Музыка и песни Glinka, Mikhail / Глинка Михаил

Полька для фортепиано в четыре руки Глинки ярко отражает индивидуальную творческую манеру композитора — и чудесное сочетание абсолютной законченности и неуловимой импровизационности, и совершенство гибкой формы. А лирический тон Польки характерен для самых изысканных произведений мастера. Без сомнения, Полька стала не только одним из самых ярких достижений в фортепианном творчестве Глинки, но и всего русского музыкального искусства первой половины XIX века. В тридцатых годах, когда Глинка жил в Милане, он написал четырёхручную пьесу на тему баркаролы из второго акта „Любовного напитка“ Доницетти — Экспромт в форме галопа — для двух старших дочерей семьи Джулини (Giulini), с которой поддерживал дружеские отношения. В „Записках“ композитор вспоминал: „…возвратясь в Милан, я ожил при появлении чудной итальянской весны, воображение зашевелилось, и я принялся работать…“. В Экспромте Глинка воплотил свои представления об итальянской кантилене и виртуозном итальянском пении. В пьесе присутствует радостное ощущение жизни, которое сам Глинка воспринимал как яркое свойство итальянского народного характера. Две Кавалерийские рыси написаны молодым композитором в 1829 году. Изящные миниатюры полны обаятельной танцевальности и юмора и являются типичными образцами фортепианного творчества Глинки, в основе которого лежат русские бытовые мотивы. Знаменитое Каприччио на русские темы Глинка сочинил в Берлине, в 1833 году, возвращаясь из Милана в Россию. Своё пребывание в этом городе он использовал для занятий с выдающимся немецким педагогом Зигфридом Деном, для приведения в порядок своих музыкально–теоретических знаний. В Каприччио Глинка использовал три русские народные песни, контрастные по настроению и движению: величавую „Не белы снеги“, плясовую „Во саду ли, в огороде“ и свадебную „Не тёсан терем“. Композитор искусно развивает темы песен, использует различные полифонические приёмы. Каприччио, без сомнения, стало одним из самых важных достижений в творчестве Глинки, в деле зарождения русского национального музыкального стиля. Отсюда тянутся многие важные нити, связывающие Глинку и композиторов „Могучей кучки“. И по развитию тематизма, и по музыкальной форме это сочинение предвосхитило многие симфонические произведения Балакирева, Римского–Корсакова, Ляпунова. Славянская тарантелла Александра Сергеевича Даргомыжского (1813–1869) сочинена в Брюсселе в начале 1865 года. В письме к сестре композитор говорил: „…я написал довольно большую пьеску для фортепиано в 4 руки, которую могут играть все, не только самые слабые пианисты, но даже и те, кто никогда в жизни не садился за фортепиано. Вышло очень недурно“. Вторая партия в Тарантелле облегчена до предела: на протяжении всей пьесы чередуются только две ноты ля. Первая партия наоборот, удивительно изобретательна, прозрачна, выразительна и по манере изложения близка фортепианному стилю Глинки. Первая часть Сонаты для фортепиано в четыре руки Модеста Петровича Мусоргского (1839–1881) написана в 1860 году. В автографе сочинения встречаются обозначения оркестровых инструментов, имеется пометка „симфоническое упражнение в оркестре“. Всё это указывает на первоначальный оркестровый замысел Allegro, так и неосуществлённый впоследствии. К сонатному Allegro композитор присоединил несколько изменённое и подработанное для четырёх рук Scherzo для фортепиано соло, написанное двумя годами раньше. Именно в Scherzo яркая индивидуальность Мусоргского проявляется наиболее полно. Композитор использует здесь характерные переменные русские и украинские лады, колоритную имитацию народных инструментов в среднем эпизоде. Пьеса насыщена свежим мелодическим материалом, юмором, отличается превосходной отделкой фактуры. Александр Порфирьевич Бородин (1833–1887) не оставил значительного фортепианного наследия, тем интереснее его три пьесы для фортепиано в четыре руки. Полька Hélène сочинена композитором в десятилетнем возрасте, около 1843 года. Записал он её много позже — в 1850–х. Эта прелестная пьеса типична для русской танцевальной музыки той поры, а её мелодические обороты близки по духу бытовому городскому романсу. Allegretto появилось на свет в 1861 году в Гейдельберге. Бородин познакомился там с одарённой пианисткой Еленой Протопоповой, ставшей вскоре его женой, и посвятил ей несколько четырёхручных сочинений, из которых сохранилось до наших дней лишь Allegretto. В этой пьесе композитор использовал материал своего струнного квинтета 1853 года. Тарантелла написана в Италии в 1862 году, в период сильного увлечения Бородиным творчеством Мендельсона. И хотя влияние немецкого композитора ощущается в этой пьесе достаточно ясно, нельзя не отметить характерный русский колорит произведения, многое из того, что присуще творчеству зрелого Бородина. Вальс–фантазия в первой, оригинальной, редакции для фортепиано соло сочинён Глинкой в 1839 году. Окончательная оркестровая версия этого знаменитого произведения увидела свет за год до смерти композитора, в 1856–м. Популярное переложение Сергея Ляпунова для фортепиано в четыре руки основано в значительной мере на оркестровой редакции, хотя очень точно следует и оригинальному глинкинскому фортепианному материалу. Известно, что Франц Лист был большим поклонником творчества Глинки. Его четырёхручное переложение блистательного Марша Черномора из оперы „Руслан и Людмила“ тому яркое подтверждение. Одно из самых выдающихся произведений русского симфонического репертуара обработано Листом бережно, по фортепианному удобно и броско. „Северные цветы“ Произведения русских композиторов XIX века представлены в исполнении известных петербургских пианистов Александра Сандлера и Петра Лаула. Оба они являются выпускниками Санкт–Петербургской консерватории, которую окончили с разницей в 18 лет, оба ныне преподают в ней. Александр Сандлер — один из ведущих профессоров, воспитавший плеяду блестящих концертантов, получивших известность в России и за рубежом — известен и как замечательный пианист, регулярно выступающий с сольными и камерными концертами. Его воспитанник Петр Лаул, окончивший у Александра Сандлера Специальную музыкальную школу при Консерватории и Консерваторию, — один из наиболее ярких петербургских пианистов молодого поколения. Обладатель первых премий конкурсов в Бремене и им. Скрябина в Москве, Петр Лаул гастролирует с большой интенсивностью, причем одинаково активно как солист и камерный пианист. Его исполнительский облик отличают особый оптимистический настрой, масштабность замыслов, высокий интеллект. Объединившись в дуэте, Александр Сандлер и Пётр Лаул демонстрируют стилистическое единство, синхронность дыхания и интонационную общность. Вместе с тем, каждый из участников ансамбля ярко проявляет свои индивидуальные творческие черты. Александр Сандлер исполняет партию primo изысканно, тонко, интонационно и ритмически прихотливо, в то же самое время просто и безыскусно. В партии secondo Пётр Лаул подчеркивает выразительность гармонии, ритмическую упругость и находит оригинальные регистровки.

Второй международный конкурс им. С.В.Рахманинова включал в себя две дисциплины: фортепиано (председатель жюри - Виктор Мержанов) и вокал (председатель жюри - Ирина Архипова). Вокалисты, помимо сочинений Рахманинова, исполняли произведения русских и зарубежных композиторов 18 - 20 веков. На диске представлены не только финалисты, но и некоторые другие участники. В их исполнении - произведения таких композиторов, как Рахманинов, Прокофьев, Глинка, Римский-Корсаков, Бойто, Гаврилин, Шостакович. Пресса отмечала: "Из довольно камерног мероприятия, которое затеяло Рахманиновское общество, конкурс начинает перерастать в нечто крупное, расшатывая монополию конкурса имени Чайковского. Рахманиновский новичок уже не уступает своему старшему брату" ("Независимая газета")

Мировой союз альтистов! Председатель - Борисовский! Пауль Хиндемит Берлин, 1927 г. Вадим Васильевич в течение долгого времени дарил меня своей дружбой и добрым отношением ко мне и к моей музыке. Для меня была и есть большая радость от общения с ним как с музыкантом огромного таланта и большого мастерства, так и с человеком большого сердца, громадной общей культуры и всесторонней образо- ванности. Если бы мне пришлось отвечать на вопрос: "Что больше всего привлекает меня в личности Борисовского?", - я бы ответил: "Всё". Дмитрий Шостакович Москва, 1969 г. Двадцатое столетие, особенно его первая половина, было для альтового искусства многообещающим. Это были годы становления и формирования исполнителей, резко изменивших репутацию альта, завоевавших для него право считаться сольным концертным инструментом. В России эта роль выпала на долю основателя советской альтовой школы, выдающегося солиста, педагога, мастера превосходных транскрипций Вадима Васильевича Борисовского.( 1900 - 1972 г.г. ) Начав свою учёбу как скрипач, в консерватории он увлекся звучанием альта и, поступив в класс Владимира Романовича Бакалейникова, стал единственным выпускником-альтистом. Ещё студентом он начал работать в различных московских оркестрах и несколько лет возглавлял альтовую группу оркестра Большого театра. Определив, что альт - его жизненное призвание, Борисовский по окончании консерватории поставил перед собой триединую задачу - утвердить альт на концертной эстраде, воспитать учеников, в полной мере владеющих исполнительским мастерством, сформировать репертуар, способствующий развитию альтового искусства. В 1922 году состоялось первое сольное выступление Борисовского в Малом зале консерватории, положившее начало его многолетней и плодотворной концертной деятельности. Блестящие исполнительские качества молодого альтиста - безупречное чувство стиля, тонкий художественный вкус, мощный, насыщенный, поистине царственный звук - получили признание у маститых музыкантов старшего поколения. С ним выступали К. Игумнов, А. Гольденвейзер, Е.. Бекман- Щербина и др. Большое место в творческой деятельности Борисовского занимала виоль д'амур. Играть на этом инструменте он выучился самостоятельно в 1926 году, а в 1927 уже выступал с концертами в Москве и Ленинграде, исполняя как переложения, так и оригинальные сочинения. Почти полвека преподавал Вадим Борисовский в Московской консерватории, воспитал плеяду выдающихся концертантов. Его ученики, а теперь уже ученики его учеников работают в ведущих оркестрах страны, занимаются педагогической деятельностью. Самые яркие альтовые произведения, созданные в 20-м веке, посвящены либо самому Борисовскому, либо его ученикам - это произведения Василенко, Крюкова, Вайнберга, Хачатуряна, Шостаковича, Денисова, Шнитке, Канчели, Щедрина. Транскрипции музыкальной классики, сделанные Борисовским (их около двухсот), исполняются во всём мире. Особая страница в исполнительстве Борисовского - деятельность Государственного квартета имени Бетховена, где Борисовский проработал свыше сорока лет. Художественный уровень коллектива - результат гармонии сольных и ансамблевых устремлений выдающихся музыкантов. Уникальный случай в истории музыки: Д.Д. Шостакович посвятил по квартету каждому "бетховенцу", Вадиму Борисовскому - знаменитый Тринадцатый. "Художественные артистические достоинства этого замечательного музыканта могли служить высоким образцом для наших молодых исполнителей. Он был не только отличным артистом, он был музыкантом высокой культуры" ( Д.Д.Шостакович). Станислав Понятовский

Серия «Старая пластинка» – это сборник лучших произведений известных композиторов, записанных со старых коллекционных грампластинок c сохранением оригинальных шумов и характерного тембра звучания для настоящих ценителей. Сейчас уже трудно найти не только старые пластинки, но и проигрыватель, на котором их можно проиграть. Серия «Старая пластинка» подарит Вам возможность вновь ощутить атмосферу того времени, освежить в памяти забытое звучание старого патефона или грамофонного проигрывателя, насладиться виртуозной игрой музыкального оркестра и по-новому ощутить всю красоту классической музыки. Поставьте диск, закройте глаза и Вы сможете снова вернуться во времена «винила». Данная серия станет отличным подарком для Вас и Ваших родных и близких. Подарите машину времени!