Хиты продаж

Калифорнийский квартет, который с момента выхода своего дебютного альбома "Undertow" в 1993 г. имеет статус абсолютно неприкасаемого благодаря своей отработанной, практически беспрецедентной музыкальной бескомпромиссности, и на новых работах встречает слушателя двадцатиминутными концептуальными произведениями, бесчисленными техническими изысками, грандиозными мелодиями и предельной жесткостью.
Летом в рамках мирового турне группа также посетит Германию. Помимо выступлений на фестивалях "Rock im Park" и "Rock am Ring" 2 июня, в гастрольный график включены еще три даты: 6 июня Гамбург (Sporthalle), 7 июня Берлин (Columbiahalle) и 8 июня Дюссельдорф (Philipshalle).
Внимание поклонников Tool: за день до выхода альбома, 27 апреля в некоторых клубах пройдут акции "Get It F!rst". В шести городах Германии песни с нового альбома будут впервые представлены публике, а также будет разыгран уникальный концертный опыт Tool: Два счастливчика смогут посмотреть шоу Tool со сцены "Rock am Ring". Вечеринки, посвященные выходу "Get It F!rst", пройдут в Берлине (Sage Club), Бохуме (Planet), Штутгарте (Club Prag), Ахене (Nightlife), Мюнхене (Keller) и Франкфурте (O 25).

Отзывы

Ф. Фрик в Musikexpress 5/06: "Новый альбом калифорнийцев - еще одно логическое следствие их путешествия по музыкальному самоисследованию: все становится все более и более чрезмерным - более жестким, более мягким, более мощным, более темным, более психоделическим, более выверенным, более игривым."

Дж. Сандер в Rolling Stone 6/06: "Их пятый альбом - еще одна мрачная, бескомпромиссная, блестяще спродюсированная пластинка - атмосферно захватывающая, технически увлекательная, стилистически авторитетная"

Вышедший в 2001 г. под лаконичным названием "Ten New Songs" - это блестящий альбом канадского поэта Леонарда Коэна, который вместе со своим аранжировщиком и соавтором Шэрон Робинсон увековечил на компакт-диске часть глубокого личного жизненного опыта. Возможно, при первом прослушивании песни не раскрывают своей лирической силы, но после многократного прослушивания такие композиции, как "In My Secret Life", "A Thousand Kisses Deep" и "Boogie Street", предстают как вечные бриллианты в непревзойденном творчестве Коэна.

Немецкий поп-дуэт Modern Talking, состоящий из певца Томаса Андерса и аранжировщика, автора песен и продюсера Дитера Болена, до сих пор является одним из самых успешных немецких коллективов. Modern Talking продали в общей сложности около 120 млн. пластинок по всему миру.

Пятый альбом Romantic Warriors содержит 10 композиций. Музыка соответствует успешной формуле евро-попа, смешанного с балладами. Дуэт был на высоте со своим синглом Jet Airliner (попал в Топ-10 немецких альбомных чартов).

Вскоре после выхода альбома дуэт распался, а в 1998 году состоялось его блестящее возвращение.

Songs of Faith and Devotion - восьмой студийный альбом английской группы Depeche Mode. Альбом получился более агрессивным, мрачным и роковым, чем его предшественник Violator (1990), под влиянием зарождающейся альтернативной рок- и гранж-сцены в США.

Альфред Шнитке (1934-1998) - одна из ключевых фигур отечественного музыкального искусства второй половины ХХ века. Его музыка представляет собой перекресток важнейших тенденций композиторского искусства того времени, она вобрала в себя все - или почти все, - чем отличался ХХ век, и этот сплав породил уникальный неповторимый стиль композитора. Несмотря на достаточно динамичную творческую эволюцию, порой радикально меняющую как эстетические ключевые моменты, так и принципы техники (период авангарда, полистилистика, "новая простота", период "тихой музыки", синтез стилей, поздний период), в стиле Шнитке всегда присутствуют неизменные и незыблемые тенденции - экспрессивность, смелость музыкального высказывания, острота контрастов (недаром его называли Достоевским в музыке).

Альфред Гарриевич Шнитке родился в городе Энгельсе, центре Республики немцев Поволжья, в семье журналиста и переводчика.

В 1946-1948 годах он жил с семьей в Вене, где его отец работал в немецкой газете "Österreichische Zeitung". Там мальчик получил первые музыкальные впечатления, стал брать уроки игры на фортепиано и начал сочинять. Этот период запечатлелся в памяти композитора на всю жизнь: его жизнь была пронизана влиянием Австрии и австрийской культуры, ее традициями, уходящими в далекие века (по выражению самого композитора, "звено, скрепленное чувством исторической цепи", "аура прошлого").

Вернувшись в Россию, Шнитке в 1953 году окончил Музыкальное училище имени Октябрьской революции (ныне Музыкальное училище имени Шнитке, филиал Московского государственного института музыки имени А.Г. Шнитке), затем продолжил обучение в Московской консерватории, которую окончил в 1958 году, а в 1961 году - аспирантуру. С 1961 по 1972 год он работал преподавателем Московской консерватории, где преподавал оркестровку, чтение партитур и контрапункт; по композиции у него был только один студент, так как в то время "авангардистам" Альфреду Шнитке и Эдисону Денисову не доверяли учить молодых композиторов в консерватории.

В годы советской власти музыка Шнитке не имела никакой официальной поддержки. Долгое время он был практически лишен возможности выехать за границу из-за своей позиции, не совпадавшей с мнением руководства Союза композиторов. С наступлением перестройки музыка Шнитке стала более известной и признанной не только в родной стране, но и за рубежом. В 1988-1990 годах прошел целый ряд фестивалей, посвященных его творчеству, - в Горьком, Мальме, Гетеборге, Стокгольме, Берлине, Лондоне. В конце 1980-х годов Шнитке часто выезжал за границу, с 1989 года вел класс композиции в Высшей школе музыки и театра в Гамбурге, а в 1991 году переехал в Гамбург. Тем не менее, композитор никогда не терял связи с родной страной, где он получил признание и любовь слушателей.

Альфред Шнитке - автор более 200 сочинений в самых разных жанрах. Его предпочтение крупномасштабных жанров связано с концептуальной и драматургической остротой и ощущением конфликтности музыкального мышления. На протяжении всей своей жизни он писал также музыку для кино и театра, что позволило сформировать тенденцию полистилистики и соединить в его музыкальном языке высокое и банальное как средство восприятия современного мира.

В музыке Шнитке сочетаются экспериментальные поиски нового и опора на глубокую традицию, острая выразительность звучания и неоромантическое начало. Композитор тесно связан как с русской культурой (Гоголь, Достоевский), так и с немецкой; он воплотил в своей музыке важнейшие черты русского и немецкого менталитета - возвышенную духовность, философский ум, сложный эмоциональный мир. Характерной чертой музыкального искусства XX века является диалог с прошлым, например, возрождение исторических жанров. Среди последних особое место занимает жанр concerto grosso. Это широко распространенный в эпоху барокко, в творчестве таких композиторов, как И.С. Бах и Гендель, тип концерта для оркестра и концертной группы солирующих инструментов. К этому жанру Шнитке обращался на протяжении всей своей жизни (Первый концерт гроссо, самый популярный из всех, был написан в 1977 году, а последний, Шестой, - в 1993 году, за пять лет до смерти композитора).

Concerto grosso №2 для скрипки, виолончели и симфонического оркестра (1981-1982) написан в технике полистилистики: основы барочного стиля сочетаются с музыкальным языком XX века. Четырехчастный цикл построен по принципу контраста. Во вступлении солирующая виолончель (позже к ней присоединяется скрипка) излагает основную лейтмотивную тему сочинения - это своего рода личные размышления, собственный голос композитора. Она прерывается веселой моторной музыкой - здесь наиболее очевидны аллюзии на барочный концерт, хотя диссонансные вкрапления напоминают о современности (прием "затирания" стилистической модели).

Вторая часть - пассакалья, представляющая вариации на басовую тему (жанр, также характерный для эпохи барокко). В ней сочетаются вековая семантика жанра (от Баха до Шостаковича) и индивидуальная экспрессия, поднимающая эту музыку до высот подлинной трагедийной стихии. Это "ядро" произведения эмоционально наиболее раскрыто, оно подвержено враждебным вторжениям и заряжено внутренними конфликтами. Музыка "Пассакальи" относится к лучшим страницам творчества Шнитке. Третья часть, в которой происходит возвращение в мир образов первой части, содержит те же барочные моторные качества, энергичный мажорный характер музыки и активно прогрессирующий тип развития. В кульминации звучит тема пассакальи, а завершается часть драматическим разрывом.

Четвертая часть (которая следует за третьей без перерыва) представляет собой послесловие, общее подведение итогов всего, что было до нее. Она построена исключительно на материале темы вступления. Отголоски других тем (пассакальи, мотивов барочного концерта и похоронного хорала) не меняют характера их звучания - светло-созерцательного и катарсического.

Кантата "История доктора Иоганна Фауста", написанная в 1983 году, - одно из самых значительных сочинений Альфреда Шнитке. Тема Фауста вообще является преобладающей в его творчестве. Кантата стала своеобразным итогом размышлений композитора над проблемами добра и зла, вины и искупления от нее жертвенностью, смерти и духовного бессмертия - всего того, что создает особую атмосферу его музыки: в ней живет дух высокой трагедии. Первоначально композитор задумал оперу на основе второй части "Фауста" Гете, но вскоре обратился к "Фольксбуху" Иоганна Шписа, написанному в 1587 году.

Фигура Фауста оказалась чрезвычайно привлекательной для композитора - как квинтэссенция той религиозно-философской тематики, которая волновала его на протяжении всей жизни. На эту тему уже через одиннадцать лет, за четыре года до своей смерти, Шнитке создал оперу, в которой музыка кантаты стала третьим актом.

В качестве либретто для своей "Кантаты" Шнитке взял последние главы "Фольксбуха", повествующие о конце жизни Фауста. Текст настолько хорошо подошел к задуманной им музыке, что он не изменил ни одного слова; был использован оригинальный немецкий текст (мировая премьера состоялась в Вене: кантата была написана по заказу Венского концертного общества, в честь 125-летия Венской вокальной академии), а для исполнения в России брат композитора, известный поэт и переводчик Виктор Шнитке, сделал эквиритмический перевод. Сам по себе жанр кантаты уже подразумевает эпоху барокко, однако это произведение больше напоминает ораторию, точнее, определенный тип "Страстей" или "антистрастей", по терминологии композитора, "негативных страстей". Даже распределение партий в целом соответствует "Страстям": рассказчик (евангелист) - тенор, Фауст (антагонист Христа) - бас, а хор выполняет двойную функцию - участника действия и комментатора событий.

Фигура Мефистофеля находится на расстоянии от остальных персонажей. Решение композитора в данном случае весьма оригинально: Мефистофель предстает в двух образах - "сладкоголосого соблазнителя" (контратенор) и "сурового карателя" (контральто).

Кантата состоит из 10 эпизодов:
1. Пролог. "Вот рассказ о суровой, страшной смерти доктора Фауста" (хор). 2. Близок час. "Когда истекли 24 года..." (рассказчик, Мефистофель, хор). 3. Прощание Фауста с учениками и друзьями. "Все идут в таверну и садятся за стол..." (хор, рассказчик). 4. Исповедь Фауста. "Многоуважаемые, возлюбленные господа, друзья мои..." (Фауст, хор, рассказчик). 5. Плач друзей Фауста. "Раз уж так вышло, и нет иного исхода..." (хор, рассказчик). 6. "Ложное утешение" (о Фаусте от Мефистофеля). "О, мой Фауст, что это за слабость сердца?..." (Мефистофель - обе партии, в два голоса). 7. Смерть Фауста. "Когда, после двенадцати, к часу ночи..." (Мефистофель, хор) 8. После смерти Фауста. "Те же магистры, бакалавры, студенты..." (Рассказчик, хор). 9. Эпилог (хор) 10. Заключительный хорал (продолжение кантаты, назидание потомкам). "Так бодрствуйте, бдите! Непрерывно ваш кусачий враг, дьявол жаждет жертв!" (четыре солиста, хор).

Кульминация кантаты - сцена преодоления Мефистофелем Фауста. Как ввести ее в музыку? Это поставило композитора перед проблемой. Сначала композитор решил воссоздать этот эпизод с помощью экспрессивной, диссонирующей музыки, что вполне соответствует эстетике XX века. Однако вскоре он понял, что не достигнет нужного эффекта. Вот как он сам об этом рассказывает: "Для того чтобы передать атмосферу адской бездны, необходим новый стилистический тип очернения, в частности, шокирующий стилистический контраст. Для этого я использовал ритм танго" "Популярный песенный стиль - хорошая маска для всякой дьявольщины, средство обволакивания души, поэтому я не вижу другого способа изобразить зло в музыке, кроме как добавить элемент народного стиля"

Этот эпизод производит на слушателя самое сильное впечатление. Часы бьют двенадцать. И с последним ударом появляется Мефистофель-убийца, каратель. Популярная певица (первоначально на эту роль планировалось пригласить Аллу Пугачеву) с микрофоном проходит через весь концертный зал, поднимается на сцену и одновременно поет популярную мелодию. Контраст между элементарной мелодией и пугающим натуралистическим текстом, описывающим самые страшные подробности гибели Фауста, поразителен. Это, в частности, то, что композитор в определенный момент назвал "приниженностью и банальностью".

Концертная судьба этого сочинения была непростой. После первой же репетиции (с Аллой Пугачевой) концерт был запрещен. Так получилось, что мировая премьера "Фауста" состоялась в Вене, и только через четыре месяца, 23 октября 1983 года (после многочисленных ходатайств и несмотря на непрекращающиеся препятствия) - в Москве; позднее, в 1984 году, он был показан в Ленинграде (в последнем спектакле, уже с Раисой Котовой в роли Мефистофеля-наказателя).

(мелодия. su)

О альбоме Майлза Дэвиса "Kind Of Blue" сказано и написано так много, что обобщить всю необходимую информацию в рамках данного очерка практически невозможно. Можно просто перечислить некоторые факты (самый продаваемый джазовый альбом всех времен и народов). Можно было бы попытаться объяснить, почему это лучший джазовый альбом всех времен, но это сделает за вас сама музыка. Как сказал Билл Эванс в оригинальных примечаниях к альбому, перед записью группа не играла ни одного из этих произведений. Майлз Дэвис заложил темы перед записью, а группа импровизировала. Конечный результат получился хрупким и удивительным. Записанный во время двух сессий в 1959 году, "Kind of Blue" работает на многих различных уровнях и будет продолжать работать на протяжении многих лет.

Под руководством Ронни Джеймса Дио (Ronnie James Dio) до его смерти в 2010 году было выпущено десять студийных альбомов, которые разошлись тиражом более 20 млн. экземпляров по всему миру. Теперь все семь альбомов группы, выпущенные на Mercury, вновь выходят на виниле с мастерингом Энди Пирса и оригинальными обложками.
Впервые альбомы "Lock Up The Wolves" и "Strange Highways" будут выпущены в формате двойного винила для улучшения качества звучания.
"Holy Diver", "The Last In Line", "Sacred Heart", "Intermission" и "Dream Evil" будут выпущены в формате 1LP, "Lock Up The Wolves" и "Strange Highways" - в формате 2LP.

"Deep Purple" - третий альбом группы, еще в оригинальном составе с вокалистом Родом Эвансом и басистом Ником Симпером, которых затем заменили Ян Гиллан и Роджер Гловер. В альбоме раскрывается музыкальное направление, в котором Deep Purple предстояло двигаться: Хард-рок.

Выпущенный в 2002 году альбом Nirvana включает редкую и ранее не издававшуюся студийную версию песни "You Know You're Right", последней песни группы, которая была записана и доступна исключительно на этой компиляции. Эта песня также является одной из 14 классических на Nirvana: Прорыв 1991 года "Smells Like Teen Spirit" и синглы Nevermind "Come As You Are" и "In Bloom", синглы In Utero "Heart Shaped Box" и "Pennyroyal Tea", а также глубокие песни, включая "About A Girl" с первого альбома Bleach, "Been A Son" с EP Blew, сингл "Sliver", не вошедший в пластинку, и акустические версии "All Apologies" и "The Man Who Sold The World" Дэвида Боуи.

Отзывы

J. Winkler в Musikexpress 12/02: "По своей силе и обезоруживающей красоте 15 песен этой пластинки относятся к числу величайших, когда-либо созданных рок-музыкой"

Название "Convergence" можно понимать как "слияние" или "сближение". И это во многом именно так: слияние разных идей этих двух артистов, взаимодействие электронных звуков Бланка и органичного голоса Малии, приход душевной джазовой певицы на электро-сцену, где Борис Бланк уже много лет задавал тон с  Yello и прославился как смелый пионер сэмплирования.
Одиннадцать песен этого насыщенного альбома посвящены жизни и выживанию. Это гимны, полные трагических моментов и драматических осознаний, они повествуют о призраках, рабстве, болезнях, духовности и, конечно же, любви. Крутой ритм-н-блюзовый номер «I Feel It Like You» звучит так, будто он был написан для фильма о Джеймсе Бонде.