Фирма Ecm Import

Гарт Нокс - многолетний альтист Квартета Ардитти - играет на необычном альте д'аморе. Вместе с француженкой Агнес Вестерман на виолончели Нокс исполняет широкий спектр произведений - от Тобиаса Хьюма до кельтских традиций и сочинений Клауса Хубера и Роланда Мозера.

Рецензии

FonoForum 08/08: "Далее предлагается музыка с произведениями Маре, Хьюма или Ариости Редко кто может в такой (убедительной) форме ощутить, как тональность как тональности, приемы игры или звуки могут быть осмысленно артикулировать музыку, как сонорно оформленную и богато и богато структурированную форму с узнаваемыми контурами и Отдельные произведения сгруппированы в общую программу отдельные произведения объединены в общую программу, которая здесь на самом деле предлагает больше, чем просто сумму своих Частей"

"Как прекрасна была бы опера, если бы в ней не было певцов", - воскликнул однажды Россини, а его коллега Клод Дебюсси возразил, что "в опере всегда слишком много поют". Когда Джанлуиджи Тровеси, великий итальянский музыкальный археолог и один из выдающихся импровизаторов современности, предается своей давней любви к драматизму и красоте итальянской оперы, он не просто выбирает несколько вечно популярных хитов и "поет" их на кларнете и альт-саксофоне, он строит целую сюиту на игриво переплетающихся оперных темах, охватывающих миф об Орфее, большой праздничный бал, "игру обольщения", радостные танцы и, конечно, неисчерпаемую тему трагической ревности. В сопровождении фантастической "банды" - большого духового оркестра с ударными, какой мы встречаем в сценической музыке многих опер Доницетти и Верди, - ридман совершает юмористическое путешествие по истории жанра, обогащенное как легкой, так и очень выразительной импровизацией. Маршрут ведет от "Орфея" Монтеверди через Перголези, Верди и Масканьи к "Тоске" Пуччини.

Обе заглавные строки несут в себе остроумный двойной смысл: итальянское выражение "Тровеси в опере" эквивалентно "Тровеси на работе", "Profumo di Violetta", напротив, одновременно намекает на главную героиню "Травиаты" Верди и на сладкие духи цветка - при этом более религиозные и эротические ассоциации остаются на заднем плане. Юмор и ирония занимают в "Profumo di Violetta" главенствующее положение - озорной и обаятельный, чисто итальянский иконоборческий стиль, который всегда оттеняется сильным поэтическим чувством. Это становится очевидным уже в начальном рассвете с его музыкальным жестом "однажды на Средиземном море", или в марше Марио Каварадосси на казнь из "Тоски", где кларнет Тровеси дает свои джазовые комментарии, прежде чем музыка возвращается к Te Deum из финала первого акта. В "Trovesi all'opera" великий накал любимого итальянского искусства сопоставляется с дерзким народным юмором, который не исключает глубокой любви и уважения. Популярное и возвышенное, ирония и безудержные эмоции встречаются в этом изобретательном проекте с импровизационным духом, передающим чистую радость от создания музыки.

Значение банды в итальянском провинциальном обществе трудно переоценить. Набирая игроков из разных слоев общества, эти оркестры, выступавшие на всех крупных гражданских и религиозных праздниках, служили "плавильным котлом" для социальных слоев. В эпоху, предшествующую появлению средств массовой информации, традиционный репертуар банды, состоящий из популярных маршей, вальсов, неаполитанских песен и, что особенно важно, оперных мелодий, служил своеобразной культурной памятью, передававшей из поколения в поколение популярные музыкальные сокровища. Сам Тровеси вырос, слушая игру местного оркестра во дворах родной деревни Нембро под Бергамо. Как он рассказывает в своем личном предисловии к настоящей записи, он решил взять в руки кларнет еще мальчиком, когда однажды в оркестре неожиданно не оказалось постоянного игрока.

Как и большинство оркестров XX века, "Filarmonica Mousiké" сместила акцент в своем репертуаре на оригинальные современные композиции, превратившись в концертный оркестр. Идея Джанлуиджи Тровеси - пересмотреть итальянскую оперу с нетрадиционной точки зрения, сочетая известные и малоизвестные мелодии и включая оркестровые фрагменты, которые усиливают симфоническое оформление композиции. Несмотря на то, что общая концепция была разработана Тровеси, "Profumo di Violetta" является результатом интенсивного сотрудничества с музыкантами оркестра, которые внесли значительный вклад в аранжировку.

Джанлуиджи Тровеси, практически не имеющий себе равных среди кларнетистов Европы, является одной из определяющих фигур итальянского джаза, многократным лауреатом премий у себя на родине с 1970-х годов. Участие в группах Джорджио Гаслини способствовало росту его авторитета, но только в 1990-е годы Тровеси стал широко известен на международном уровне как выдающийся солист итальянского оркестра Instabile (альбом ECM "Skies of Europe") и лидер своих собственных групп, в частности, Октета, который также записывался на ECM. ("Fugace" Gianluigi Trovesi Ottetto, записанный в 2002 году, представляет собой весьма неортодоксальный взгляд на некоторые корни раннего джаза). Впоследствии Тровеси выпустил два весьма успешных диска с аккордеонистом Джанни Кошиа - "In cerca di cibo" и "Round about Weill".

На последнем диске "Vaghissimo ritratto" (с Фульвио Марасом и Умберто Петрином) он собрал мелодии и музыкальные портреты из самых разных источников: Палестрина, Орландо ди Лассо, Монтеверди, Жоскен де Пре, Жак Брель, итальянский поп-певец Луиджи Тенко, а также произведения, написанные участниками группы индивидуально, плюс коллективная импровизация.

Рецензии в прессе:

Сказать, что им удалось создать прекрасную музыку, значит преуменьшить их достижение. Границы не стираются, с ними обращаются так, как будто их никогда не существовало. Соединение классических техник с джазом происходит совершенно органично. Безупречно современные импровизации Тровеси звучат в контексте его собственных композиций и аранжировок Гуарино совершенно органично, без малейшего намека на компромисс. Действительно, это самая естественная музыка, которую я слышал за последнее время". Крис Келси, JazzTimes

Джанлуиджи Тровеси, диковатый итальянский джазовый кларнетист, создает турбированную версию традиционного итальянского городского оркестра, чтобы сыграть попурри из причудливо аранжированных мелодий итальянских опер. В него вошли лучшие хиты Россини и Верди, украшенные хриплыми соло Тровеси, а также танцы эпохи барокко. Это смешно, сентиментально и очаровательно. Айвен Хьюэтт, Daily Telegraph

Собственные композиции Тровеси расширяют и растягивают материал. Именно это, а также уверенные и чуткие аранжировки, выполненные целым рядом исполнителей, придают альбому особое очарование. В итальянской оркестровой традиции примадонну и уомо заменяют медные или деревянные духовые, так что для Тровеси это не является большим скачком. ... В исполнении оркестра чувствуется настоящая энергия и жизнерадостность, которые действительно поднимают музыку и делают ее по-настоящему особенной. Элегантно и с размахом". Дункан Хейнинг, Jazzwise

Trovesi предлагает лучшее из своего вдохновения, одновременно элегантное, поэтичное и очень саркастичное, позволяя, благодаря оркестровке в стиле барокко с лирическими восклицаниями, совершать самые смелые блуждания с инструментами. Стефан Олливье, джазмен

(...) tratti di perfezione "Profumo di Violetta" ne ha, nel rievocare "a modo suo" pagine immortali (Monteverdi, Pergolesi, Verdi, Rossini, Mascagni, Puccini) e nelle mirabili, siano struggenti o argute, "aggiunte" di Trovesi stesso. (...) Un disco non trattenuto nei soli confini del jazz, ma davvero importante, per finezza e maestria. Джанмарио Малетто, Musica Jazz

Ранний барочный кьякконе встречается с Джоном Колтрейном, сальтарелло вступает в гармонии Телониуса Монка, а "Хабанера" Бизе внезапно врывается откуда-то. Однако Тровеси не просто набрасывает материал, а рассказывает небольшую историю оперы от ее истоков до наших дней, эклектичную, ироничную, высокопарную, с озорными глазами. Это очень личная история, его история. Ее главы: пролог, миф, праздничный бал, игра в соблазн, любовь, танец, ревность, эпилог. Звучит как опера. И как полноценная жизнь. Небесное наслаждение для всех. Как там говорил Дебюсси? Не всегда нужно петь. Альбрехт Тиманн, Opernwelt

Здесь вздыхают, шутят, тоскуют, страдают, дурачатся, с живостью, сердцем и душой, con machismo, sentimento e gioia. Трагедия и сатирическая игра всегда рядом. ... Если вы считаете, что опера мертва, побалуйте себя этим диском - полная жизнь! Франц Кавигелли, Neue Zürcher Zeitung am Sonntag

Тровеси комментирует мелодии и сочетает их со своими собственными, и ему доставляет несомненное удовольствие, когда Перголези переходит на стиль танцующего оркестра или посвящает свою элегию страдающей грешнице Виолетте. Задуманная как 23-частная сюита, исполненная Filarmonica Mousiké под руководством Савино Аквавива с необходимым чувством средиземноморского пафоса оригиналов и соответствующей вежливостью, чтобы не скатиться в высококультурный дискурс, Тровеси удалось создать юмористически занимательный трибьют ..... Ральф Домбровски, Jazzthing

На пятом альбоме "A Worcester Ladymass", выпущенном для ECM New Series, норвежский вокальный ансамбль Trio Mediaeval представляет реконструкцию мессы в честь Девы Марии. Фрагменты, положенные в основу, датируются XIII веком и происходят из рукописей бенедиктинского аббатства в английском Мидлендсе. Трио Mediaeval, специализирующееся на средневековой вокальной полифонии, уже давно является одним из самых значительных коллективов в своей области, что подтверждается его изысканным исполнением и выбором репертуара. в "A Worcester Ladymass" также вошли два произведения британского композитора Гэвина Брайарса, одного из самых влиятельных авторов современной музыки.

Отзывы

"Это не только раскопки затонувшей сокровищницы музыки XIII века. Месса в честь Пресвятой Девы Марии, исполняемая английскими монахами, превращается тремя норвежцами с жидким вокальным золотом в вечно возвышенное и пленительно прекрасное произведение исповеди" (sono, 04 / 05.2011)

"На основе единственной скудной сохранившейся музыки XII-XIII вв сочинить Успенскую мессу можно только с большой гибкостью. Это не проблема для трех певцов Trio Medieval, которые, как они объясняют в кратком, но умном тексте буклета на английском языке, уже давно поняли, что они обслуживают совсем не ту аудиторию, на которую рассчитывали композиторы" (Stereo, август 2011 г.)

Рецензии

FonoForum 06/11: "Хотя три дамы - Анна Мария Фриман, Линн Андреа Фуглсет и Торунн Острем Оссум безупречно безупречное интонирование, средневековые пьесы не сразу средневековые пьесы не сразу становятся очевидными для слушателя требуется сосредоточенность, хотя норвежское трио не норвежское трио исполняет движения не просто как Произведения для медитации, но порой весьма эмоционально заряжены уже одно это придает им гораздо большее разнообразие, чем состав в случае с "Бенедиктинским трио" это дает гораздо большее разнообразие, чем можно было бы предположить по инструментарию, состоящему всего из трех женских голосов только в случае с "Benedicta virgo Dei genitrix" им удается достичь гораздо большего в "Benedicta virgo Dei genitrix" и "Agnus Dei" были незаметно использованы колокола При этом незаметно использовались колокольчики, что говорит об определенной близости к буддийским песнопениям в Японии"

Хотя на оригинальном титульном листе "Гольдберг-вариаций" 1741 года написано: "Сочинено для знатоков, для освежения их духа, Иоганном Себастьяном Бахом", не нужно быть знатоком, чтобы почувствовать себя освеженным этим великолепным сборником, который является неформальным завершением так называемого "Клавьерюбунга" композитора, включающего также партиты опуса 1.

Пианист Кит Джарретт сделал достойный восхищения выбор для своей интерпретации "Гольдберга", отдав предпочтение клавесину, как и в случае с записью на ECM второй книги "Хорошо темперированного клавира" Баха. В отличие от многочисленных фортепианных записей этих важных миниатюр, которые, конечно же, имеют свои достоинства, клавесин придает музыке Баха некую непосредственность и бескомпромиссность, недостижимую в других случаях.

Вступительная ария сияет благотворным влиянием опыта, долгого обзора полной музыкальной жизни, которая продолжает бурлить все новыми и новыми идеями, создавая основу для тридцати последующих вариаций. Первая из них сразу же заряжает тему бурлящим синкопированием. Пятая вариация представляет собой оживленную миниатюру, в которой правая рука остается сосредоточенной на клавиатуре, а левая скачет по ней туда-сюда. Седьмая вариация - это оживленная жига во французском стиле, а восьмая вариация завораживает ступенчатой хроматикой и маленькими водопадами тридцать вторых нот, завершающих каждый раздел. Десятая фугальная вариация вращается как карусель из трелей и регулярных пунктуаций. В тринадцатой вариации, живописной сарабанде, Джарретт ловко использует регистр buffo в левой руке, еще больше подчеркивая внутреннюю нежность произведения. Четырнадцатая вариация с ее нисходящими трелями и великолепными контрапунктическими решениями кипит энергией. Грандиозная шестнадцатая напоминает череду храмов, которые снова и снова сносятся, не достроившись до конца, но остаются стоять достаточно долго, чтобы покрыть своим величием небосвод, а двадцатая расцветает в размашистую токкату виртуозного масштаба. Кольцо арабесок закладывает основу для Двадцать шестой, которая еще больше сжимает нить коллекции. Вариации завершаются репризой начальной арии, делая полный круг музыки в ее бесконечной мудрости.

Пальцы Джарретта, как всегда, задействованы, ориентируясь в представленной им музыке с отработанной ловкостью. Запись находится где-то между внутренней и внешней, передавая нюансы клавесина японской сборки со всем уважением, которого они заслуживают. В конечном счете, "Гольдберг-вариации" - это скорее аффект, чем эффект, то есть их долговечность заключается в их выразительности, а не в их эмоциональных последствиях, и партнерство Джарретта/ECM создало еще одну превосходную запись музыки, которая никогда не должна выйти из моды.

"Я неравнодушен к тишине, паузам, распаду, полным остановкам в музыке. В некоторых композициях я мог бы выделить отдельные разделы в паузах, но мне нравится идея вмораживания тишины или разрывов в ткань музыки. Заманчиво было представить весь альбом как один трек, один непрерывный кусок" - Стив Тиббетс

Прошло восемь лет с тех пор, как Стив Тиббетс подарил нам зажигательный электрогитарный альбом "A Man About A Horse" (ECM 1814). Теперь он возвращается с записью иного рода: альбомом, состоящим преимущественно из акустических звуков. Работа над "Natural Causes" проходила в период, когда Тиббетс переосмысливал некоторые фундаментальные аспекты своего искусства и ремесла - параллельно с ежедневным изучением Баха, Бартока и теории музыки. Близкое знакомство с этими гигантами вдвойне затрудняло его собственную работу. "Через несколько часов у меня закладывало уши... и я не хотел слушать электрогитару. Поэтому я остановился на 12-струнной Martin D-12-20 моего отца. Я хотел, чтобы все было просто. Я подумал, что, возможно, смогу найти голос в хорошо сыгранных однострунных линиях и сказать больше, используя меньше - как Султан Хан, возможно. Таков был замысел, хотя музыка обычно превращалась в сложные маленькие соборы"

Музыка Султана Хана стала для Тиббетса эталоном с середины 90-х годов и с того момента, когда он стал свидетелем откровенного концерта, на котором индийский мастер игры на саранги приехал в Миннеаполис. "С тех пор я беру за образец певучее, похожее на голос качество его саранги. За месяцы и годы игры на моей 12-струнке притерлись лады, и она стала звучать все более и более похоже на саранги. Сейчас лады почти плоские. Гитаре около 45 лет, и она имеет мягкое, выдержанное звучание. Я настраиваю эту гитару так, чтобы струны были в двойном ладу. Я настраиваю их в унисонах. Это позволяет найти (для меня) более "певучую" тональность в струнах одного лада. "

Гонги - еще один основной инструмент на "Natural Causes": "В этом альбоме повсюду звучат циклы гонга. Я жил в окружении циклов гонгов, когда работал по программе обучения за рубежом в Индонезии. В рамках наших программ студенты изучали музыку гамелан. Музыка в Индонезии звучит повсюду: на праздниках, храмовых церемониях, похоронах, рождениях, в священные дни календаря. Музыкальное сопровождение - это циклы гонга. Циклы гонга в таких песнях, как "Lakshmivana", запускаются с 12-струнной гитары, которую я подключил к миди-интерфейсу. Друг разрешил мне несколько часов записываться в его магазине гонгов в Пелиатане (к югу от Убуда, Бали), сэмплируя гонги и другие инструменты с металлическими клавишами на портативный DAT-рекордер, который я привез с собой в Азию. Я сэмплировал гонги, гамеланы, джубланги и другие металлофоны. Я сопоставил их с диатоническими шкалами, не обязательно отслеживая гитарные тона. Другими словами, гармоническая минорная гамма, сыгранная на гитаре, может вызвать мелодическую минорную гамму из семплера на 5 позиций выше. Иногда я создавал четыре или пять различных шкал, запускал их все с гитары, а затем создавал крошечные композиции или мотивы"

Марк Андерсон играл на барабанах на всех альбомах Тиббетса на ECM, но данный диск - первый после "Northern Song" 1981 года, на котором они играют вдвоем. Тиббетс: "Работа с Марком - это как работа с моими руками. Мне не нужно просить свои руки найти лады, они просто делают это. Марк такой же. Мы работаем вместе уже 32 года. Мне не нужно просить его сделать что-то конкретное или анализировать его подход. Он просто находит нужный барабан, мы тратим некоторое время на поиск голоса в инструменте с помощью микрофонов, а затем приступаем к работе. Была пара мелодий, где я думал, что мне действительно не нужна перкуссия, где, казалось, все стоит само по себе. Простота и все такое. Марк говорил: "Давай я попробую что-нибудь сделать" После этого я слушал его игру и удивлялся, как я мог подумать, что он не сыграет на этой конкретной песне"

Большую часть последних трех десятилетий Тиббетс был собственным продюсером звукозаписи: "Бывает трудно продюсировать самому... особенно когда и продюсер, и артист устали или у них нет идей. В такие моменты я старался записывать предельно сжатые фрагменты музыки: 5-10 секунд гитары, бузуки или калимбы. Иногда я доставал эти миниатюрные композиции и пытался создать из них ритмическую основу, каркас, начало или конец. Вторая песня, "Падре-яга", полна этих маленьких кусочков"

Общая цель - "простота и строгость" - не всегда проявлялась в методах работы: "Иногда я просто не могу перестать добавлять дорожки. Я хотел посмотреть, как это будет, если наложить двадцать или тридцать двенадцатиструнных инструментов на песню Майкла ["Gulezian", произведение, в значительной степени основанное на мелодии "Arcosanti" его коллеги-гитариста Майкла Гулезиана]. Звук был отличный. Прощай аскетизм!"

Свою роль сыграла и выборочная случайность: "Я накладывал базовую гитарную линию, что-то, что соответствовало моим представлениям о ясности и артикуляции, затем добавлял что-то столь же простое, например, линию бузуки. Затем я слушал только линию бузуки и добавлял калимбу. Затем я слушаю только калимбу и добавляю фортепиано. Этот поэтапный процесс продолжался дни, недели, годы, не поддаваясь контролю. Никаких сроков, верно? Потом я слушал все одновременно. Иногда в этом хаосе я находил 12-секундную секцию, которая звучала как четыре калимбы, пылко спаривающиеся с тремя гибридными гитарами-пианино. Я вырезал этот участок, откладывал его в сторону и развивал. Так появились композиции "Sitavana", "Ishvaravana" и "Kuladzokpa""

На одном из этапов Тиббетс включил в трек-лист акустическую версию песни Джими Хендрикса "Villanova Junction", но в итоге решил, что она не подходит для альбома. Впоследствии Стив выложил этот "осиротевший" трек на YouTube, и его можно послушать там до сих пор. Путь к "результату" на "Natural Causes" был, по собственному признанию Тиббетса, неблизким. Окончательная оценка художника: "Я испытываю настоящую любовь ко всему этому, подобную той, которую вы испытываете к приютившей вас трехлапой кошке. Вы не поведете своих детей в зоомагазин с намерением купить трехногую кошку, но если она подойдет к вашей двери, и вы ее покормите, то, возможно, со временем вы станете любить ее больше, чем обычную четвероногую. Вот так и здесь"

Комментарий для прессы:

Американский гитарист Стив Тиббетс создал этот неторопливый, мягко пульсирующий эмбиент из слоев акустических сэмплов и высокотехнологичных триггеров. Музыкальное мастерство на высоте, а сочетание фольклорных струн и сдержанной виртуозности согрето чувственным переливом классической индийской музыки. Майк Хобарт, Financial Times

На своем восьмом альбоме ECM... американский струнный артист неожиданно играет не совсем этническую музыку. На это Тиббетса вдохновили путешествия в Индонезию или Индию, звуки которых он волшебным образом интегрирует в свою эклектичную фолк-музыку. Путем овердубирования и совместно с ... Марком Андерсоном была создана многослойная, интенсивная звуковая картина из идеального студийного скрипача в сочетании с панорамными многослойными импровизациями. При этом он никогда не гонится за быстрыми поверхностными эффектами. Скорее, ... Тиббетс очаровывает тем, что я называю "мечтательным эмбиент-джазом", который проникает глубоко под кожу". Олаф Майкопф, Jazzthing

Развлечения на высочайшем уровне импровизации
На протяжении более 30 лет Майкл Форманек пользуется репутацией одного из лучших и наиболее разносторонних бас-гитаристов в джазе. Теперь, с альбомом "The Rub And Spare Change", он представляет свой первый альбом ECM, который подтверждает эту репутацию во всех отношениях.

"Я вас беспокою?" - нахально спрашивал Майкл Форманек в названии своего последнего сольного альбома, который он выпустил в 1997 году на лейбле Screwgun своего друга и коллеги Тима Берна. Ответ тогда мог быть только один: Вовсе нет. Потому что, хотя на этом альбоме басист предстал полностью без сопровождения, он сумел привлечь своей музыкой не только публику, зацикленную на НЧ-динамиках. Своей невероятной техникой, новаторским духом, композиторским талантом и непоколебимым грувом он вдохновил и любителей музыки в целом. Все эти и многие другие навыки он вновь воплотил в своем новом сольном альбоме, записанном на этот раз для ECM: "The Rub And Spare Change".

Но басист не остался в одиночестве: для своего сольного дебюта на ECM он привлек в студию проверенных коллег, с некоторыми из которых он работает снова и снова на протяжении уже добрых двадцати лет. Форманек играет с альт-саксофонистом Тимом Берном с 1991 года, сначала в его собственном проекте Wide Open Spaces, а затем в печально известной авангардной группе Берна Bloodcount. Басист также работал в различных проектах с пианистом Крейгом Таборном и барабанщиком Джеральдом Кливером. Берн, Тейборн и Кливер, в свою очередь, не менее хорошо знают друг друга по совместным записям (Берн и Тейборн звучали, в частности, на последнем альбоме Дэвида Торна на ECM) и бесчисленным сессиям в Нью-Йорке.

"Определенно помогает то, что у нас уже есть долгая совместная история в различных сочетаниях", - говорит Майкл Форманек. "Таким образом, все уже знают сильные стороны других музыкантов, и это повышает фактор доверия в группе. Когда я пишу музыку, я обязательно учитываю особенности мастерства каждого участника группы. Я пишу произведения, которые, как я знаю, заставят музыкантов звучать великолепно. Но я также стараюсь познакомить их с новыми музыкальными направлениями. С другой стороны, Тим, Крейг и Джеральд, конечно же, музыканты, которые активно ищут вызовы. Они всегда хотят сделать сессию звукозаписи - независимо от того, что я ставлю перед ними, - уникальным событием по своему вкусу"

С тех пор как Майкл Форманек впервые привлек к себе внимание в 1977 году, будучи всего лишь 18-летним юношей, на концертном альбоме Арта Пеппера и в составе группы Тони Вильямса Lifetime, он приобрел блестящую репутацию: гибкого аккомпаниатора таких великих музыкантов, как Фредди Хаббард, Стэн Гетц, Чет Бейкер, Джерри Маллиган, Джо Хендерсон и Элвис Костелло, профессионального композитора, технически очень искусного басиста, великолепного бэндлидера и авангардиста с глубоким знанием истории джаза. С "The Rub And Spare Change", своим первым альбомом для ECM, он, возможно, достиг новой вершины в своей карьере. И на этот раз Форманека ничуть не утомляет, а развлекает наилучшим образом и на высочайшем уровне импровизации. (jazzecho. de)

Рецензии

"Он является одним из величайших контрабасистов современного джаза, но последняя его собственная запись была выпущена двенадцать лет назад. Тем более стоит приветствовать этот альбом, поскольку он показывает Михаэля Форманека не только как лидера, но и как оригинального автора песен." (stereo, 11 / 2010)

"Тихий променад от рассвета до заката в идеальном мире, где ароматы, цвета и звуки соответствуют друг другу... Семнадцать интимных впечатлений, многие из которых импровизированы, в различных оттенках, спокойных или стремительных, мелодичных или абстрактных" - Франсуа Кутюрье

Самостоятельный и увлекательный альбом "Un jour si blanc" был задуман Франсуа Кутюрье как второй том идейной трилогии и продолжение предыдущего диска "Nostalghia: Song for Tarkovsky" (ECM 1979)..... Поэтический подход этого диска, проявившийся как в самой игре, так и в референциальной и аллюзивной концепции, нашел отклик в этом сольном фортепианном альбоме.

Это первый сольный альбом французского пианиста и богатый творческий вклад в жанр фортепиано без сопровождения, давно сформировавшийся на ECM благодаря знаковым записям Чика Кореа, Пола Блея и Кита Джарретта. альбом "Un jour si blanc" был создан Манфредом Айхером в Auditorio Radio Svizzera, Лугано - уже известном месте для записей ECM, включая "Piano Solo" Стефано Боллани и сольные "Vignettes" Мэрилин Криспелл.

Отправной точкой нового альбома стало стихотворение отца Андрея Тарковского, Арсения Тарковского, которое и дало название диску. После этого запись ассоциативно раскрывается, создавая импровизационные взаимосвязи. "Я хотел отдать дань уважения некоторым великим художникам, которые мне особенно нравятся, - говорит Кутюрье. Это Иоганн Себастьян Бах, Артюр Рембо, художники группы Blaue Reiter, Клод Дебюсси, Франц Шуберт, Тору Такемицу, Жоан Миро и другие. в "Lune de miel", между тем, широко цитируется песня "I Fall In Love Too Easily". Но если стандартный джаз и является компонентом этого диска, то он фильтруется через внимание игрока, погруженного в европейскую традицию, игрока, который легко обращается к истории классической музыки и современной композиции, а чувство структуры имеет первостепенное значение, даже когда Кутюрье находится в полном импровизационном потоке.

Франсуа Кутюрье впервые записался на лейбле ECM с тунисским удом Ануаром Брахемом на панкультурном альбоме "Khomsa" в 1994 году, а затем стал участником популярного трио Брахема - этот период запечатлен на пластинках "Le pas du chat noir" (2001) и "Le voyage de Sahar" (2005). Он также записывался в дуэте со скрипачом Домиником Пифарели (альбом "Poros", 1997).

диск "Nostalghia: Song for Tarkovsky", записанный в 2005 году, представил музыку Кутюрье новой аудитории. Этот диск был также тепло встречен международной прессой: так, Рэй Комиски из газеты "Irish Times" написал, что "композитор и пианист Кутюрье передает эмоциональный и духовный климат фильмов Тарковского. Смешивая классическую строгость с импровизацией, как формальной, так и свободной, он создает суровую красоту, окрашенную в мрачные тона, напоминающие о неугасающей жажде прикоснуться к глубокому колодцу духа, который можно почувствовать, но никогда не узнать"

В настоящее время готовится сольный концерт-витрина / презентация компакт-диска, который состоится в парижском театре Maison de la Poesie в феврале 2010 г. Готовятся новые диски Кутюрье, включая новый диск "Квартет Тарковского" с Аней Лехнер, Жан-Марком Ларше и Жан-Луи Матинье, записанный в декабре 2009 г.

Отзывы прессы:

Его прекрасные исполнения, спонтанно придуманные или созданные на основе уже имеющегося материала, - это отблески одаренного пианиста, впервые сформировавшегося под влиянием классической музыки. Но поэт в Кутюрье... отвечает на самые разные вдохновения. ... Его ответы порождают чувственные экспрессионистские импровизации". Рэй Комиски, The Irish Times То импрессионистский, то жесткий, то почти трансцендентный штрих Кутюрье, и вскоре холодные столкновения кластеров кладут конец любой эвфонии. Это пианистическое исполнение необычно тем, что требует высокой интенсивности слушания, концентрации на звуке и звуковой технике как на произведении искусства. Александр Клюй, Rheinischer Merkur

Франсуа Кутюрье - человек, пересекающий границы между мирами, причем не только в музыкальном плане. Вдохновением для его нынешнего сольного альбома послужили самые разные темы - от И.С. Баха до Артюра Рембо, от экспрессионистской живописи до советского кинорежиссера Андрея Тарковского... Расположить точку зрения французского пианиста между джазом и другими формами современной музыки было бы слишком недальновидно: его музыкальный космос затрагивает как барочную полифонию, так и спокойствие импрессионизма или атональной музыки, объединенные интенсивностью и глубиной, которые иногда заставляют вспомнить мастера Кита Джарретта. Фалько фон Амельн, Jazzthing

Теперь 60-летний музыкант представляет свой первый сольный альбом. В семнадцати частично написанных, частично импровизированных пьесах описывается путешествие от рассвета до заката и содержатся посвящения художника различным музыкантам, поэтам и художникам. ... Кутюрье не скрывает своего классического образования. Он импрессионист с тонким чувством промежуточных тонов". Манфред Папст, Neue Zürcher Zeitung am Sonntag

Очаровательный и близкий сердцу, какой мелодико-образующий, тонально-цветовой, романтически-экспрессивный, а также динамически-захватывающий космос открывается и непосредственно воспринимается здесь. Здесь открываются удивительные миры не только мелодии, но и абстракции, напрямую затрагивающие сердце и разум. Йоханнес Андерс, Jazz'n'more

"Oylam" означает "мир, вселенная, творение, реальность, царство", и дебютный диск Джудит Берксон на ECM, сольный альбом в прямом смысле этого слова, является приглашением в мир, который действительно принадлежит ей. Записанный в 2009 году в Удине (Италия), альбом "Oylam" представляет собой исполнение певицей / композитором / клавишницей Берксон (1977 г.р.) своих собственных идиосинкразических песен. Она также накладывает свой собственный английский текст на песню Франца Шуберта "Der Leiermann" из цикла "Winterreise", исполняет джазовые стандарты Коула Портера ("All of You") и Джорджа и Айры Гершвинов ("They Can't Take That Away from Me"), народную песню на идиш поэта польского происхождения Мордехая Гебиртига ("Hulyet, Hulyet") и еврейскую канторскую музыку (захватывающая "Ahavas Oylam").

Именно приверженность Берксон превращает эту, казалось бы, разнородную программу в единую музыку: во многом репертуар отражает историю Юдит. Будучи исполнительницей экспериментальной музыки, она также укоренена в традициях. Кантор и преподаватель литургической музыки в Еврейской конгрегации Олд Вестбери в Нью-Йорке, она считает канторскую музыку и еврейскую литургию одними из своих самых ранних источников вдохновения. "Мой отец научил меня петь молитвы, распевы и глоссы, и мне это сразу понравилось" С пяти лет она училась играть на классическом фортепиано, а в подростковом возрасте увлеклась композиторами-экспериментаторами, "атоналистами, авангардистами, людьми, работающими с расширенной техникой. Мне нравился этот вызов", одновременно она занималась изучением художественных песен от Шуберта до Брамса и Шенберга. В Консерватории Новой Англии она изучала голос у Люси Шелтон, теорию и композицию у Джо Манери, а фортепиано - у Джудит Годфри и Виолы Хаас. Все эти опыты внесли свой вклад в музыку, которую Берксон исполняет сегодня.

После пения и игры в джазовых, экспериментальных и рок-группах, включая несколько собственных ансамблей, Джудит переориентировала свои силы на сольное исполнение, по-новому взглянув на возможности голоса в сопровождении фортепиано. "Я работала с очень талантливыми музыкантами в группах - группах, в которых я была вокалисткой, - и все равно мне было трудно передать те специфические качества, которые я хотела услышать в своих песнях. Примерно в 2003 году меня постепенно начало осенять, что я должен быть сам себе аккомпаниатором. Я пытался заново определить для себя, что это может означать, исследовал новые способы сочетания голоса и фортепиано в исполнении одного человека, прорабатывал всевозможные возможности ритма, мелодии, гармонии, фактуры и так далее. В процессе работы я также задавал себе несколько ключевых вопросов: каков мой стиль? Что я пытаюсь выразить в музыке? Что я хочу подчеркнуть? Я очень строго тренировался, писал новую музыку только для голоса и фортепиано и вышел из этого периода, чувствуя себя сильнее и увереннее, чем раньше. Я также обнаружил, что есть способы интегрировать важные для меня аспекты всей музыки в сольную работу"

Ее дебютный сольный альбом "Lu-Lu" вышел на лейбле Peacock Records в 2008 году и получил высокую оценку изданий, в том числе New York Times: "Г-жа Берксон поет в эксцентричном темпе rubato с остановками и стартами, иногда ввергая свое меццо-сопрано в микротоновый диссонанс на фоне теплых, медленных звуков, которые она издает на фортепиано и клавиатуре Вурлитцера. Ее стиль не изнежен и не принужден... Она создает атмосферу, одну длинную задумчивость, и накладывает свой отпечаток на широкий спектр песен, которые она выбирает для исполнения"

В ее самосочиненных пьесах на "Oylam" слова часто выплескиваются из плотно свернутых ритмов в потоки сознания: иногда образы, возникающие в сочетании слов и музыки, открывают их автору что-то новое. Так было и с "Clives", ласково посвященной Клоду Дебюсси и Чарльзу Айвзу. "Это действительно напомнило мне их обоих.

Среди недавних выступлений в Берксоне - роль молодого Борхеса в экспериментальной опере Мэтью Уэлча "Борхес и другой" и роль Клары Шуман в опере Салли Норрис "Клара: опера из музыкальной шкатулки". Она была солисткой в "Массовом превращении" Охада Тальмора на фестивале BrucknerTage в Линце. Осенью 2010 года эта пьеса вновь отправится на гастроли.

На счету Джудит Берксон также премьеры произведений Жерара Папе, Кена Томсона, Джо Манери, Стива Коулмана, Ханса Бредера, Карлоса Куэльяра и Джулии Вернц. Она пела с Delphian Jazz Orchestra, Wet Ink New Music Collective, The Four Bags, ASM New Music Ensemble, Теодором Бикелем и многими другими. В настоящее время она заканчивает работу над сюитой кантонических пьес для Квартета Kronos, которые она переписала с исторических записей и переложила для струнного квартета. Премьера первой аранжировки, "Ов хорахамим", состоялась в Занкель-холле в 2008 году.

Рецензии в прессе:

На альбоме Oylam г-жа Берксон исполняет джазовые стандарты, лиду Шуберта, еврейскую канторскую музыку и свои собственные идиосинкразические песни, аккомпанируя себе на фортепиано, электроклавишах и органе. Поражает не столько разнообразие жанров, сколько мастерское владение ими и умение сплести их в единую программу. ... Ойлам обнаруживает связи между, казалось бы, несовпадающими путями. Объединяющим фактором является ее задумчивый, свободный стиль исполнения". Мартин Джонсон, The Wall Street Journal

14-трековую коллекцию стилистических странностей объединяет необычный интерпретаторский талант этой молодой артистки. Игривая и загадочная, часто почти детская в своей невинности, она сочетает свежую и молодую точку зрения с удивительно разнообразными навыками и острым чувством юмора [...] Ее причудливое отношение и широкая палитра талантов обеспечивают необычный и временами поистине небесный опыт прослушивания. Марк Холстон, Jazziz

Аккомпанируя себе на фортепиано, Wurlitzer, Rhodes или Hammond B3, Берксон создает мрачные, созерцательные произведения, которые во многом опираются на ее опыт работы с канторальной и ивритской литургической музыкой, а также на художественные песни Шуберта, Брамса и Шенберга. [...] Редко когда такое гармоничное сочетание музыки и текста вызывает столько эмоций". Мэтт Маршалл, Jazz Inside

Вдохновенные сольные номера излучают чрезвычайно интимную, почти герметичную атмосферу, и при этом ей удается держать слушателя на расстоянии. Некоторые пьесы ученицы Джо Манери напоминают Робина Холкомба своим сверхохлажденным романтизмом, другие звучат как переводы Телониуса Монка в минимальную музыку. В любом случае, Джудит Берксон в каждой из композиций полностью принадлежит себе. ... Будет интересно сопровождать жительницу Нью-Йорка на ее дальнейшем пути. Вольф Кампманн, Jazzthing

То, что на бумаге кажется таким разрозненным, в то же время звучит удивительно однородно. И причиной тому - интеллектуально просчитанные стилистические средства New Yorker: предпочтение однонотной игры, иногда контрастирующей с массивными аккордами басового блока, параллельное фортепиано и голос меццо-сопрано, а также идиосинкразическое движение stop-and-go, иногда в паре с диссонирующим микротональным пением. Интеллектуальная эстетика Джудит Берксон впечатляет. Хериберт Икеротт, Jazzpodium

Минималистское фортепиано, волонтерски резкое и эллиптическое, напоминающее tour à tour Монка и Рана Блейка; чувственный голос, в то же время очень плавный и удивительно декламативный; мистические и лабиринтные мелодии, в которых голос сливается в единое целое с чарующими и разнообразными сонорами своих многочисленных клавишных инструментов - Берксон использует свой словарь для всех форм экспериментальной музыки, не впадая ни в восторг, ни в умиротворение. Стефан Олливье, журнал "Джаз

Виртуозный инструменталист, автор песен и композитор Матс Эден - одна из определяющих фигур новой шведской фолк-музыки, а характерное звучание его настроенной скрипки-дрона является неотъемлемой частью широко известного проекта Nordan Лены Виллемарк и Але Мёллера (альбомы: "Nordan", "Agram"). Неоднократный победитель опросов и премий на своей родине, он является одновременно и хранителем традиционных ценностей народной музыки, и одним из самых новаторских исполнителей жанра. Але Мёллер назвал Эдена "лидером возрождения фолка". Он создал свободу, уникальную для скрипачей. У него миллион идей..."

Матс Эден вырос в музыкальной семье в Вярмланде, на западе Швеции, граничащем с Норвегией. Его отчим был известен как прекрасный скрипач и передал ему много своих знаний. "Опираясь на этот опыт, - говорит Эден, - я много путешествовал, играл с самыми разными музыкантами, что заставило меня задуматься о своих собственных возможностях"

С начала 1980-х гг. Эден и Йонас Симонсон играли вместе в до сих пор существующей шведско-норвежской группе Groupa, музыка которой также опирается на джаз (в Groupa Симонсон - изначально классический флейтист - также играет на бас-саксофоне). Но именно народная традиция является отправной точкой. "У нас с Йонасом сложился почти инстинктивный способ совместной работы. Каждый из нас по-своему искал новые средства выражения в диапазоне традиционной музыки. Глубокое знание этих старинных методов дало нам надежную базу для поиска новых художественных возможностей. Тембр и сильная красота музыки стали основным источником для моих собственных композиций"

Для альбома, якобы посвященного шведской народной традиции, "Milvus" описывает несколько удивительно широких дуг. Он начинается с пьесы, посвященной индийскому скрипачу К. Шивакумару (в своей композиции "Haväng" Эден, похоже, хочет сказать нам что-то об универсальности народного опыта) и заканчивается 20-минутной композицией для струнного квартета в исполнении выдающегося и прогрессивного норвежского квартета Cikada, известного своими интерпретациями Лютославского, Крамба, Веберна, Скельси и т.д. (их можно услышать на готовящемся к выпуску альбоме датского композитора Бента Сёренсена "Birds And Bells" на ECM New Series).

В промежутках Эден посвящает свои записи предшественникам - легендам, таким как эртберги Калле Карлстрем и Лейсме Пер Ларссон, мастерам старой школы игры, таким как Торлейв Бьёргум, а также своим ближайшим современникам, таким как Андерс Розен. Розен был одним из тех, кто в 1970-е годы возродил традицию обильного использования резонирующих струн. Матс Эден сделал еще один шаг вперед, создав скрипку с пятью симфоническими струнами: он назвал этот инструмент "bordunfiol", или "drone-fiddle".

Географическая близость Вярмланда к Норвегии побудила Эдена обратиться к родственным традициям. Так, например, мелодия "Nordafjälls" ("Северные горы") родом из Южной Норвегии и относится к группе песен "Rameslåtter", мотивы которых, как утверждается, можно проследить с XIII века.

Эден также учился в Норвегии, занимался композицией у Лассе Торесена и Олава Антона Томесена, приобретая теоретические и практические знания, которые позволили ему создать свой собственный взгляд на современную композицию, используя при этом знание скандинавской народной традиции. Струнный квартет № 1, представленный здесь, - ранний пример такого развития, исполненный квартетом Cikada с большим мастерством.

Старая музыка, новая музыка... Матс Эден утверждал в других источниках, что черпает вдохновение у всех - от Лейсме пер Ларссона до Лигети. Когда речь идет о шведском фолке, Эден стремится к тому, чтобы звучали голоса раннего поколения скрипачей, но при этом он осознает ответственность, которая сопровождает его собственную роль в традиции, и охотно выступает за новое поколение. На альбоме "Vardag" он с удовольствием демонстрирует музыку одного из своих учеников, Магнуса Стиннербома, "мастера в своем деле", утверждает Эден.

Помимо исторических, музыковедческих и кураторских перспектив, "Milvus" демонстрирует, прежде всего, несомненное удовольствие от игры.

Альбом, кстати, назван в честь хищной птицы, которую по-английски называют коршуном (лат. milvus milvus). Для Матса Эдена эта птица имеет талисманное значение - наблюдая за ней, парящей над горными долинами Швеции, он воспринимает ее как символ свободы.

Отзывы

Sjöraets polska - Efter Olof Schyman; Spillet; Andante Т. Урбах в журнале FonoForum 10/99: "Фолк в испытанной и проверенной ква- ква-литативной изысканности и, наконец, струнный квартет квартет, композитора которого хотелось бы услышать еще, потому что он сочетает чутко озвученные пространства с извергающимися, эмо эмоционально насыщенными массажами"

Информация о продукте

Основатель звукозаписывающей компании ECM и Carmo Records Эгберто Гисмонти был удивлен, но и очень рад, получив в 1998 году альбом неортодоксального мельбурнского дуэта Родни Уотермана и Дага де Вриса: "Я до сих пор удивлен инструментарием", - признался Гисмонти. "Я не ожидал услышать столько музыки от диктофона и гитары!" К этой оригинальной записи было добавлено еще 20 минут музыки Эгберто Гисмонти, которую австралийцы сыграли с большим удовольствием.

Именно игра и сочинение Гисмонти послужили в 1995 году толчком к совместной работе музыкантов: "Дуг сыграл мне альбом Гисмонти "Alma", - вспоминает Уотерман. я был совершенно потрясен этой музыкой и особенно удивительными способностями Гисмонти как исполнителя". В результате этой встречи и возник наш дуэт"

Родни Уотерман окончил Мельбурнский университет по специальности "музыковедение" и продолжил обучение игре на рекордере у голландского специалиста по старинной музыке и современного композитора Кееса Бёке (который однажды сказал: "В старинной или современной музыке я считаю рекордер авангардным инструментом") в Италии и Голландии. Репертуар Уотермана эклектичен и включает барочную, народную, современную и бразильскую музыку, причем особое внимание он уделяет бразильской музыке. Он также играет на лютне.

Уотерман проявляет особый интерес к исследованию через импровизацию внутренней и фундаментальной красоты простых по сути "деревянных" тональных качеств диктофона, стремясь раскрыть "душу" и "дух" инструмента.

Дуг де Врис был удостоен призов как лучший джазовый гитарист Австралии, руководит собственным трио, имеет репутацию автора/оркестровщика музыки для кинофильмов и является постоянным участником Австралийского художественного оркестра Пола Грабовски. Как композитору ему было поручено написать пьесу "Новые метаморфозы" для серии "Метрополис" Мельбурнского симфонического оркестра, премьера которой состоялась в Мельбурне в августе 1997 г. Увлечение музыкой Бразилии привело его в эту страну в мае 2000 г., и в настоящее время он изучает там традиционные музыкальные формы.

В репертуар дуэта "Água e Vinho" вошли шесть композиций Эгберто Гисмонти, две - Эрмето Паскоала (которого его соотечественники называют то Майлзом, то Гилом Эвансом, то бразильцем Сан Ра), "Jorge do Fusa" Анибала Аугусто Сардиньи (1915-55 гг, многие считают его величайшим бразильским гитаристом-композитором), четыре каталонские народные песни, музыка испанского композитора XVI века Диего Ортиса, а также оригинальные пьесы специалиста по игре на рекордере Уотермана и джазового гитариста де Вриса. Музыка варьируется от зажигательной афро-самбы до произведений, вдохновленных пением птиц и музыкой гамелан.

В примечаниях к альбому, написанных Уотерманом и де Врисом, содержатся исторические и контекстуальные сведения об отдельных произведениях.

Как раз к 75-летию Арво Пярта, возможно, самого значительного современного композитора, tabula Rasa", великое произведение, с которым эстонец совершил свой международный прорыв в 1984 году, выходит в виде эксклюзивного делюкс-издания в 1984 году эстонец совершил международный прорыв, выпустив эксклюзивное Deluxe-издание. Так как "Tabula Rasa" также ознаменовала начало классического лейбла ECM Лейбла классической музыки ECM - ECM New Series, есть два повода для празднования праздновать.

Делюкс-издание "Tabula Rasa" предлагает поклонникам исключительно высококачественную 200-страничную книгу в твердом переплете с оттисками оригинальных партитур Пярта, Факсимиле, неопубликованными фотографиями, эссе и подробными примечаниями, написанными известным историком музыки Историка музыки Пола Гриффитса. В общем, удачный комплект для истинных ценителей и коллекционеров не только к юбилею Пярта, но и к его празднованию.

Рецензии

NMZ 2/2011: "Это издание - прекрасная дань уважения композитору, поскольку содержит партитуры отдельных пьес, две из них - дополнительно в автографе Пярта. Здесь самым прекрасным образом становится видна особенность этой музыки, что она - об этом свидетельствуют исправления в строгом и ровном почерке - является результатом чрезвычайно точного взаимодействия пропорций" Дискография всех записей ECM с музыкой Пярта и список произведений из изданий UE дополняют аккуратно оформленный том в твердой обложке со встроенным CD."