Фирма CPOSE

Информация о продукте:

Эндрю Манце дирижирует Брамсом!

В последнее время Эндрю Манце быстро зарекомендовал себя как один из самых вдохновенных и стимулирующих дирижеров своего поколения. Движимый огромным музыкальным энтузиазмом, который начинается с барокко и заканчивается только музыкой современности, он обладает потрясающим репертуаром и необыкновенными коммуникативными способностями, благодаря которым у него появилось множество друзей как среди оркестров, так и среди слушателей. Только в 2011 году в Стокгольме он получил престижную "Премию Рольфа Шока", которой до него были удостоены Дьердь Лигети, Маурицио Кагель, Кайя Саариахо, Йорма Панула, Гидон Кремер, Анне-Софи фон Оттер и другие. С сентября 2006 года Манце является главным дирижером Симфонического оркестра Хельсингборга (Швеция). И именно с этим оркестром и под управлением Манце мы решили не лишать вас прекрасной интерпретации симфоний Брамса. Но позволим себе высказаться самому успешному дирижеру: "Тому, кто выпускает симфонии Брамса в новой записи, не нужно оправдываться. Музыкальное качество этих произведений и то, что они занимают центральное место в творчестве Хельсингборгского симфонического оркестра, основанного в 1912 году, говорят сами за себя. В записи симфоний Брамса необычным образом использована "постисторически-информативная практика", когда многие исполнительские решения основаны на соответствующих исторических свидетельствах и практиках, но применяются они не к исторически аутентичным, а к традиционно-современным инструментам" Итак, после Брукнера с Марио Вензаго, теперь вторая "классика" в неслыханных интерпретациях на cpo!

Информация о продукте

Эндрю Манце дирижирует Брамсом!

В последние годы Эндрю Манце стремительно зарекомендовал себя как один из самых вдохновенных и вдохновляющих дирижеров своего поколения. Движимый огромным музыкальным энтузиазмом, начиная с барокко и заканчивая современной музыкой, Манце обладает потрясающим репертуаром и необыкновенным коммуникативным талантом, который позволил ему приобрести множество друзей как в оркестрах, так и среди публики. В 2011 году в Стокгольме он был удостоен престижной премии Рольфа Шока, которой удостаивались музыканты уровня Дьердя Лигети, Маурицио Кагеля, Кайи Саариахо, Йормы Панулы, Гидона Кремера и Анны Софьи фон Оттер. С сентября 2006 года Манце является главным дирижером Симфонического оркестра Хельсингборга (Швеция). И именно с этим оркестром под управлением Манце связана замечательная интерпретация симфоний Брамса, которую мы решили больше не скрывать от вас. Но позволим успешному дирижеру высказаться своими словами: "Тому, кто выпускает симфонии Брамса в новой записи, не нужно оправдываться. Музыкальное качество этих произведений и то, что они занимают центральное место в творчестве основанного в 1912 году Хельсингборгского симфонического оркестра, говорят сами за себя. Нынешняя запись симфоний Брамса необычна тем, что в ней использована "постисторическая практика", поскольку многие решения, касающиеся технических вопросов исполнения, опираются на соответствующие исторические свидетельства, но используются не на подлинных исторических инструментах, а на обычных современных" После Брукнера с Марио Вензаго, теперь еще один великий классик в "неслыханных" интерпретациях на cpo!

Рецензии

stereoplay 06/12: "Заслуги Манце в отношении прозрачности движения, элегантной и гибкой формы переходов, баланса силы и легкости - все это является пиршеством для ушей и дает нам надежду на дальнейшие проекты подобного калибра. Буклетное эссе Манце блестяще и оживляюще, звук в этой увлекательной постановке также первоклассный"

The Guardian: "Не часто можно встретить свежесть и новаторство в исполнении симфоний Брамса, но подход Манце полностью индивидуален: они бурлят жизнью, попеременно тоскуя, тоскуя, острием и взрывом... Видение Манце - это не просто подход к Брамсу со стороны "ранней музыки": это композитор, заново изобретенный для XXI века"

International Record Review, апрель 2012 г.: "Это замечательный новый цикл Брамса: один из самых пламенных, оригинальных и заставляющих задуматься наборов симфоний, появившихся в цифровую эпоху... Слушая набор этих шедевров в исполнении Эндрю Манзе, я чувствую себя так, словно отправился в увлекательное и волнующее путешествие заново"

BBC CD Review, апрель 2012 г.: "Полон энтузиазма и знаний"

SA-CD. net: "Прослушав первый диск, я был настолько очарован, что мне пришлось прослушать весь комплект за один сеанс... Это цикл, который превосходит по ясности структуры, передаче эмоций и плодовитости изобретений"

Neue Presse 04 / 12: "Хорошо подготовленный, живой, энергичный, молодой, великолепно записанный: Вот как веселится старый Брамс"

Северогерманские органные открытия - том 7

Седьмой том нашего путешествия по северогерманскому органному барокко посвящен еще одному мастеру: уроженцу Гамбурга Иоганну Праэториусу, который был одним из семи детей органиста Иеронима Праэториуса и с 1612 года занимал должность органиста и церковного клерка в церкви Святого Николая в Гамбурге. Лишь недавно музыковедение приписало ему органные произведения, которые до этого назывались другими именами, в том числе и известными. Произведения имеют исключительно хоровую основу и основаны как на григорианском, так и на реформационном cantus firmi. Во всех произведениях контрапунктическое мастерство и разнообразие двигательных структур обнаруживают качество, безусловно соответствующее современным произведениям других авторов. Фридхельм Фламме интерпретирует эти произведения на органе монастырского поместья Хольтхаузен близ Бюрена, который имеет всего семь стопов, но предоставляет широкие тональные возможности.

Информация о продукте

Органные открытия Северной Германии, том 7
Седьмой том нашей экскурсии по северогерманскому органному барокко посвящен еще одному мастеру - уроженцу Гамбурга еще одному мастеру: уроженцу Гамбурга Иоганну Праэториусу, одному из семи детей органиста Иеронима Праэториуса и органисту и церковному секретарю церкви иеронима Праэториуса, органиста и церковного секретаря церкви Святого Николая в Гамбурге с 1612 года. Николая в Гамбурге с 1612 г. Лишь недавно музыковедческие исследования позволили установить, что он является автором музыки установили, что он является автором ряда органных произведений, ранее приписывавшихся другим композиторам, в том числе и известных. Эти произведения имеют исключительно хоровую основу и основаны как на григорианском, так и на реформатском cantus firmi. Контрапунктическое мастерство и разнообразие композиционной структуры композиционной структуры во всех этих произведениях действительно демонстрируют качество, соответствующее качеству произведений других композиторов этого времени произведениям других композиторов того времени. Фридхельм Фламме исполняет эти произведения на органе монастыря Хольтхаузен близ Бюрена. Несмотря на то, что этот инструмент имеет всего семь стопов, его его тональный потенциал богат и разнообразен.

Отзывы

klassik-heute.com 10/09: "Иоганн Праэториус проявляет себя в в композициях этого диска Иоганн Праэториус проявляет себя как мастер контрапункта, он излагает свои идеи в разнообразной и простой манере праэториус и его переводчик Фридхельм Фламме отвечают требованиям Фламме отвечает требованиям томаскантора к Требованиям "Томаскантора" и, таким образом, могут по-настоящему Органной музыки XVII века"

Информация о продукте:

Видор: Симфонии для органа с оркестром
Шарль-Мари Видор - это имя является олицетворением французской органной музыки XIX века. Выдающийся органный мастер Кавайе-Колл взял его в ученики, а также рекомендовал на должность титулярного органиста Сен-Сюльпис. Видор быстро заявил о себе как композитор, а его 10 симфоний для органа соло до сих пор считаются non plus ultra виртуозной французской школы. Однако Видор всегда писал и для оркестра. В его творчестве есть две чисто оркестровые симфонии и четыре симфонии для органа с оркестром. Кристиан Шмитт, вероятно, самый выдающийся немецкий органист молодого поколения, в будущем будет уделять особое внимание творчеству Видора на cpo.

Информация о продукте

Видор: Симфонии для органа и оркестра
Шарль-Мари Видор: Это имя олицетворяет французскую органную музыку XIX века, а сам он, как говорят, так ответил на вопрос о своем происхождении: "Мой отец был органистом в Лионе, а дед - органостроителем в Руффахе (Эльзас); в результате я в некотором смысле впервые увидел свет мира в органной трубе" Знаменитый органостроитель Кавайе-Колл принял его в ученики, а также рекомендовал на должность титулярного органиста в Сен-Сюльпис, где был (и есть) установлен, вероятно, его величайший инструмент. Видор быстро стал известным композитором, а его 10 симфоний для органа соло и сегодня считаются non plus ultra виртуозной французской школы. Однако Видор всегда писал и для оркестра. Так, существуют две симфонии только для оркестра и четыре симфонии для органа с оркестром. Кристиан Шмитт, возможно, самый знаменитый немецкий органист молодого поколения, не имеющий аналогов в мире, в будущем сосредоточится на творчестве Видора на cpo: один повод для веселья!

Отзывы

Classicstoday.com: "Замечательно, что эта музыка звучит в эффектном объемном звучании. Орган Бамбергского концертного зала - прекрасный инструмент, очень хорошо подходящий как для величественных, так и для интимных аспектов музыки Видора"
klassik.com 02/2010: "Великолепие органного и оркестрового звучания на самом высоком уровне"

Моравский композитор и скрипач Пауль Враницкий, наравне с В.А. Моцартом, был одним из самых влиятельных и популярных композиторов австрийской столицы около 1800 года. Он был очень плодовитым композитором, чьи произведения распространялись по всей Европе; особую известность ему принесла "Зингшпиль Оберон, король эльфов" - первая "опера-призрак", имевшая большое значение. Успехи также побудили его отказаться от богословской карьеры и полностью посвятить себя музыке. С 1787 г. он был членом оркестра Бургтеатра, директором которого впоследствии стал. Его судьбоносная "мирная" симфония "Grande Sinfonie caractéristique pour la paix avec la Republique francoise" op. 31, которую он сам объяснил в приложении с помощью программных названий, пользовалась большой популярностью при многих аристократических дворах, о чем свидетельствует широкое распространение ее тиражей. Это торжество самых разнообразных тональных красок. Картина боя и - quasi как idée fixe - снова и снова цитаты из марша: Враницкий разворачивает здесь захватывающую звуковую панораму. Симфония op. 52 - одно из последних его сочинений в этом жанре и, в отличие от Симфонии op. 31, имеет довольно веселый и легкомысленный характер с поразительно плотной мотивной фактурой. Для интерпретации этих сочинений нам удалось привлечь Филармонический оркестр NDR под управлением Говарда Гриффитса.

Информация о продукте

Картины "Битва и мир
Около 1800 года Пауль Враницкий, моравский композитор и скрипач, родившийся в один год с Моцартом, был одним из самых влиятельных и популярных композиторов в австрийской столице. Это был необычайно плодовитый композитор, чьи произведения были известны во всей Европе, а особую известность ему принесла его опера-зингшпиль "Оберон, король эльфов" - первая значительная опера о призраках. Музыкальные успехи побудили его отказаться от первоначальной теологической карьеры и полностью посвятить себя музыке. В 1787 г. он стал членом оркестра Бургтеатра, а затем его руководителем. Его мирная симфония Grande Sinfonie caractéristique pour la paix avec la Republique française op. 31 пользовалась большой популярностью при знатных дворах (о чем свидетельствует широкое распространение печатных изданий), а все ее значение он изложил в пояснительном тексте с программными заголовками. Она отличается богатой палитрой тональных красок, включает батальную картину и (почти как идею) повторяющиеся маршевые цитаты, создающие слуховую панораму высочайшего напряжения. Симфония op. 52 - одно из последних сочинений Враницкого в этом жанре; в отличие от Симфонии № 31, она обладает более ярким и беззаботным характером и гораздо более плотной мотивационной тканью. Для интерпретации этих сочинений мы привлекли Филармонический оркестр NDR под управлением дирижера Говарда Гриффитса.

Рецензии

klassik.com 03/07: "Мелодическая изобретательность Враницкого, эффектно сопоставляемые ритмы и эффективно используемый оркестровый аппарат не могут не произвести эффект. Как обычно бывает в случае с cpo, звуковое оформление на редкость удачно, а информативный текст в сопроводительном буклете подробно знакомит с историей произведения. Это делает открытие увлекательным, особенно с музыкой такого качества"

О содержании компакт-диска:

Естественное событие
Зигмунд фон Хаузеггер - один из музыкантов начала ХХ века, который, подобно Феликсу Вайнгартнеру или Вильгельму Фуртвенглеру, запомнился потомкам как выдающийся дирижер. Франкфурт, Гамбург, Мюнхен (Филармония) были его основными местами работы в качестве главного музыкального руководителя, он дружил с Регером, Штраусом и Пфицнером. Уроженец Граца, он также сочинял, хотя и не так усердно, как Вейнгартнер. Помимо множества вокальных сочинений, особенно песен, он написал две оперы, симфонические поэмы "Барбаросса" и "Виланд из Шмида" и - безусловно, главное свое произведение - огромную "Симфонию природы" для большого (в прямом смысле этого слова) оркестра и финального хора на слова Гете 1911 года. И странно: если ошеломленно (по забывчивости) слушать этот гигантский шедевр, то на ум приходят не вышеупомянутые имена, а третий дирижер-композитор, написавший в своем Komponierhäusl на Аттерзее сопоставимые музыкальные кредо. Это открытие - и я говорю об этом с гордостью - равносильно природному феномену!

Информация о продукте

Чудо природы
Зигмунд фон Хаузеггер - композитор начала ХХ века, который, подобно Феликсу Вайнгартнеру или Вильгельму Фуртвенглеру, запомнился потомкам как выдающийся дирижер. Франкфурт, Гамбург и Мюнхен (филармония) были основными местами его карьеры в качестве главного музыкального руководителя, а среди его друзей числились Регер, Штраус и Пфицнер. Уроженец Граца также сочинял, хотя и не так усердно, как Вейнгартнер. Среди его сочинений множество вокальных произведений, в том числе песен, две оперы, симфонические поэмы "Барбаросса" и "Виланд из Шмида", а также, безусловно, главное произведение - масштабная "Симфония природы" 1911 года для полного состава оркестра (причем "полный" здесь означает именно это) и заключительного хора на текст Гете. И, как ни странно, когда слушаешь в недоумении (что такое произведение вообще могло быть забыто) этот гигантский шедевр, на ум приходит имя не упомянутого выше, а другого композитора-дирижера (Густава Малера), написавшего сопоставимые музыкальные исповеди веры в своем композиторском домике на озере Аттер. Эта находка - и я говорю об этом с гордостью - сама по себе является чудом природы!

Рецензии

Classicstoday.com: "Если вы поклонник Малера, Штрауса или позднего романтизма в целом, этот диск просто необходим. Настоящее открытие"
klassik.com 03/08: "Оглядываясь назад, кажется немыслимым, что это пятидесятисемиминутное произведение безумия не было записано раньше. Как богато тонально и возмутительно звучит "Симфония природы" Хаузеггера! По продуманности наслоения оркестровых пластов и фигур, по количеству внезапных смен настроения и великолепных падений это произведение соперничает по сложности с Седьмой симфонией Малера"
klassik-heute.com 04/08: "Колоссальное произведение, отличающееся большой оригинальностью и суггестивностью. В трех могучих частях здесь отдается дань уважения природе как выражению вечной творческой силы, становящейся и уходящей в драматическом развитии, кульминацией которого является триумфальный гимн на основе текста Гете. Великолепные силы WDR Köln под управлением финна Расилайнена впечатляюще выдвигают все это на первый план, а техника проделала отличную работу."

Информация о продукте:

Времена года "со многими инструментами" и "а-ля Гвидо

В исполнительской практике XVIII века соответствующий инструментарий был определен гораздо менее точно, чем это кажется возможным сегодня. Правила партитур имели лишь относительное значение, то есть существовала явная возможность замены одного инструмента другим, добавления частей ad libitum или их удаления - в зависимости от обстоятельств, имеющихся инструментальных ресурсов или традиций и вкусовых предпочтений, сложившихся в том или ином месте. Кроме того, музыкальные издатели были заинтересованы в выпуске таких стандартных жанров, как трио-соната или скрипичный концерт со струнными и basso continuo, которые отвечали ожиданиям преимущественно любительской аудитории. Внимание издателей было явно сосредоточено на тех произведениях, которые могли быть коммерчески востребованы как в силу их партитурности, так и в силу их доступности. Поэтому в печатных изданиях XVIII века не было ничего необычного в том, чтобы представить гибкий инструментарий с целью охвата как можно большей аудитории.

Инструментальная нотация Антонио Вивальди, особенно для струнных, отличается необычной для того времени точностью. Основное внимание уделялось деталям выразительности, динамике, артикуляции и фразировке. В то же время эта же нотация предоставляет исполнителю возможность той или иной модификации или альтернативы, что, по общему признанию, не является противоречием: скорее, это говорит о чувствительности композитора к физическим и телесным качествам звука, о его стремлении сделать тембр структурным компонентом произведения. Оба аспекта отражают осознание того, что запись партитуры - это творческий процесс, допускающий определенные вариации в определенных пределах и способный тем самым открыть новые смысловые уровни.

Если Вивальди не предлагал таких вариантов, то его современники, безусловно, их предлагали. Известно, в частности, что Иоганн Георг Пизендель адаптировал многие концерты к практике, распространенной в дрезденском придворном оркестре. Особенностью этого саксонского оркестра была большая доля духовых инструментов, для которых Вивальди также написал несколько произведений (в том числе превосходный "Концерт для дрезденского оркестра" RV 577).

Независимо от источников, сегодня Le quattro stagioni в любом случае являются концертами для скрипки, струнных и basso continuo. Однако с исторической точки зрения можно представить себе и другое - что они исполнялись ансамблем, подобным знаменитой Дрезденской капелле, т.е. с большим количеством духовых инструментов. Поскольку композитор в предисловии к своей "Cinento dell armonia e dell inventione op. Vlll (Амстердам, 1225), посвятивший его богемскому графу Венцелю фон Морзину (который, как мы узнаем, был знаком с четырьмя концертами "очень давно"), особо отмечает "качество чрезвычайно виртуозного оркестра", нельзя исключать, что именно этот виртуозный оркестр из сердца Европы исполнял концерты - причем в инструментах, отличающихся от первопечатного издания и старых рукописей, хранящихся у кардинала Пьетро Оттобони.

С этой точки зрения содержание и выразительный диапазон "Времен года" буквально приглашают добавить к ним несколько духовых партий в соответствии с вивальдиевским "concerti con molti istrumenti": весной - два рекордера (гобои) и рожки, а также фагот, летом - два рекордера и фагот, осенью - два гобоя, два рожка и фагот. Для зимы Вивальди выбрал ключ фа минор, который он использовал еще только один раз для струнного концерта (RV 143). Этот ключ не слишком подходит для духовых инструментов, что позволяет в данном случае придерживаться оригинальной инструментовки. Погружение сольных секвенций в более пышную и разнообразную фактуру, обусловленное аспектом "molfi istrumenti", снижает бремя живописных представлений, ложащихся исключительно на солирующую скрипку и струнные, а палитра тембров передает ощущение еще более реалистичного исполнения - например, через пение птиц на флейтах или конкретизацию стилизованных композитором моделей: например, звучание пасторальной волынки в заключительной части "Весны" и фанфары рожка в финале "Осени".

О том, насколько удались "Времена года", можно судить, в частности, по многочисленным подражаниям, которые вызвал этот необычный концертный цикл. Одно из первых подражаний можно найти в "Армонических схемах к "Четырем временам года" op. lll Джованни Антонио Гвидо, о жизни и музыкальной деятельности которого имеются лишь скудные и, более того, неточные сведения. Вероятно, он был выходцем из Генуи. Прожив и проучившись некоторое время в Неаполе, он в 1702 году отправился в Париж, где до 1728 года на службе у герцога Орлеанского приобрел неплохую репутацию скрипача и композитора.

Во Франции, на родине иллюстративной и подражательной музыки, "Времена года" Антонио Вивальди имели немедленный и продолжительный успех. Поэтому не исключено, что версальское издание "Scherzi armonici" Гвидо появилось не ранее 1733 года, что подтверждает Кес Влаардингербрук. Несомненно, Вивальди оставил свой след в этом произведении: Композиция, посвященная Луи де Ноайлю, графу Айенскому, сопровождается программными стихами, а содержание и тематика во многом повторяют структуру вивальдиевского шедевра. Так, весной звучат стремительные потоки, поют птицы и танцуют пастухи; летом мы слышим кукушку и сильную бурю; сбор винограда, сон опьяненных и охота на оленя - тема осени; зимой объявляются северные льды, а ветры сражаются друг с другом.

Сочинения Гвидо представляют собой сюиты с разным количеством коротких частей (от пяти до тринадцати), состоящие из одно- или двухчастных танцев или рондо. В печатном издании представлены только партии для трех скрипок, виолончели, контрабаса (клавесина) или виолы, но в авертисменте есть и дополнительные инструментальные указания на флейты (гобой) и бас-альты (клавесин). Публикация говорит о многогранном сосуществовании итальянских и французских стилистических приемов, хотя колористические эффекты этих живописных переложений отнюдь не достигают того же уровня изобретательности, что и жестикуляционная, фантазийная музыка Вивальди. Как уже отмечалось, оба произведения посвящены примерно одним и тем же темам, и - в силу временной близости - в риторических кодах, повлиявших на их исполнение, также прослеживается явное сходство. Основное различие между двумя композиторами заключается в том, как они обращаются с мотериалом. В "Временах года" Вивальди с живостью пьесы и суггестивной силой фрески показаны "дионисийские" и "панические" ощущения человеческого существования в природе, не останавливаясь на особенно противоречивых, болезненных и пугающих аспектах. Именно эти аспекты присутствуют и во "Временах года" Гвидо, но здесь они приглушены, смягчены, имитированы - подобно тому, как придворный шут тривиализирует трудности бытия, превращая их в посмешище.

Чезаре Фертонани
Перевод: Экхард ван ден Хооген

И снова "Времена года"?

С тех пор как в 1940 году "Времена года" стали вновь представляться публике, этот цикл достиг самого большого и продолжительного успеха, который только можно себе представить. Дело дошло до того, что остальные восемь концертов Cimento dell' Armonio e dell lnventione превратились в настоящее шоу.

Если в XVIII веке было создано множество переложений и транскрипций для самых разных инструментов, то успех "Времен года" за последние шестьдесят лет совпал с развитием индустрии звукозаписи.
На сегодняшний день не существует действительно полного каталога всех сделанных записей, число которых может достигать нескольких сотен. Но о размерах дискографии можно судить по тому, что почти все великие скрипачи, лучшие молодые виртуозы и множество специализированных оркестров хотя бы раз принимали вызов этих произведений. Нет недостатка в солистах и ансамблях, которые за эти годы представили не одну интерпретацию концертов.

Помимо этих интерпретаций, которые мы можем назвать просто "традиционными" - независимо от того, исполнялись ли они на оригинальных инструментах или на современных, - существует множество версий для самых разных инструментов. Так, на протяжении многих лет мы слышали варианты "Времен года", например, с участием духовых или симфонических оркестров, с сольной партией в исполнении флейты, магнитофона, гитары или даже арфы.

Эти концерты вдохновляли многих композиторов "встречного слова" - не в последнюю очередь потому, что некоторые инструменталисты искали новый репертуар. В недавнем прошлом, кроме того, состоялся необычный и впечатляющий контакт между концертами "Prete rosso" и аргентинцем Астором Пьяццоллой, которого Вивальди вдохновил на создание "Estaciones Portenas" ("Времена года в Буэнос-Айресе").

в Японии "Времена года" делят первое место в хит-параде классической музыки с Девятой симфонией Бетховена. В церквях и дворцах Венеции каждый день проходят новые, качественно отличающиеся друг от друга представления. Более того, недавнее исследование показало, что первая часть "Весны" используется в телефонных очередях чаще, чем любое другое музыкальное произведение!

Все это должно было убедить нас не только не записывать десятые "Времена года", но и дать этим четырем произведениям референсный отдых. Но мы не смогли устоять перед Cimento, возможно, именно потому, что здесь такое богатство конкурирующих сопоставлений, как в научном плане, так и в плане интерпретации.

Несмотря на абсолютное уважение к нотному тексту и велениям исполнительской практики, нам захотелось попробовать в новой записи, можно ли адаптировать сохранившиеся версии скрипичных концертов, входящих в "Четыре линии года", к чрезвычайно сложному стилю вивальдиевского Concerto con molti istrumenti. Достигнутая таким образом "реконструкция" или "переписывание" явилась результатом сравнения всех доступных нам концертов, в которых Вивальди использовал большой сольный духовой инструмент, и представляет собой попытку как можно более добросовестно следовать оригинальной композиционной технике этих произведений.

В весеннем концерте солируют скрипки (гобои), рожки и фагот; летом мы решили расширить инструментарий за счет скрипок и фагота; осенью солируют гобои и рожки, а также фагот; зимой мы ограничились чисто струнным инструментарием - не в последнюю очередь из-за тона фа минор, который Вивальди никогда не использовал в своих концертах "con molti stromenti".

В этой записи мы постарались создать нотный текст, максимально приближенный к оригиналу, сравнив рукописные источники из Манчестера и Генуи с изданием, напечатанным в Амстердаме. Другим фундаментальным вкладом стало сравнение с современными изданиями Э. Селфридж-Филда, П. Эверетта и К. Хогвуда. Хогвуда.

кроме того, мы включили в издание редко звучащие "Скерци армоничи" с сопра "Четырех стаджиони дель Анно" генуэзского композитора Джованни Антонио Гвидо. Эти пьесы - явные подражания и идеальное свидетельство "французской манеры", на которую здесь перенесены вивальдиевские модели. Инструментарий этой сюиты, вероятно, не случайно схож с нашей вивальдиевской "реконструкцией": вновь в дополнение к струнным используются рекордеры (гобой) и фагот.

Федерико Гульельмо
Перевод Экхардта ван ден Хоогена

Отзывы

FonoForum 05/04: "Результат получился убедительным: в "Весне" гобой подменяет волынку, в "Лете" рекордеры в разных регистрах имитируют горлицу и золотого снегиря, фанфары "Осени" разумно звучат в исполнении охотничьих рожков; только "Зима", с ее морозным и нетипичным для ветра тоном фа минор, остается за одними струнными.однако L'Arte dell'Arco работает с партитурой, а не против нее, уточняя только то, что в ней есть, а в остальном культивируя стиль интерпретации, отличающийся естественной радостью игры и воспитанным вкусом. Бис - одноименный цикл Джованни Антонио Гвидо, написанный под влиянием Вивальди, - добавляет репертуарной ценности этой очень интересной записи"
klassik.com 09/04: "Исключительно восхитительный эксперимент, результатом которого можно любоваться на этом образцово отредактированном компакт-диске в потрясающе реалистичных звуковых картинах. Эти концерты редко ставились в более увлекательной, яркой, выразительной и поэтичной манере"

О содержании компакт-диска:

Изабель ван Кеулен играет Петтерссона

"Человек пытается найти свою внутреннюю реальность, он бежит от внешней реальности, где представление о человеке стирается за счет идеологий. В этом ночном пейзаже ... звучит песня, исполняемая скрипкой с благородным тембром, несущая на себе отпечатки пальцев человека, одинокого существа, ищущего искупления от угрожающего внешнего коллектива" Эти слова принадлежат Аллану Петтерссону и относятся ко 2-му скрипичному концерту 1977/79 г. Как и во всех других своих произведениях, Петтерссон здесь стремится к передаче голой информации, к описанию сошедшего с рельсов машинизированного мира, в котором человек используется в лучшем случае как маленький винтик в колесе. Это требует почти гипертрофированного оркестрового аппарата, в котором индивидуальность, солирующий инструмент, может быть потеряна. После премьеры в 1980 году Петтерссону с неохотой удалось создать переработанный вариант, который легче воспринимается на слух.

Информация о продукте

Изабель ван Кеулен в исполнении Петтерссона

"Человек пытается найти свою внутреннюю реальность, он бежит от внешней реальности, в которой идея человека стирается в угоду идеологиям. В этом ночном пейзаже... звучит песня, исполняемая скрипкой с благородным тембром, песня с отпечатками пальцев человека, одинокого существа, ищущего спасения от угрожающего внешнего коллектива" Автор этих слов - Аллан Петтерссон, написавший их для своего Скрипичного концерта № 2 1977-79 гг. Как и во всех других своих произведениях, здесь Петтерссон стремится к передаче информации в чистом виде, к описанию механизированного мира, в котором человек нужен не более чем маленький винтик. Такая музыка требует почти гипертрофированного оркестрового аппарата, в котором личность, солирующий инструмент, находится под угрозой заглушения. После премьеры в 1980 году Петтерссон боролся за создание новой версии, отличающейся большей прозрачностью. Наша запись с Изабель ван Кеулен 1999 года - поистине судьбоносный музыкальный час - одновременно документирует премьеру этой второй версии.

Отзывы

"Премия Pizzicato Supersonic за февраль 2007 года"
klassik-com 02/07: "Огромная концентрация, с которой ван Кеулен исполняет почти часовой тур-де-форс, впечатляет своей последовательностью и снова и снова удивляет культивированным чувством звука, с которым она формирует сложную скрипичную партию"

О содержании CD:

Музыкальные образы ночного одиночества

Джан Франческо Малипьеро был трудным и сложным человеком, часто страдавшим от депрессии с легкой параноидальной тенденцией. То, что он сочинял как одержимый, возможно, было попыткой успокоить своих внутренних демонов. Тем не менее - а может быть, и благодаря этому - он стал, по словам Луиджи Даллапикколы, "самой важной музыкальной фигурой, появившейся в Италии после смерти Верди". Он был чрезвычайно влиятельным музыкальным деятелем, но сегодня его помнят скорее по его изданиям Вивальди и Монтеверди, чем по его собственному замечательному и многогранному творчеству. О том, насколько это замечательно, свидетельствуют, например, его 6 фортепианных концертов, написанных в период с 1934 по 1964 год. Сам Малипьеро так охарактеризовал свою позицию в концертах: "Все концерты - это оратории. Один голос поднимается, а остальные (оркестр) следуют за ним в ощущении слушающей толпы, которой есть что сказать или которой хочется что-то сказать" Первая полная запись этого захватывающего комплекса произведений вновь заполняет важный пробел в репертуаре.

Информация о продукте

Музыкальные картины ночного одиночества
Джан Франческо Малипьеро был сложным и трудным человеком, которого часто мучили депрессии, доходящие до легкой паранойи. Он сочинял как одержимый, возможно, пытаясь усмирить своих внутренних демонов. Тем не менее - или именно по этой причине - он стал, по словам Луиджи Даллапикколы, "самой важной музыкальной фигурой, развивавшейся в Италии после смерти Верди" Малипьеро был чрезвычайно влиятельным музыкальным деятелем, которого сегодня помнят скорее по его изданиям Вивальди и Монтеверди, чем по его собственному многогранному и поистине выдающемуся творчеству. Насколько оно было замечательным, показывают, например, его шесть фортепианных концертов, написанных в 1934-64 гг. Сам Малипьеро характеризовал позицию, занятую им в концертах, следующим образом: "Все концерты - это оратории. Звучит голос, а остальные (оркестр) следуют за ним в ощущении слушающей толпы, которой есть что сказать или которая хотела бы что-то сказать ему" Первая полная запись этого захватывающего комплекса сочинений вновь заполняет важный дискографический пробел.

Рецензии

klassik.com 10/07: "Двойной SACD разворачивает в плеере удивительную Замечательную жизнь в проигрывателе и является одним из тех тех релизов, которые - достаточно редко - я оставляю после первого прослушивания, потому что они после первого прослушивания, потому что они обладают странным очарованием они излучают странное очарование. Бартоли Способность Бартоли увлечься различными красками, превращает запись в настоящий опыт он справляется с ритмически и тембрально ритмически и тембрально трудными сольными партиями, и он также палитру своих технических возможностей даже там, где - как и в большей части где - как в большинстве средних частей - фортепиано меньше меньше как солирующий инструмент, а больше как дифференцированный ковер звука, на который ложатся сияющие оркестровые краски тот факт, что Бартоли также умеет играть на Бартоли также способна красноречиво говорить об этой музыке в буклете в буклете Бартоли красноречиво рассказывает об этой музыке, завершая постановку в другом и в других отношениях" Rheinischer Merkur 10/07: "Шесть фортепианных концертов исполняются исполняются Сандро Иво Бартоли и оркестром RSO Saarbrücken под управлением Микеле Карулли с большой энергией, ритмической Ритмической лаконичностью и классическим чувством стиля"

О содержании компакт-диска:

И снова музыка воды и фейерверков(?)

Может ли новая запись "Музыки воды и фейерверков" Генделя увлечь кого-нибудь за печку? Если сделать это так, как делает барочный ансамбль L'Arte dell'Arco под руководством Федерико Гульельмо, то это станет настоящим событием - и все это в объемном звучании. Ансамбль уже смог убедить в "Временах года" Вивальди с помощью дополнительных духовых голосов - и не в последнюю очередь благодаря дьявольскому скрипачу Гульельмо: "Чрезвычайно восхитительный эксперимент, результатом которого можно любоваться на этом образцово отредактированном cpo CD в потрясающе реалистичных звуковых образах. Более увлекательной, яркой, выразительной, фантастической и поэтичной постановки этих концертов редко можно найти" (klassik-heute. com 9 / 2004) Так что с нетерпением ожидайте и Генделя - очередную бонанзу ясно видимой виртуозности.

Информация о продукте

Музыка воды и фейерверков Генделя - снова?
Новая запись "Водной музыки" и "Музыки фейерверков" Георга Фридриха Генделя - вот что гарантированно вызовет интерес, но почему? По одной очень веской причине: интерпретация этих классических произведений ансамблем L'Arte dell'Arco под управлением Федерико Гульельмо превращает их в особое событие, еще более усиливающееся при прослушивании в формате Surround Sound. Этот барочный ансамбль, опирающийся на скрипичную виртуозность Гульельмо и использующий дополнительные возможности духовых, известен слушателям cpo по впечатляющему исполнению "Времен года" Вивальди: "Чрезвычайно привлекательный эксперимент с результатом, вызывающим восхищение на этом образцово отредактированном cpo CD с изумительно реалистичной звуковой картиной. Эти концерты редко были исполнены более захватывающе, ярко, выразительно, фантастично и поэтично" (klassik-heute. com 9 / 2004). Таким образом, у вас есть все основания с нетерпением ждать этого нового Генделя - еще одной удачи, вдохновленной дальновидной виртуозностью!

Рецензии

Classicstoday.com: "Исключительно хорошо сыгранные спектакли. Релиз, который оставляет неизгладимое впечатление, несмотря на величайшую конкуренцию"
Schallplattenmann.de 09/08: "Почти незамеченные большим классическим музыкальным истеблишментом, итальянский скрипач и дирижер Федерико Гульельмо и его ансамбль оригинальных инструментов L'Arte dell'Arco превращаются в превосходный эталон исторически обоснованных записей барочных оркестровых произведений.естественное, незатронутое звучание записи и благородная сдержанность незаинтересованных солистов являются, не в последнюю очередь, дополнительными достоинствами этой записи, которая, несмотря на бесчисленных конкурентов, должна быть причислена к наиболее достойным прослушивания и наиболее удачным."

О содержании компакт-диска:

Te Deum К. Х. Грауна

Карл Генрих Граун, оперный дирижер и придворный композитор Фридриха II в Берлине с 1740 г. до своей смерти в 1759 г., проявляет себя как выдающийся композитор своей эпохи не только в своей Рождественской оратории, заново открытой cpo, но и в опубликованном ныне "Те Деум". Хотя, вопреки помпезности других "Те Deum", он обходится без "громких" инструментов - в соответствии с лирическим и чувствительным основным характером своего тонального языка - и предоставляет только две флейты, два гобоя, два фагота, два рожка, струнные и b. c., эффективное чередование хоровых партий с сильным звучанием и арий создает красочное богатство разнообразия и трогающую душу интенсивность. Граун отводит хору главную роль в своем Te Deum, который открывает произведение торжественной вступительной частью "Te Deum laudamus". Запись дополнена тремя образцовыми мотетами, которые по размеру и оформлению сопоставимы с мотетами И.С. Баха.
Солисты Моника Маух, Элизабет фон Магнус, Бернхард Гертнер, Клаус Мертенс, ансамбль L'arpa festante, играющий на старинных инструментах, и Basler Madrigalisten под руководством Феликса Нэфа дают всем этим произведениям чуткую и нюансированную интерпретацию!

Информация о продукте

C. Te Deum Г. Грауна

Карл Генрих Граун, который с 1740 года и до своей смерти в 1759 году был оперным дирижером и придворным композитором короля Фридриха II, проявляет себя как мастер-композитор своей эпохи не только в своей "Рождественской оратории", ранее заново открытой cpo (cpo 999 707-2), но и в новом издании его "Те Деум". Верный лирической чувственности своего музыкального языка, Граун противопоставляет его помпезности, присущей другим вариантам Te Deum, и обходится без "громких" инструментов, призывая лишь две флейты, два гобоя, два фагота, два рожка, струнные и basso continuo. Эффектное чередование хоровых партий большого звучания с ариями создает красочное и разнообразное музыкальное взаимодействие и будоражит эмоции. Хор начинает произведение торжественным вступительным номером "Te Deum laudamus", и в целом Граун отводит хору в этом сочинении главенствующую роль. Завершают запись три образцовых мотета, сравнимых с баховскими по своим размерам и проработанности.
Солисты Моника Маух, Элизабет фон Магнус, Бернхард Гаертнер и Клаус Мертенс, участники группы L'arpa festante, играющие на исторических инструментах, и Базельские мадригалисты под управлением дирижера Феликса Нэфа прекрасно интерпретируют все эти произведения во всем богатстве их нюансов!

Отзывы

City-trends.de 10/06: "Карл Генрих Граун устраивает интимную молитву с искусно, но экономно построенными хоровыми движениями и выразительными ариями, которым не нужно бояться обязательного сравнения с Бахом. Эталонная запись"
swo.de 11/06: "Нестареющая красота шедевра. Эталонная запись"

Мотеты Мельхиора Франка

Продажа индульгенций, безусловно, была одним из самых больших отклонений католической церкви и одной из главных причин революции Реформации Лютера. Нельзя купить себе избавление от грехов, только вера, покаяние могут привести к прощению грехов. Конечно, не случайно перевод семи покаянных псалмов в 1517 году стал первым самостоятельным изданием Лютера. В течение XVI века они были положены на музыку практически всеми великими музыкантами. Теперь в коллекцию WESER-RENAISSANCE вошел мастер, чьи знакомые нам произведения отличаются высоким композиционным качеством: Мельхиор Франк. Несколько постаревший современник Шютца почти всю жизнь проработал при кобургском дворе, где в 1615 году опубликовал свои шестичастные покаянные псалмы. Для них характерна особенно интимная связь слов и звуков. В некоторых фрагментах чувствуется "Гейстлих хор=музик" Шютца 1648 года.

Рецензии

klassik.com 03/08: "Это композиционно очень весомая музыка, а тесная связь между текстом и музыкой ставит ее в один ряд с важными сборниками других современников. Эталонная интерпретация очень важного дополнения к репертуару. Хорошо, что столь весомый сборник попал в такие компетентные руки"
klassik-heute.com 03/08: "Настоящее сокровище духовной музыки, покаянные псалмы Мельхиора Франка обладают удивительным богатством между драматическими и созерцательными моментами, и исполнение в полной мере использует это музыкальное разнообразие. На этот раз Везер Ренессанс предлагает, кроме того, удивительный диапазон выражения, полный дифференцированных эмоциональных настроений, которые действительно делают эти композиции звучащими как очень личные, внутренние высказывания кающегося, отчаявшегося человека."

Антонио Казимир Картельери - родился 27 сентября 1772 года в Данциге и умер 2 сентября 1807 года в Либсхаузен / Богемия -, получил образование в раннем возрасте в родительском доме своей матери Элизабетты и своего отца Джузеппе Картельери обучался.

Брак родителей, в котором произошел серьезный разлад и, наконец, их развод привели к тому, что антонио Казимир стремился к независимости в тринадцатилетнем возрасте В тринадцатилетнем возрасте Антонио Казимир стремился к независимости и Покинул родительский дом. После периода "музыкальных Бродяжничества", он стал 1791 году в качестве музыкального руководителя и придворного композитора и придворным композитором графа Оборского И в качестве его компаньона в 1792 году отправился в Берлин Берлин. Здесь он добился первых успехов как драматического композитора. Его беспокойный Дух, вызванный родительским Неравенством родителей, не позволил ему закрепиться в столице Но его влекло в "метрополию музыки" в скорее, его тянуло в "метрополию музыки" в Вена, где он брал уроки у величайших Величайших музыкальных учителей своего времени - Альбрехтсбергера и Сальери, и нашел их.
Музыкальный мир Музыкальный мир Вены обратил внимание на юного гения, и рекомендация принесла ему столь желанную должность капельмейстера у князя с князем Лобковицем, который поселился в который зимой жил в Вене в летние месяцы в своих имениях и замках в Рауднице и Айзенберге проживал. До своей безвременной кончины Картельери оставался членом княжеского дома на этом ответственном посту Артистическим и дружеским и дружеских отношениях. Подобно Йозефу Гайдну до него, когда тот устроился в Эстерхази, Картельери также развил здесь незаурядную развил здесь незаурядную композиторскую деятельность, которую впоследствии даже Бетховен.

Первые девяностые годы конец XVIII века знакомство с последним. Независимо от того, где произошло это знакомство Контакт произошел в Вене или в Богемии или в Богемии, точно установить уже невозможно. Факт заключается в том, что молодые музыканты, почти ровесники Музыканты почти одного возраста и многое из того, что мы впоследствии находим столь характерным для Бетховена, как очень характерное, берет свое начало в этом периоде и у Картельери. Ярким примером этого является Оратория Картельери "Гиоас", на исполнении которой 30 марта 1795 года ее исполнении 30 марта 1795 года (т.е. еще до назначения капельмейстером) Бетховен впервые выступил на публике как пианист.

Теофил Антоничек писал об этом и о Картельери в целом следующие, весьма уместные фразы: "Картельери показывает в своей увертюре весьма поразительные Параллели с произведениями Бетховена Первого творческого периода Бетховена, прежде всего симфонии! 1. Симфонией! В увертюре присутствуют не только Бетховенские черты, такие как патетические Минорные пассажи..., энергичные, устремленные вперед ритмы Ритм, нарастание последовательности, оркестровые унисоны и Унисоны и властные скрежещущие фигуры, но и в темах частей аллегро явное тематическое эхо, что подчеркивается более высокой секвенцией к Il. В обоих случаях это еще больше подчеркивается более высокой секвенцией Что касается биографической и, очевидно стилистической близости к Бетховену изучение Картельери представляется представляется заслуживающим внимания

Насколько прав был Антоничек, написав эти слова, еще не было понятно поколению его музыкантов, ведь до сих пор не существует до сих пор нет ни одной записи этого "гения этого "гения", который в силу своих сложных личных личных обстоятельств и жизни, он не смог развиться в полной мере (в бетховенском Бетховенском смысле). В качестве примера можно привести "Три Три венских духовых дивертисмента" для 2 гобоев, 2 кларнетов 2 кларнета, 2 корнета, 2 фагота и контрабаса были написаны (вероятно, в 1792-1794 годах для императорской гармонической музыки) в период, когда в период, когда Картельери предпринимал усилия установить более тесный контакт с Бетховеном. Бетховен только приобретал опыт с "музыкой гармонии". На сайте Композиции его "Боннских сочинений" для духовых Духового ансамбля (Октет, Рондино, Фрагмент квинтета, Секстет?, дуэты...) были еще еще свежи в его памяти. Бетховен придавал большое значение тому тому, чтобы эти произведения также исполнялись исполнялись в Вене.

Если критически взглянуть на Духовые произведения Бетховена и произведения Картельери и Картельери, то можно отметить много общих черт которые можно отметить. Однако можно также заметить что, начиная не позднее 1795 года, пути двух молодых талантов Пути двух молодых талантов расходятся. В то время как у Бетховена избранный Бетховеном путь становится все более и более индивидуализированным и в конце концов стал безошибочным ориентация Картельери более многогранна. Он - дух поиска! Гайдн как Гайдн как отец всего классического, Бетховен уже есть, темы Шубертианские темы придуманы и указывают на будущее. В его кларнетовых концертах почти совершенно незаметных кларнетовых концертах он даже становится предтечей Мендельсона.

Его ранняя смерть не дала ему времени сформировать окончательный индивидуальный стиль, как это было в случае с Бетховеном, который прожил 20 лет Бетховен или даже Гайдн, проживший на 20 лет больше. В этом контексте Моцарт подобен чуду, которое бывает у людей только раз в художественную эпоху. В заключение я хотел бы заявить, что Картельери со своими divertimenti оставил после себя духовую камеру которая, в силу описанных выше сильных сторон Сильные стороны, описанные выше, сравнение с Творениями Бетховена для гармонической музыки, даже в и даже превосходят их в некоторых деталях даже превосходят их в некоторых деталях. Высокие технические Требования, предъявляемые ко всем парам инструментов могут быть упомянуты вскользь можно упомянуть. Определенное несоответствие в пользу этой музыки с ее большими драматическими кульминациями приводит все коллективы - даже с современными инструментами - в авантюрные в авантюрные области (роговые партии).

в отличие от брака своих родителей казимир Антонио Картельери вел счастливую счастливую семейную жизнь со своей женой Франциской (дочерью известного виолончелиста и композитора и композитора Антона Крафта, который был Другом Гайдна, работавшим под его началом в придворном оркестре Эстерхази Придворном оркестре в Айзенштадте) и три его сына - Йозеф, Пауль и Антон. Йозеф Картельери стал его преемником После смерти отца Иосиф Картельери стал его преемником на посту "при Лобковице" и сохранял эту должность до своей до своей смерти в ноябре 1820 года. Из семьи, существующей и поныне из семьи, существующей и поныне, впоследствии вышли Замечательные деятели общественной общественной жизни в различных областях.

Отзывы

D.Hurwitz/ Classical Pulse New York: "Очаровательная музыка. Картельери соединил Захватывающий хроматизм Моцарта с чувством юмора Гайдна и добился некоторых результатов чувством юмора Гайдна и добился удивительных результатов удивительных результатов. Маленькая жемчужина Жемчужина венского классического периода, превосходная по Звучании и исполнении" H.Arnold/Musikmarkt 1.10.93: "Эпизодические пьесы исполнены с захватывающим дух совершенством захватывающее совершенство"

Захватывающие концерты для клавесина в объемном исполнении

Уже в 1950 году в чешском издании "Musica Antiqua Bohemica" был опубликован первый клавесинный концерт Георга Антона Бенды, за которым последовали другие в 1960 и 1967 годах, но, как ни странно, до сих пор эти произведения не получили должного признания. Бенда и сегодня наиболее известен своими идиосинкразическими и новаторскими мелодрамами, такими как "Ромео и Джульетта". Если эти произведения написаны на певучем тональном языке с итальянским влиянием, то клавесинные концерты скорее относятся к "северогерманскому" или берлинскому стилю, известному нам по соответствующим произведениям К.П.Э. Баха или родного брата Георга Франца Бенды - так называемому "штурмовому и драматическому типу" с выражением чувствительных аффектов, особенно в минорных концертах. От солистки-виртуоза Сабины Бауэр ждут высочайших технических требований в этих захватывающих и великолепных произведениях, написанных, вероятно, около 1780 / 90 г. Вместе с нашим признанным ансамблем La Stagione Frankfurt под управлением Михаэля Шнайдера она с лихвой оправдает эти ожидания.

Рецензии

merkur.de 06/05: "То, что уже не барокко и еще не классика, а наоборот, бушует и толкается, а временами даже проявляет раннеромантические тенденции, превращается в изысканное удовольствие от прослушивания, которое заставляет вас хотеть еще Бенда"
Thüringische Zeitung 09/05: "Бауэр и Шнайдер делают музыку с огромным присутствием, колотящими темпами и таким динамическим озорством в крови, что их звукоизвлечение кажется единственным стилистически разумным подходом к этой "предклассической" музыке - из того времени, когда клавесин уже выходил из моды."
klassik.com 11/05: "С годами в cpo вырастает нечто вроде акустической энциклопедии, которая, как и самая известная музыкальная энциклопедия Германии, заслуживает названия "Музыка в истории и современности"."
FonoForum 12/05: "Техника записи 5. 0 - это значительный выигрыш, особенно для реалистичного воспроизведения клавесина"

Обучать и воспитывать христиан, одновременно услаждая их разум, чтобы глубоко в него проникли слова и истины Священного Писания, - такова была задача духовных кантат, которых, пожалуй, ни один мастер барокко не сочинил больше, чем Георг Филипп Телеман, исполнявший этот, казалось бы, "тяжелый труд" с такой невероятной фантазией, что его прихожане никогда не могли заскучать. Достаточно послушать так называемый французский том (1713/14), который теперь пополнился еще десятью первыми записями: в музыке Адвента, представленной здесь, и в кантатах для "обычных" воскресений церковного года, безусловно, есть созерцательные моменты; но во всем этом преобладает красочная, чрезвычайно живописная музыка, которая всегда доходит непосредственно до основной идеи службы и остается запоминающейся и сегодня.

Некогда весьма уважаемого композитора, дирижера и педагога Фридриха Гернсхайма, безусловно, можно назвать "недостающим звеном", поскольку ему удалось установить дружеские связи как с Иоганнесом Брамсом, так и с его антиподом Максом Брухом, не оказавшись "между двух табуреток" в качестве эпигона. Там, где его музыка, казалось бы, склоняется к классицистическому Гамбургу или более рапсодическому Рейнланду, на самом деле проявляется безошибочный характер: Например, красноречивый Фортепианный концерт в удивительно сладострастных диалогах выражает очень схожие вещи с концертным мировым успехом, который Брух завершил в том же 1868 году; строгий, сосредоточенный Виолончельный концерт 1903 года и тональная поэма Zu einem Drama почти того же возраста переходят в выразительные области, которые могут быть достигнуты только с помощью совершенно уникальных путей. Впечатляет!

Отзывы

"Его фортепианный концерт - великое произведение, в котором вступительное Allegro Оливера Триндля захватывает нас своей интерпретацией, полной бравурности" (Pizzicato.lu)

В возрасте всего 24 лет Нильс В. Гаде совершил международный прорыв как композитор, написав увертюру "Нахлест на Оссиана", и до этого не считался вундеркиндом. Это произведение одним махом открыло ему доступ к европейской музыкальной жизни, и его можно с уверенностью назвать отцом датской музыки, который ввел маленькую северную страну, а вместе с ней и часто упоминаемый нордический тон в историю музыки Центральной Европы. Он быстро сделал карьеру и как композитор, и как преподаватель музыкальной академии, и как дирижер оркестра Гевандхауса, сначала в качестве второго дирижера Мендельсона, а затем как руководитель концертов Гевандхауса. В апреле 1848 года он вернулся в Данию, где систематически утверждался в качестве ведущей фигуры в музыкальной жизни страны. Его камерная музыка составляет четыре части почти сорокатомного полного издания сочинений Нильса В. Гаде, которое также лежит в основе представленных здесь записей камерной музыки. Хотя сам Гаде не был виртуозом фортепиано, он сочинял для фортепиано на протяжении всей своей жизни, и есть сведения, что Гаде всегда проводил свои оркестровые репетиции за фортепиано, чтобы прояснить свои мысли и намерения. Его акварели - это короткие, технически относительно простые характерные пьесы, предназначенные, конечно, скорее для домашнего использования, чем для концертного зала. И все же акварели пользовались уникальной популярностью при жизни Гаде. Хотя для "Акварелей" op. 19 характерен простой салонный стиль - эту характеристику ни в коем случае нельзя понимать негативно, - в сочинении опуса 57 Гаде явно расширил свой репертуар стилистических средств в плане композиционной техники, гармонии и ритма.

Рецензии

Piano News 06/2013 (о фортепианных произведениях): "Выдающимся украшением диска, безусловно, является удивительная фортепианная соната, которая без преувеличения может сравниться с великими произведениями, написанными для этого инструмента в XIX веке. Слушая невероятно красочную, ритмически акцентированную и очень ясную, но всегда очень романтичную интерпретацию Бьорко, невольно хочется назвать эту сонату главным произведением Гаде. Это как слушать "фортепианный триллер""

klassik-heute.de 09/2018: "Мелодическая красота и ясность, а также захватывающие ритмы игривых новелетт воспринимаются с удовольствием, равно как и восхитительные гармонии и все эмоциональные состояния пылких струнного квартета и струнного квинтета, которые гораздо серьезнее "новелетт""

Ивонн Ролинг в klassik.com 10/2018: "Для меня, однако, настоящим центром этой записи является одночастный Струнный квинтет фа минор 1837 г. Довольно мрачное и меланхоличное вступление, которое ведет к бурной, неотложной первой теме, замечательно удается. Пять музыкантов формируют свои голоса в очень независимой и живой, а также акцентированной манере"

FonoForm 10/2015: "Даже в плотном переплетении отдельные голоса остаются слышны, ограничение до самого необходимого важнее, чем что-либо экспериментальное. Ансамбль MidtVest предпочитает плавные линии, а не свинцовые ритарды, изгибы, а не угловатые блоки"

"Диапазон красок и эмоций удивительно широк, воображение искрится. Записи чистые и просторные" (BBC Music Magazine о скрипичных сонатах)

"Сочинения идиоматичны и по-настоящему содержательны и оригинальны, исполнение страстное и уверенное" (The Sunday Times о скрипичных сонатах)

"Рекомендуется для одного из тех дней, когда вы хотите поднять себе настроение: музыка приятна, как весенний свет, проникающий в утреннее окно, и нужно быть закоренелым человеком, чтобы не откликнуться на нее" (рецензия International Record Review на скрипичные сонаты)

Композиторам оперетт приходится нелегко: чем успешнее они работают в своем легком жанре, тем сильнее страдает их репутация в серьезной гильдии, как, например, у Франца Легара. Однако один лишь взгляд на его партитуры показывает, что он действительно был одним из величайших мастеров своего дела: оркестровая обработка и гармоническое облачение всегда отличаются высочайшей изысканностью. Кроме того, в его симфонических произведениях встречаются изобретательные музыкальные приемы, которые в иных случаях мы знаем только у Малера или Штрауса. Теперь вы можете получить представление о "другом" Легаре, услышав его лучшие оркестровые произведения, фортепианные сонаты и лиры.

Рецензии

Pizzicato 01/11: "Всесторонне успешная постановка"