Классическая музыка (CD)

Тигран Алиханов, фортепиано И. С. Бах. Токката ре мажор, BWV 912 Бетховен. Фантазия, ор. 77; Полонез, ор. 89 Шуберт. Скерцо № 1, D 593 Р. Штраус. Соната си минор, ор. 5 Берг. Соната си минор, ор. 1

В творческой биографии Тиграна Алиханова 60-е – начало 70-х годов стали судьбоносными: годы учения в классе легендарного Л. Н. Оборина (1961 – 1969), лауреатское звание на престижном Международном конкурсе имени М. Лонг и Ж. Тибо в Париже (1967), начало активной концертной деятельности, формирование художественных позиций, репертуарных пристрастий... В начале 70-х выходит в свет первая пластинка молодого пианиста, в которой впервые в России была представлена Соната, ор. 1 Альбана Берга – тогда мало известного у нас нововенца. В дальнейшем обращение Алиханова к новой музыке становится его артистическим принципом: он был первым исполнителем сочинений Пьера Булеза, Эдисона Денисова, Дьёрдя Куртага, Джона Кейджа, многих других композиторов XX века. Но и в «классическом» концертном репертуаре, и особенно в фондовых записях Алиханова преимущественное место занимают произведения редко исполняемые, или же, оказавшиеся вне кругозора нашей культурной памяти. Фактически все представленные на диске записи являются в истории российской грамзаписи «премьерными» и были осуществлены во второй половине 60-х (Берг, Бах), начале 70-х (Бетховен, Шуберт) и начале 80-х годов (Р. Штраус).
В разноплановых оценках искусства Алиханова мастерство фортепианной колористики остается величиной постоянной. Об особой привлекательности звучания говорят и критики, и музыкальные коллеги: «Звук пианиста неизменно красив, певуч, бархатист» («Советская музыка»); одна из важнейших черт алихановского пианизма – «тембровое богатство фортепианного звучания» (Н. Петров). Действительно, если судить и по данным записям Алиханова, звуковая палитра его рояля разнообразна, богата тембровыми переходами, нюансами, градациями. Но это также и высокая интонационная чуткость, смысловая наполненность фраз, гибкость дышащего музыкального времени, которые создают атмосферу непосредственного и при этом стилистически безукоризненно выдержанного повествования в барочной Токкате Баха, в декламационно-патетичной Фантазии, в Полонезе Бетховена, в камерно-изящном Скерцо Шуберта; абсолютная включенность в действие, вслушивание в каждую деталь многоплановой фактуры определяют яркую, эмоционально интенсивную жизнь звукового материала в позднее-романтической сонате Штрауса, создают экспрессивный мир глубоких рефлексий и чувствований в шедевре Берга. Вместе с тем для пианистической манеры Алиханова характерны неизменная точность исполнительских средств, тщательная выстроенность драматургических планов, конструктивная завершенность музыкального целого.
Сочетание «импровизационных» состояний с ясным структурным мышлением; вдохновение, контролируемое музыкантским вкусом и знанием; чувство меры, уравновешенность эмоциональных характеристик; наконец, неприятие артистического эгоцентризма – эти свойства исполнительского интеллектуализма выказывают несомненное сродство искусства Алиханова с этическими принципами оборинской школы. «Я воспитан профессором, который всегда занимал ясную позицию в понимании триады композитор – исполнитель – слушатель – говорит Тигран Алиханов. – Как учил нас Лев Николаевич Оборин, первостепенная и благородная задача исполнителя – не в показной демонстрации своего «Я», а в умении донести до слушателя содержание произведения. В этом – формула исполнительства, в этом – всё».

Владимир Чинаев

Исполнители:  Тигран Алиханов, фортепиано

Композиторы:  И. С.  Бах (1685-1750) Л. ван Бетховен (1770-1827) Ф. Шуберт (1797-1828) Р. Штраус (1864-1949) А. Берг (1885-1936)
 

ПОЛНОЕ СОДЕРЖАНИЕ ДИСКА:

И. С. Бах (1685-1750)
1 | Токката ре мажор, BWV 912 | 10.25
Л. ван Бетховен (1770-1827)
2 | Фантазия соль минор – си мажор, ор. 77 | 10.33
3 | Полонез до мажор, ор. 89 | 5.54
Ф. Шуберт (1797-1828)
4 | Скерцо № 1, D. 593 | 4.23
Р. Штраус (1864-1949) Соната си минор, ор. 5
5 | 1. Allegro molto appassionato | 9.49
6 | 2. Adagio cantabile | 5.42
7 | 3. Scherzo and trio | 2.53
8 | 4. Finale: Allegretto vivo | 7.17
А. Берг (1885-1936)
9 | Соната си минор, op. 1 | 8.45

 

Елена Гладилина, Наталия Юрыгина, фортепианный дуэт Кодаи. Барток. Шостакович. Аренский

Существовавший более трех десятилетий фортепианный дуэт заслуженных артисток России, профессоров Московской консерватории Елены Гладилиной и Наталии Юрыгиной вписал яркую, неповторимую страницу в историю ансамблевого исполнительского искусства. Его игру отличало удивительное сочетание творческой силы и точного следования авторскому замыслу, исключительной виртуозности, интеллектуализма и захватывающей эмоциональности. На компакт-диске представлены записи, сделанные на концертах дуэта в Малом и Рахманиновском залах Московской консерватории в конце 1990-х – начале 2000-х годов.
Деятельность участниц дуэта была неразрывно связана с Московской консерваторией, в которой они учились у корифеев русской фортепианной школы: Е. Гладилина – у Генриха и Станислава Нейгаузов, Н. Юрыгина – у Якова Зака. Концертный дебют дуэта состоялся в 1968 году. Одна из первых рецензий отмечала «единство фортепианной школы, определившее высокую звуковую и фортепианную культуру исполнения», которое «отличалось великолепным пианистическим мастерством и подлинной артистической увлеченностью». Характеризуя участниц ансамбля, рецензент писал: «Индивидуальности пианисток различны, но они отлично чувствуют и дополняют друг друга, достигая целостного воздействия на аудиторию» («Советский музыкант»). Впоследствии пресса не раз подчеркивала «художественное мастерство», «яркий темперамент», «великолепное чувство стиля, единство интерпретации», присущие выступлениям ансамбля («Советская музыка», «Московская правда», «Гудок»). Но артистки неизменно вызывали восхищение слушателей не только идеальным балансом, ритмической выверенностью, безупречным вкусом, но, в первую очередь, горением духа. В их интерпретациях не было шаблонов и штампов, и каждый концерт был творческим озарением.
Дуэт находился в непрерывном творческом поиске и развитии. Ему был подвластен язык как классической, так и современной музыки – от Баха до сочинений конца XX века. К середине 1990-х годов репертуар дуэта был поистине всеобъемлющ: он насчитывал свыше 70 произведений разных эпох, стилей и жанров, постоянно обновляясь, в том числе концертными транскрипциями, сделанными специально для ансамбля, и опусами современных авторов. Это позволяло музыкантам строить концертные программы в виде тематических циклов (например, «Жанр концерта XVIII-XX веков», «Французская музыка», «В ритмах вальса», «Классика XX века» и др.).
Выступления дуэта проходили на всех концертных площадках Московской консерватории и Союза композиторов. Он принимал участие во Втором и Третьем международных фестивалях фортепианных дуэтов в Нижнем Новгороде (1991) и Екатеринбурге (1993), в фестивале фортепианных дуэтов «Московская композиторская школа» (1992), неоднократно записывался на радио и телевидении. Е. Гладилина и Н. Юрыгина были первыми исполнителями целого ряда сочинений И. Дубковой, А. Коблякова, Т. Сергеевой и других композиторов нашего времени (в том числе на фестивале «Московская осень»).
Дуэт получал самые высокие оценки ведущих музыкантов современности (пианистов, композиторов, музыковедов), среди которых – Э. Вирсаладзе, Н. Петров, В. Агафонников, Ю. Буцко, С. Губайдулина, Т. Хренников, Г. Фрид, М. Нестьева и многие другие. В 1989 году ансамбль был включен в Международную ассоциацию двухрояльных дуэтов.
В начале 2003 года преждевременная смерть Елены Вильгельмовны Гладилиной прервала жизнь замечательного содружества, находившегося тогда на пике своей исполнительской и творческой формы...
Хочется напомнить, что рождение дуэта было связано с «Симфоническими танцами» Рахманинова в авторском переложении для двух фортепиано – произведением, интерпретация которого стала одной из исполнительских вершин в творчестве Е. Гладилиной и Н. Юрыгиной. В дальнейшем музыканты не раз обращались к симфоническому жанру, тяготея к крупным формам, передаче оркестровых красок и тембров, яркому проявлению дирижерского начала. Незабываемыми в их исполнении останутся колористические полотна «Вальса» Равеля и «Ноктюрнов» Дебюсси, «Праздничного вступления и Свадебной песни из «Лоэнгрина» Вагнера-Листа, рахманиновских сюит. В эти минуты у слушателей создавалось впечатление, что звучат не два инструмента, а какой-то фантастический, переливающийся всеми цветами радуги сверхоркестр, способный почти мгновенно менять свою динамику от четырех piano до полнозвучного tutti-fortissimo!
Оркестровое ощущение музыки сохраняется и в вошедших на диск записях сочинений XX века, – концертном переложении для двух фортепиано симфонического цикла Кодаи «Танцы из Галанты» и Сонате для двух фортепиано и ударных Бартока (обе записи сделаны на последнем концерте дуэта 20 сентября 2002 года, партнерами пианисток выступают молодые исполнители на ударных, студенты консерватории), а также в Концертино Шостаковича. Но артистки не менее убедительны и в пьесах Аренского, воскрешая своей игрой неповторимую атмосферу ансамблевого музицирования и утонченной пианистической культуры давно ушедших времен...

Григорий Моисеев

Исполнители:  Елена Гладилина, Наталия Юрыгина, фортепианный дуэт Андрей Мартынов, Сергей Шамов, перкуссия (2-4)

Композиторы:  З. Кодаи (1882-1967) Б. Барток (1881-1945) Д. Шостакович (1906-1975) А. Аренский (1861-1906)

Органная музыка московских композиторов-педагогов Московской консерватории
Н. Ф. Колесса (1904-2006), Р. С. Леденев (р.1930), А. И. Пирумов (1930-1995), Ю. В. Воронцов (р.1953), Дэвид Гомппер (р.1954), И. А. Дубкова (р.1956), Д. В. Дианов (р.1963)
Константин Волостнов (орган)

 

Московская консерватория вот уже на протяжении полутора столетий яв­ляется одним из крупнейших центров отечественной композиторской шко­лы. Величайшие композиторы были её выпускниками и преподавали в ней. Творчество русских авторов охватыва­ло практически все жанры и задейство­вало обширный инстументарий, а с от­крытием в 1885 году органного класса многие московские музыканты полу­чили возможность на практике ознако­миться с органом — уже тогда извест­ным и многими любимым инструмен­том, а также с созданным для него ре­пертуаром. У истоков органной композиторской школы Московской консер­ватории стояли СИ. Танеев, Г.Л. Катуар, А.Ф. Гедике и P.M. Глиэр. Пар­тию органа включают в свои сочине­ния СВ. Рахманинов и А.Н. Скрябин. Позднее этот инструмент начинает привлекать к себе внимание всё более и более широкого круга авторов.

Непрерывно развивалось в Москов­ской консерватории и органное испол­нительство: следом за первыми выпуск­никами Л.И. Бетинга, в число которых входили такие замечательные испол­нители как А.Ф. Морозов, Т.Х. Бубек и А.А. Волков, определенную извест­ность приобрели имена Б.Л. Сабанее­ва, И. Зейслера, Ф. Цабеля, И. Штром-бах, В.П. Степанова. Важную роль в области развития органного исполни­тельства и композиции сыграло появ­ление в 1901 году на сцене Большого зала нового здания Московской консер­ватории органа великого французского мастера А. Кавайе-Колля. Это оказало значительное влияние на стиль орган­ных сочинений московских композито­ров первой трети XX века (Т. Бубека, А.Ф. Гедике), характеризующийся мас­штабностью и симфонизмом звучания.

С 1923 по 1957 годы органным классом руководит А.Ф. Гедике, сре­ди учеников которого — М.Л. Старокадомский, И.Д. Вейсс, СЛ. Дижур и Л.И. Ройзман, возглавивший класс по­сле смерти Гедике. С того времени и по сей день органное искусство в Москов­ской консерватории продолжает разви­ваться, что связано с расширением ор­ганного класса, с приобретением но­вых инструментов (сейчас в консер­ватории находятся 6 органов) и, нако­нец, с появлением множества превос­ходных сочинений для органа совре­менных авторов. Традиции органного искусства поддерживаются не только такими крупными исполнителями, как A.M. Шмитов, А.А. Паршин, Н.Н. Гуреева, но и композиторами — кон­серваторскими профессорами и пре­подавателями, пишущими для орга­на: М.В. Мильманом, Р.С Леденёвым, А.Г. Шнитке, Н.Н. Сидельниковым, Ю.М. Буцко, В.Г. Киктой, московски­ми композиторами — выпускниками консерватории А.Я. Эшпаем, Р.С. Бу­ниным, а также авторами более моло­дого поколения.

Сегодня органное искусство по праву является неотъемлемой частью творческого облика Московской кон­серватории и культурной жизни Мо­сквы в целом. Будучи очагом органно­го исполнительства и композиции, Мо­сковская консерватория и по сей день удерживает ведущие позиции в этой области, воспитывая в своих стенах музыкантов, проявляющих подлинный интерес к органу.

В программу нашего диска вошли сочинения, прозвучавшие на концер­те, прошедшем по инициативе кафе­дры композиции Московской консерва­тории и Союза композиторов Москвы в рамках 25-го Международного фестиваля современной музыки «Москов­ская осень-2003». При составлении программы мы ставили задачу испол­нить сочинения не только московских композиторов — профессоров и препо­давателей Московской консерватории, — но и, опираясь на существующие в консерватории давние традиции меж­дународного сотрудничества, предста­вить широкую панораму органной му­зыки XX-XXI столетий. В концерте были исполнены как сочинения, уже прочно закрепившиеся в органном ре­пертуаре — такова музыка профессора Московской консерватории Алексан­дра Ивановича Пирумова (1930-1995), украинского композитора Николая Фи­ларетовича Колессы (1904-2006), — так и созданные в последнее десятиле­тие пьесы профессора Романа Семёно­вича Леденёва (р. 1930) и американско­го автора Дэвида Гомппера (р. 1954), а также премьерные исполнения сочине­ний профессоров и доцентов консерва­тории Ирины Анатольевны Дубковой (р. 1956), Юрия Васильевича Воронцо­ва (р.1953) и Дмитрия Валентиновича Дианова (р. 1963).

Николай Филаретович Колесса — классик украинской музыки, который в декабре 2003 года отметил своё столе­тие. Прозвучавшая на фестивале «Мо­сковская осень» Прелюдия и фуга — его единственное произведение для органа.

Валерий Кикта

Фантазия была задумана как поли­фоническая пьеса для органа с чертами пассакалии. Автор темы, на которую она была написана, композитор Поль Двойрин имел замысел включить её в фортепьянную триаду. Части триады, объединённые общностью исходно­го материала, должны были принад­лежать разным композиторам. После того, как триада была создана (в число её авторов также вошли композиторы С.М.Слонимский и сам П.М.Двойрин), я вернулся к органной версии. По моему мнению, обе версии — органная и фор­тепьянная могут сосуществовать.

Роман Леденев

Александр Иванович Пирумов — остался в памяти знавших его как че­ловек, притягивающий к себе ощуще­нием исходящих от него доброты, мяг­кости, неторопливого спокойствия. Он был композитором-философом, созер­цающим красоту окружающего нас мира, отражающим её в своих мыслях и музыке. Органные прелюдии вопло­щают в себе многие качества Пирумо­ва - композитора: серьёзный тон, ску­пой, часто поступенный тематизм, из­ящество письма, тонкое вплетение на­ционального элемента, столь любимую им полифоничность фактуры. Это та­лантливо, интересно, мастерски вы­полнено.

Роман Леденев

«Три пьесы для органа» Юрия Воронцова (2003) — «первое обращение автора к жанру органной музыки в год своего 50-летия» (Ю.Воронцов). Эти пьесы контрастны, при этом все они написаны с применением техники со­норной композиции. Каждая из пьес - это пребывание в одном состоянии. Это опускающиеся сумерки в «Вечер­нем пейзаже», таинственные и немно­го лукавые мерцания в Этюде и очень интересный сплав старинного цер­ковного напева с игрой подвыпивше­го деревенского гармониста в Гимне. По-видимому, эти три пьесы - три за­рисовки одного вечера.

Константин Волостнов

Три прелюдии (1996) были заказаны профессором Университета Айвова (США) органистом Дильбертом Диссельхорстом в честь Лолы Вольф и посвящены открытию её нового органа 5 августа 1996. Используя инициалы Лолы Вольф (L, W=V+V), я объединил большую часть материала вокруг циф­ры 5. В основе ритмической и изоритмической организации - также цифра 5. Первая часть - в духе хоральной пре­людии, вторая - быстрая токката на 5/8 и третья - хорал.

Дэвид Гомппер

«Витражи» (2003) – цикл из семи ор­ганных пьес, контрастных как по со­стоянию, так и по выбору технических средств. Несмотря на самостоятель­ное значение каждой из пьес, все вме­сте они образуют законченный витраж.

Ирина Дубкова

Perpetuum Mobile (2003). Сочинение было написано по просьбе Константи­на Волостнова. Perpetuum Mobile – это энергия молодости, радость жизни, вечный пульс времени, сменяющий одно ускользающее мгновение на дру­гое, один век на другой; это и наше вре­мя с это его всё более ускоряющимся темпом жизни, потоком информации, где есть и главное и преходящее, зако­номерное и непредсказуемое... Нача­ло и конец и вновь новый виток спи­рали; и в этом есть неумолимость и на­дежда, что дела и события, движимые этим потоком, этой «рекой времени» (как сказал великий Гавриил Романо­вич Державин) «чрез звуки лиры и тру­бы» обретут свою константность.

Дмитрий Дианов

***

Органист, пианист и клавесинист Константин Волостнов родился в Мо­скве в 1979 г. Начал заниматься ор­ганом в классе М.М. Поташниковой (ДМШ №1 имени С.С.Прокофьева). С 1994 по 1999 гг. учился в Академиче­ском музыкальном училище при Мо­сковской Государственной консерва­тории имени П.И.Чайковского (клас­сы фортепиано и органа A.M. Шмитова). В 2004г. окончил Московскую кон­серваторию, где его педагогами были доцент Ю.В. Мартынов (фортепиа­но, клавесин), профессор А.А.Паршин (орган), профессор А.Б.Любимов (ка­мерный ансамбль). Обучался в мастер-классах Мартина Хазельбёка, Кристо­фера Стембриджа, Винфрида Бёни-га и Иоганна Труммера. В 2007 году Константин Волостнов получил ди­плом Высшей школы музыки Штутгар­та (Германия) где занимался под руко­водством профессора, доктора Людгера Ломанна, и в этом же году под ру­ководством профессора Наталии Гуреевой окончил аспирантуру Московской консерватории.

Исполнители:  

Константин Волостнов (орган)

Композиторы:  

Н. Ф. Колесса (1904-2006), Р. С. Леденев (р.1930), А. И. Пирумов (1930-1995), Ю. В. Воронцов (р.1953), Дэвид Гомппер (р.1954), И. А. Дубкова (р.1956), Д. В. Дианов (р.1963)