствует форме: то, что дирижер предложил, когда он начал свой цикл Моцарт / Да Понте в Театре ан дер Вин, было чем-то, что мы «никогда раньше не слышали» (Курьер). Николаус Харнонкур, «мастер» исторической исполнительской практики, реализовал проект, который долгое время был одним из его самых заветных желаний: впервые он и его «оркестр оригинального звука» Concentus Musicus и его личный выбор певцов представляли Моцарта полностью. / Цикл да Понте и сбор плодов своих исследований Моцарта - «цикл, получивший признание с энтузиазмом!» (news.at). Во время интенсивной фазы репетиций и подготовки он искал герменевтику Моцарта, опирающуюся на исторические источники и, тем не менее, привязанную к нашему времени, чтобы поставить всю «трилогию» Да Понте - Le nozze di Figaro, Don Giovanni и Così fan tutte - всего за шесть недель. «Кульминация участия Харнонкура в [операх Моцарта Да Понте] -« Моцарт, почерпнутый из исторических источников, но привязанный к нашему времени ». (Пресс)

«Он хотел создать что-то неслыханное», - заранее заметил дирижер Николаус Харнонкур. И соответствует форме: то, что дирижер предложил, когда он начал свой цикл Моцарт / Да Понте в Театре ан дер Вин, было чем-то, что мы «никогда раньше не слышали» (Курьер). Николаус Харнонкур, «мастер» исторической исполнительской практики, реализовал проект, который долгое время был одним из его самых заветных желаний: впервые он и его «оркестр оригинального звука» Concentus Musicus и его личный выбор певцов представляли Моцарта полностью. / Цикл да Понте и сбор плодов своих исследований Моцарта - «цикл, получивший признание с энтузиазмом!» (news.at). Во время интенсивной фазы репетиций и подготовки он искал герменевтику Моцарта, опирающуюся на исторические источники и, тем не менее, привязанную к нашему времени, чтобы поставить всю «трилогию» Да Понте - Le nozze di Figaro, Don Giovanni и Così fan tutte - всего за шесть недель. «Кульминация участия Харнонкура в [операх Моцарта Да Понте] -« Моцарт, почерпнутый из исторических источников, но привязанный к нашему времени ». (Пресс)

На Зальцбургском фестивале Сесилия Бартоли сияет в роли Ариоданте с ее ослепительной колоратурой в высоко оцененной новой постановке немецкого режиссера Кристофа Лоя, известного своими умными психологическими постановками. Лой превращает великолепную оперу Генделя в стиле барокко в захватывающее и дифференцированное размышление о гендерных ролях. Высококлассный ансамбль, в первую очередь блестящая Сесилия Бартоли в роли рыцаря Ариоданте, легко переключающаяся между веселым и жалобно виртуозным пением, превращает постановку в настоящий триумф. Рядом с ней выступают любимец публики Роландо Вильясон в роли Луркано и юное американское сопрано Кэтрин Левек, признанное критиками «истинным открытием» (Neue Zürcher Zeitung). Джанлука Капуано на подиуме Musiciens du Prince - Монако «обеспечивает элегантность, богатство красок и чувствительную, волнующую реализацию гениальной партитуры» (Курье). «Сесилия Бартоли - это собственная лига!» (Der Standard). «Пение было сенсационным» (LA Times)