Фирма CPOSE

Органные произведения Пахельбеля в объемном звучании I

Мы открываем новую полную запись органных сочинений Иоганна Пахельбеля, самого значительного композитора южногерманской органной традиции, на 5 CD - и все CD в объемном звучании с высококлассными органистами за разными органами. "Настоящая запись призвана открыть новый взгляд на клавирные сочинения и исправить распространенное в кругах органистов представление о Пахельбеле как о композиторе литургической утилитарной музыки без более высоких художественных устремлений. Поскольку разграничить органные и клавесинные сочинения достаточно сложно, в данном CD-издании представлены все сохранившиеся клавирные сочинения, записи которых были разделены между различными старинными органами и клавесином (последний войдет в состав второго тома). Новая запись основана на новом сборе и индексации сохранившегося инвентаря. Органисты XX века в основном остановились на двух изданиях клавирной музыки Пахельбеля: "Denkmälerausgabe" Макса Зайфферта, вышедшей в 1901-1903 годах, и "Auswahlausgabe" Карла Маттеи (позднее дополненной Вольфгангом Штокмайером). "Но прежние издания уже не отвечают современным требованиям" (Михаэль Белотти). Для нового издания "Полные произведения для клавишных инструментов" (под редакцией Майкла Белотти в издательстве Wayne Leupold Editions в Колфаксе, Северная Каролина) был заново отобран весь материал, который использовался всеми органистами в нашем издании Пахельбеля.

Информация о продукте

Органные произведения Пахельбеля в объемном звучании I

Мы открываем нашу новую полную запись органных сочинений Иоганна Пахельбеля, одного из самых значительных композиторов южнонемецкой органной традиции, пятью компакт-дисками с объемным звуком в исполнении лучших органистов на избранных инструментах. "Настоящая запись призвана по-новому взглянуть на клавирное творчество Пахельбеля и исправить сложившееся в кругах органистов представление о нем как о композиторе литургической музыки для практического использования без высоких художественных устремлений. Поскольку органные и клавесинные произведения трудно отличить друг от друга, в данном аудиоиздании на двенадцати компакт-дисках представлены все его сохранившиеся сочинения для клавишных инструментов: десять записаны на различных исторических органах и два - на клавесине. Органисты ХХ века в основном опирались на два издания органной музыки Пахельбеля: Denkmälerausgabe Макса Зайфферта 1901-03 годов и подборку сочинений Карла Маттеи (позднее дополненную Вольфгангом Штокмайером)" (Михаэль Белотти). Эти ранние издания уже не отвечают современным стандартам. Все имеющиеся материалы были заново изучены для нового издания Полного собрания сочинений для клавишных инструментов (под редакцией Майкла Белотти и издательством Wayne Leupold Editions в Колфаксе, Северная Каролина) и использованы всеми органистами, участвовавшими в нашем издании Пахельбеля.

Отзывы

Musik & Kirche 01/2014: "Четверым участникам удалось создать прекрасную, насыщенную запись, в которой музыка мастерски исполняется на превосходных старинных инструментах. Решение четырех разных личностей интерпретировать произведения Пахельбеля также вносит разнообразие. Так, многие более известные произведения можно услышать здесь в образцовом исполнении"
Toccata 01/2015: "Здесь все правильно: очень хорошие интерпретации на соответствующих инструментах, с информативным учебником, в котором мы также находим описания и диспозиции играющих органов, а также детали регистрации каждого произведения. Этот проект имеет все шансы стать одним из самых значительных в этом периоде"

Информация о продукте:

Оратория в современном первом исполнении

Одаренный ученик Бетховена Фердинанд Рис никогда не был совсем неизвестен, но только в последние годы cpo, а также Герман Макс с большим успехом проводят кампанию за новое открытие этого проникновенного позднего классициста и романтика. Его первая оратория "Победа веры" (Der Sieg des Glaubens), которая вновь звучит впервые с 1829 года, прославляет торжество "кротких верующих". Рисс написал это произведение по заказу Нижнерейнского музыкального фестиваля в Ахене в 1829 г. Литератор Иоганн Батист Руссо (1802-1867, не путать с его французским однофамильцем Жаном-Батистом Руссо), пользовавшийся большим уважением в Рейнской области, полностью отказался от постоянного сюжета в произведении и вместо него развернул философское рассуждение о силе веры и милости Божьей. Появляющиеся фигуры как бы обезличиваются. Они отличаются, по сути, только своей принадлежностью к большой группе верующих или малой группе неверующих. Рис учитывает это обстоятельство, создавая много впечатляющих хоровых и ансамблевых движений, неоднократно разделяя хор верующих на женский и мужской хоры. Арии опираются не столько на виртуозность, сколько на интенсивную интерпретацию текста, ориентированную на поток языка. То же самое можно сказать и о хоровых партиях, которые часто скрашиваются эффектной, гармонически восхитительной оркестровой партией. Премьера в Ахене имела ошеломляющий успех для Фердинанда Риса, о чем он вскоре "с большой радостью" сообщил своему брату Йозефу в Лондон: "Моя оратория была принята так, что весь дом задрожал - это самое великое и действенное произведение, которое я написал, но я не мог себе представить такого приема, все было просто великолепно, и повсюду царило настоящее ликование"

Информация о продукте

Современная премьера оратории

Талантливый ученик Бетховена Фердинанд Рис никогда не был полностью забыт, но только в последние годы cpo и Герман Макс с большим успехом посвятили себя возрождению этого энергичного позднего классициста и романтика. Его оратория Der Sieg des Glaubens ("Триумф веры"), впервые звучащая здесь с 1829 года, прославляет торжество "верующих с мягким сердцем" Рисс написал это произведение в ответ на заказ композиции для музыкального фестиваля на Нижнем Рейне в Ахене в 1829 г. Иоганн Батист Руссо (1807-67 гг.), уважаемый в Рейнской области литератор (не путать с одноименным французским поэтом Жаном-Батистом Руссо), в этом произведении обошелся без постоянного сюжета, а развил философское рассуждение о силе веры и милости Божьей. Можно сказать, что состав персонажей обезличен. Они отличаются друг от друга только тем, что принадлежат к большой группе верующих или к малой группе неверующих. Рис подчеркивает этот аспект в своем произведении множеством впечатляющих хоровых и ансамблевых номеров, неоднократно разделяя хор верующих на женский и мужской. Арии опираются не столько на виртуозность, сколько на интенсивную интерпретацию текста в соответствии с речевыми оборотами. Нечто подобное относится и к хоровым номерам, которые часто приправлены эффектной, гармонически привлекательной оркестровой партией. Премьера в Ахене имела ошеломляющий успех для Фердинанда Риса, который вскоре после этого "с огромной радостью" написал своему брату Йозефу в Лондон: "Моя оратория была принята так, что весь зал дрожал - это самое великое и эффективное произведение, которое я написал, но я не мог себе представить такого приема; все были в полном восторге, и повсюду царило настоящее ликование"

Отзывы

FonoForum 07/2013: "Прекрасное размышление о вере... В музыкальном отношении эта запись полностью удалась. Хор Рейнского канторея точно отрепетирован, Маленький концерт исполняется с энергией и безупречной координацией между струнными и виртуозными духовыми"

Информация о продукте:

Музыка тишины из Каринтии

"Мужской квартет поет в пустой церкви, к которому присоединились два музыкальных товарища и друга - Вольфганг Пушниг на саксофоне и Марко Тамайо на гитаре... Музыкальным началом и точкой кристаллизации CD под названием "voces quietis" стала Каринтия - родина мужского квартета schnittpunktvokal, состоящего из трех братьев и баса. Среди почти неуправляемого количества записанных старинных народных песен на немецком и словенском языках (их число исчисляется тысячами) можно найти трогательные духовные песни смиренного благочестия. Кредо schnittpunktvokal - предлагать развлечения на самом высоком уровне. Квартет - это как инструмент. Натренированные голоса также - и прежде всего - проявляют себя в концертных залах и церквях. Все началось в конце 1980-х годов, когда семья свободно пела вместе. Сегодня критики восторгаются "идеальным интонированием, необыкновенной гармонией вибрато", пением "как будто из одного голоса". Погрузитесь в собственную атмосферу, исполненную с ощутимым сочувствием. Также имеется специальный бонусный CD: Переиздание с рождественскими песнями Каринтии - конечно же, со шниттпунктом.

Информация о продукте

Тихая сторона Каринтии

"Мужской квартет поет в пустой церкви; к ним присоединяются два музыкальных товарища и друга - Вольфганг Пушниг на саксофоне и Марко Тамайо на гитаре" Точкой отправления и кристаллизации этого диска под названием voces quietis стал австрийский регион Каринтия - родина мужского квартета schnittpunktvokal, состоящего из трех братьев и одного бас-гитариста. Среди огромного количества традиционных народных песен, передаваемых на немецком и словенском языках (их число исчисляется тысячами), есть трогательные священные песни смиренного благочестия, которые ждут своего открытия. Участники квартета schnittpunktvokal стремятся предложить развлечение на самом высоком уровне. Квартет подобен инструменту. Голоса этих квалифицированных певцов звучат в концертных залах и церквях как нельзя лучше и чище. Все началось в конце 1980-х годов во время свободного совместного пения в домашней семейной обстановке. Сегодня критики восторгаются "идеальным интонированием, необыкновенным вибрато в унисон, ансамблевым звучанием, как будто исходящим из одного голоса" Это ваш шанс окунуться в уникальную атмосферу, переданную со слышимым энтузиазмом всех участников. В качестве бонуса прилагается специальный CD: переиздание рождественских песен Каринтии - разумеется, в интерпретации schnittpunktvokal.

Отзывы

klassik-heute.com 02/13: "Редко какой альбом так убедительно передает впечатление, что музыка, собранная на нем, искренне волнует сердца музыкантов, как "voces quietis", новая пластинка австрийского вокального квартета schnittpunktvokal.в двух квартетах Франца Шуберта эта сонастройка действительно становится событием: четыре голоса объединяются в магическую (органную) однородность, только этот орган может говорить, и таким образом каждый слог, каждая буква, скажем, в "Могиле и луне" превращается в звук"

Информация о продукте:

Эндрю Манце дирижирует Брамсом!

В последнее время Эндрю Манце быстро зарекомендовал себя как один из самых вдохновенных и стимулирующих дирижеров своего поколения. Движимый огромным музыкальным энтузиазмом, который начинается с барокко и заканчивается только музыкой современности, он обладает потрясающим репертуаром и необыкновенными коммуникативными способностями, благодаря которым у него появилось множество друзей как среди оркестров, так и среди слушателей. Только в 2011 году в Стокгольме он получил престижную "Премию Рольфа Шока", которой до него были удостоены Дьердь Лигети, Маурицио Кагель, Кайя Саариахо, Йорма Панула, Гидон Кремер, Анне-Софи фон Оттер и другие. С сентября 2006 года Манце является главным дирижером Симфонического оркестра Хельсингборга (Швеция). И именно с этим оркестром и под управлением Манце мы решили не лишать вас прекрасной интерпретации симфоний Брамса. Но позволим себе высказаться самому успешному дирижеру: "Тому, кто выпускает симфонии Брамса в новой записи, не нужно оправдываться. Музыкальное качество этих произведений и то, что они занимают центральное место в творчестве Хельсингборгского симфонического оркестра, основанного в 1912 году, говорят сами за себя. В записи симфоний Брамса необычным образом использована "постисторически-информативная практика", когда многие исполнительские решения основаны на соответствующих исторических свидетельствах и практиках, но применяются они не к исторически аутентичным, а к традиционно-современным инструментам" Итак, после Брукнера с Марио Вензаго, теперь вторая "классика" в неслыханных интерпретациях на cpo!

Информация о продукте

Эндрю Манце дирижирует Брамсом!

В последние годы Эндрю Манце стремительно зарекомендовал себя как один из самых вдохновенных и вдохновляющих дирижеров своего поколения. Движимый огромным музыкальным энтузиазмом, начиная с барокко и заканчивая современной музыкой, Манце обладает потрясающим репертуаром и необыкновенным коммуникативным талантом, который позволил ему приобрести множество друзей как в оркестрах, так и среди публики. В 2011 году в Стокгольме он был удостоен престижной премии Рольфа Шока, которой удостаивались музыканты уровня Дьердя Лигети, Маурицио Кагеля, Кайи Саариахо, Йормы Панулы, Гидона Кремера и Анны Софьи фон Оттер. С сентября 2006 года Манце является главным дирижером Симфонического оркестра Хельсингборга (Швеция). И именно с этим оркестром под управлением Манце связана замечательная интерпретация симфоний Брамса, которую мы решили больше не скрывать от вас. Но позволим успешному дирижеру высказаться своими словами: "Тому, кто выпускает симфонии Брамса в новой записи, не нужно оправдываться. Музыкальное качество этих произведений и то, что они занимают центральное место в творчестве основанного в 1912 году Хельсингборгского симфонического оркестра, говорят сами за себя. Нынешняя запись симфоний Брамса необычна тем, что в ней использована "постисторическая практика", поскольку многие решения, касающиеся технических вопросов исполнения, опираются на соответствующие исторические свидетельства, но используются не на подлинных исторических инструментах, а на обычных современных" После Брукнера с Марио Вензаго, теперь еще один великий классик в "неслыханных" интерпретациях на cpo!

Рецензии

stereoplay 06/12: "Заслуги Манце в отношении прозрачности движения, элегантной и гибкой формы переходов, баланса силы и легкости - все это является пиршеством для ушей и дает нам надежду на дальнейшие проекты подобного калибра. Буклетное эссе Манце блестяще и оживляюще, звук в этой увлекательной постановке также первоклассный"

The Guardian: "Не часто можно встретить свежесть и новаторство в исполнении симфоний Брамса, но подход Манце полностью индивидуален: они бурлят жизнью, попеременно тоскуя, тоскуя, острием и взрывом... Видение Манце - это не просто подход к Брамсу со стороны "ранней музыки": это композитор, заново изобретенный для XXI века"

International Record Review, апрель 2012 г.: "Это замечательный новый цикл Брамса: один из самых пламенных, оригинальных и заставляющих задуматься наборов симфоний, появившихся в цифровую эпоху... Слушая набор этих шедевров в исполнении Эндрю Манзе, я чувствую себя так, словно отправился в увлекательное и волнующее путешествие заново"

BBC CD Review, апрель 2012 г.: "Полон энтузиазма и знаний"

SA-CD. net: "Прослушав первый диск, я был настолько очарован, что мне пришлось прослушать весь комплект за один сеанс... Это цикл, который превосходит по ясности структуры, передаче эмоций и плодовитости изобретений"

Neue Presse 04 / 12: "Хорошо подготовленный, живой, энергичный, молодой, великолепно записанный: Вот как веселится старый Брамс"

Северогерманское органное барокко Том 8

В восьмом томе наших органных сочинений северогерманского барокко Фридхельм Фламме интерпретирует полное собрание органных сочинений Георга Бёма на органе Крейцбурга из провославной церкви Святого Кириакуса в Дудерштадте. Георг Бём родился в Тюрингии, был старше Баха на 24 года и работал органистом в церкви Святого Иоанна в Люнебурге, когда там находился молодой Бах. Присутствие в городе высокоодаренного юноши не должно было остаться незамеченным Бёмом, хотя свидетельства отношений между учителем и учеником отсутствуют. Большинство органных сочинений Бёма основано на хоральных мелодиях. 20 сохранившихся сочинений отличаются большим разнообразием форм. Обращает на себя внимание большое количество вариационных сочинений (с различной терминологией, например, Partita или Variatio). Прежде всего, разнообразные фигурации, особенно с движениями в высоких и низких частотах, свидетельствуют о композиторском искусстве Бёма.

Информация о продукте

Северогерманское органное барокко, том 8

В восьмом томе "Органные произведения северогерманского барокко" Фридхельм Фламме интерпретирует полное органное творчество Георга Бёма на органе Кройцбурга в церкви Святого Кириака в Дудерштадте. Бём, уроженец Тюрингии, был на двадцать четыре года старше Баха и в период пребывания там молодого Баха работал органистом в церкви Святого Иоанна в Люнебурге. Даже если документы, подтверждающие отношения между учеником и учителем, отсутствуют, присутствие в этом городе талантливого молодого музыканта не могло остаться незамеченным Бёмом. Большинство органных сочинений Бёма основано на хоральных мелодиях. Двадцать сохранившихся сочинений отличаются большим формальным разнообразием. Обращает на себя внимание большое количество вариационных сочинений (с различными названиями - "партита" или "вариация"). Разнообразные фигурации, особенно с движением в сопрано и бас, свидетельствуют о композиторском мастерстве Бёма.

Рецензии

klassik.com 01/12: "Фридхельм Фламме продолжает свою чрезвычайно заслуженную серию, представляя материал, который вновь отличается высоким уровнем и поучителен для музыкально-исторического понимания северогерманской органной музыки эпохи барокко. Фламме, несомненно, приобрел стилистическое сокровище, которое можно назвать уникальным на этом интерпретационном пути - в любом случае, интенсивность вовлечения поражает"
Musik & Kirche 04/12: "Фламме играет с самоотдачей и блеском, он представляет прекрасные тембры органа Кройцбурга в многогранной панораме"

Северогерманские органные открытия - том 7

Седьмой том нашего путешествия по северогерманскому органному барокко посвящен еще одному мастеру: уроженцу Гамбурга Иоганну Праэториусу, который был одним из семи детей органиста Иеронима Праэториуса и с 1612 года занимал должность органиста и церковного клерка в церкви Святого Николая в Гамбурге. Лишь недавно музыковедение приписало ему органные произведения, которые до этого назывались другими именами, в том числе и известными. Произведения имеют исключительно хоровую основу и основаны как на григорианском, так и на реформационном cantus firmi. Во всех произведениях контрапунктическое мастерство и разнообразие двигательных структур обнаруживают качество, безусловно соответствующее современным произведениям других авторов. Фридхельм Фламме интерпретирует эти произведения на органе монастырского поместья Хольтхаузен близ Бюрена, который имеет всего семь стопов, но предоставляет широкие тональные возможности.

Информация о продукте

Органные открытия Северной Германии, том 7
Седьмой том нашей экскурсии по северогерманскому органному барокко посвящен еще одному мастеру - уроженцу Гамбурга еще одному мастеру: уроженцу Гамбурга Иоганну Праэториусу, одному из семи детей органиста Иеронима Праэториуса и органисту и церковному секретарю церкви иеронима Праэториуса, органиста и церковного секретаря церкви Святого Николая в Гамбурге с 1612 года. Николая в Гамбурге с 1612 г. Лишь недавно музыковедческие исследования позволили установить, что он является автором музыки установили, что он является автором ряда органных произведений, ранее приписывавшихся другим композиторам, в том числе и известных. Эти произведения имеют исключительно хоровую основу и основаны как на григорианском, так и на реформатском cantus firmi. Контрапунктическое мастерство и разнообразие композиционной структуры композиционной структуры во всех этих произведениях действительно демонстрируют качество, соответствующее качеству произведений других композиторов этого времени произведениям других композиторов того времени. Фридхельм Фламме исполняет эти произведения на органе монастыря Хольтхаузен близ Бюрена. Несмотря на то, что этот инструмент имеет всего семь стопов, его его тональный потенциал богат и разнообразен.

Отзывы

klassik-heute.com 10/09: "Иоганн Праэториус проявляет себя в в композициях этого диска Иоганн Праэториус проявляет себя как мастер контрапункта, он излагает свои идеи в разнообразной и простой манере праэториус и его переводчик Фридхельм Фламме отвечают требованиям Фламме отвечает требованиям томаскантора к Требованиям "Томаскантора" и, таким образом, могут по-настоящему Органной музыки XVII века"

Информация о продукте:

Видор: Симфонии для органа с оркестром
Шарль-Мари Видор - это имя является олицетворением французской органной музыки XIX века. Выдающийся органный мастер Кавайе-Колл взял его в ученики, а также рекомендовал на должность титулярного органиста Сен-Сюльпис. Видор быстро заявил о себе как композитор, а его 10 симфоний для органа соло до сих пор считаются non plus ultra виртуозной французской школы. Однако Видор всегда писал и для оркестра. В его творчестве есть две чисто оркестровые симфонии и четыре симфонии для органа с оркестром. Кристиан Шмитт, вероятно, самый выдающийся немецкий органист молодого поколения, в будущем будет уделять особое внимание творчеству Видора на cpo.

Информация о продукте

Видор: Симфонии для органа и оркестра
Шарль-Мари Видор: Это имя олицетворяет французскую органную музыку XIX века, а сам он, как говорят, так ответил на вопрос о своем происхождении: "Мой отец был органистом в Лионе, а дед - органостроителем в Руффахе (Эльзас); в результате я в некотором смысле впервые увидел свет мира в органной трубе" Знаменитый органостроитель Кавайе-Колл принял его в ученики, а также рекомендовал на должность титулярного органиста в Сен-Сюльпис, где был (и есть) установлен, вероятно, его величайший инструмент. Видор быстро стал известным композитором, а его 10 симфоний для органа соло и сегодня считаются non plus ultra виртуозной французской школы. Однако Видор всегда писал и для оркестра. Так, существуют две симфонии только для оркестра и четыре симфонии для органа с оркестром. Кристиан Шмитт, возможно, самый знаменитый немецкий органист молодого поколения, не имеющий аналогов в мире, в будущем сосредоточится на творчестве Видора на cpo: один повод для веселья!

Отзывы

Classicstoday.com: "Замечательно, что эта музыка звучит в эффектном объемном звучании. Орган Бамбергского концертного зала - прекрасный инструмент, очень хорошо подходящий как для величественных, так и для интимных аспектов музыки Видора"
klassik.com 02/2010: "Великолепие органного и оркестрового звучания на самом высоком уровне"

Моравский композитор и скрипач Пауль Враницкий, наравне с В.А. Моцартом, был одним из самых влиятельных и популярных композиторов австрийской столицы около 1800 года. Он был очень плодовитым композитором, чьи произведения распространялись по всей Европе; особую известность ему принесла "Зингшпиль Оберон, король эльфов" - первая "опера-призрак", имевшая большое значение. Успехи также побудили его отказаться от богословской карьеры и полностью посвятить себя музыке. С 1787 г. он был членом оркестра Бургтеатра, директором которого впоследствии стал. Его судьбоносная "мирная" симфония "Grande Sinfonie caractéristique pour la paix avec la Republique francoise" op. 31, которую он сам объяснил в приложении с помощью программных названий, пользовалась большой популярностью при многих аристократических дворах, о чем свидетельствует широкое распространение ее тиражей. Это торжество самых разнообразных тональных красок. Картина боя и - quasi как idée fixe - снова и снова цитаты из марша: Враницкий разворачивает здесь захватывающую звуковую панораму. Симфония op. 52 - одно из последних его сочинений в этом жанре и, в отличие от Симфонии op. 31, имеет довольно веселый и легкомысленный характер с поразительно плотной мотивной фактурой. Для интерпретации этих сочинений нам удалось привлечь Филармонический оркестр NDR под управлением Говарда Гриффитса.

Информация о продукте

Картины "Битва и мир
Около 1800 года Пауль Враницкий, моравский композитор и скрипач, родившийся в один год с Моцартом, был одним из самых влиятельных и популярных композиторов в австрийской столице. Это был необычайно плодовитый композитор, чьи произведения были известны во всей Европе, а особую известность ему принесла его опера-зингшпиль "Оберон, король эльфов" - первая значительная опера о призраках. Музыкальные успехи побудили его отказаться от первоначальной теологической карьеры и полностью посвятить себя музыке. В 1787 г. он стал членом оркестра Бургтеатра, а затем его руководителем. Его мирная симфония Grande Sinfonie caractéristique pour la paix avec la Republique française op. 31 пользовалась большой популярностью при знатных дворах (о чем свидетельствует широкое распространение печатных изданий), а все ее значение он изложил в пояснительном тексте с программными заголовками. Она отличается богатой палитрой тональных красок, включает батальную картину и (почти как идею) повторяющиеся маршевые цитаты, создающие слуховую панораму высочайшего напряжения. Симфония op. 52 - одно из последних сочинений Враницкого в этом жанре; в отличие от Симфонии № 31, она обладает более ярким и беззаботным характером и гораздо более плотной мотивационной тканью. Для интерпретации этих сочинений мы привлекли Филармонический оркестр NDR под управлением дирижера Говарда Гриффитса.

Рецензии

klassik.com 03/07: "Мелодическая изобретательность Враницкого, эффектно сопоставляемые ритмы и эффективно используемый оркестровый аппарат не могут не произвести эффект. Как обычно бывает в случае с cpo, звуковое оформление на редкость удачно, а информативный текст в сопроводительном буклете подробно знакомит с историей произведения. Это делает открытие увлекательным, особенно с музыкой такого качества"

О содержании компакт-диска:

Естественное событие
Зигмунд фон Хаузеггер - один из музыкантов начала ХХ века, который, подобно Феликсу Вайнгартнеру или Вильгельму Фуртвенглеру, запомнился потомкам как выдающийся дирижер. Франкфурт, Гамбург, Мюнхен (Филармония) были его основными местами работы в качестве главного музыкального руководителя, он дружил с Регером, Штраусом и Пфицнером. Уроженец Граца, он также сочинял, хотя и не так усердно, как Вейнгартнер. Помимо множества вокальных сочинений, особенно песен, он написал две оперы, симфонические поэмы "Барбаросса" и "Виланд из Шмида" и - безусловно, главное свое произведение - огромную "Симфонию природы" для большого (в прямом смысле этого слова) оркестра и финального хора на слова Гете 1911 года. И странно: если ошеломленно (по забывчивости) слушать этот гигантский шедевр, то на ум приходят не вышеупомянутые имена, а третий дирижер-композитор, написавший в своем Komponierhäusl на Аттерзее сопоставимые музыкальные кредо. Это открытие - и я говорю об этом с гордостью - равносильно природному феномену!

Информация о продукте

Чудо природы
Зигмунд фон Хаузеггер - композитор начала ХХ века, который, подобно Феликсу Вайнгартнеру или Вильгельму Фуртвенглеру, запомнился потомкам как выдающийся дирижер. Франкфурт, Гамбург и Мюнхен (филармония) были основными местами его карьеры в качестве главного музыкального руководителя, а среди его друзей числились Регер, Штраус и Пфицнер. Уроженец Граца также сочинял, хотя и не так усердно, как Вейнгартнер. Среди его сочинений множество вокальных произведений, в том числе песен, две оперы, симфонические поэмы "Барбаросса" и "Виланд из Шмида", а также, безусловно, главное произведение - масштабная "Симфония природы" 1911 года для полного состава оркестра (причем "полный" здесь означает именно это) и заключительного хора на текст Гете. И, как ни странно, когда слушаешь в недоумении (что такое произведение вообще могло быть забыто) этот гигантский шедевр, на ум приходит имя не упомянутого выше, а другого композитора-дирижера (Густава Малера), написавшего сопоставимые музыкальные исповеди веры в своем композиторском домике на озере Аттер. Эта находка - и я говорю об этом с гордостью - сама по себе является чудом природы!

Рецензии

Classicstoday.com: "Если вы поклонник Малера, Штрауса или позднего романтизма в целом, этот диск просто необходим. Настоящее открытие"
klassik.com 03/08: "Оглядываясь назад, кажется немыслимым, что это пятидесятисемиминутное произведение безумия не было записано раньше. Как богато тонально и возмутительно звучит "Симфония природы" Хаузеггера! По продуманности наслоения оркестровых пластов и фигур, по количеству внезапных смен настроения и великолепных падений это произведение соперничает по сложности с Седьмой симфонией Малера"
klassik-heute.com 04/08: "Колоссальное произведение, отличающееся большой оригинальностью и суггестивностью. В трех могучих частях здесь отдается дань уважения природе как выражению вечной творческой силы, становящейся и уходящей в драматическом развитии, кульминацией которого является триумфальный гимн на основе текста Гете. Великолепные силы WDR Köln под управлением финна Расилайнена впечатляюще выдвигают все это на первый план, а техника проделала отличную работу."

Информация о продукте:

Времена года "со многими инструментами" и "а-ля Гвидо

В исполнительской практике XVIII века соответствующий инструментарий был определен гораздо менее точно, чем это кажется возможным сегодня. Правила партитур имели лишь относительное значение, то есть существовала явная возможность замены одного инструмента другим, добавления частей ad libitum или их удаления - в зависимости от обстоятельств, имеющихся инструментальных ресурсов или традиций и вкусовых предпочтений, сложившихся в том или ином месте. Кроме того, музыкальные издатели были заинтересованы в выпуске таких стандартных жанров, как трио-соната или скрипичный концерт со струнными и basso continuo, которые отвечали ожиданиям преимущественно любительской аудитории. Внимание издателей было явно сосредоточено на тех произведениях, которые могли быть коммерчески востребованы как в силу их партитурности, так и в силу их доступности. Поэтому в печатных изданиях XVIII века не было ничего необычного в том, чтобы представить гибкий инструментарий с целью охвата как можно большей аудитории.

Инструментальная нотация Антонио Вивальди, особенно для струнных, отличается необычной для того времени точностью. Основное внимание уделялось деталям выразительности, динамике, артикуляции и фразировке. В то же время эта же нотация предоставляет исполнителю возможность той или иной модификации или альтернативы, что, по общему признанию, не является противоречием: скорее, это говорит о чувствительности композитора к физическим и телесным качествам звука, о его стремлении сделать тембр структурным компонентом произведения. Оба аспекта отражают осознание того, что запись партитуры - это творческий процесс, допускающий определенные вариации в определенных пределах и способный тем самым открыть новые смысловые уровни.

Если Вивальди не предлагал таких вариантов, то его современники, безусловно, их предлагали. Известно, в частности, что Иоганн Георг Пизендель адаптировал многие концерты к практике, распространенной в дрезденском придворном оркестре. Особенностью этого саксонского оркестра была большая доля духовых инструментов, для которых Вивальди также написал несколько произведений (в том числе превосходный "Концерт для дрезденского оркестра" RV 577).

Независимо от источников, сегодня Le quattro stagioni в любом случае являются концертами для скрипки, струнных и basso continuo. Однако с исторической точки зрения можно представить себе и другое - что они исполнялись ансамблем, подобным знаменитой Дрезденской капелле, т.е. с большим количеством духовых инструментов. Поскольку композитор в предисловии к своей "Cinento dell armonia e dell inventione op. Vlll (Амстердам, 1225), посвятивший его богемскому графу Венцелю фон Морзину (который, как мы узнаем, был знаком с четырьмя концертами "очень давно"), особо отмечает "качество чрезвычайно виртуозного оркестра", нельзя исключать, что именно этот виртуозный оркестр из сердца Европы исполнял концерты - причем в инструментах, отличающихся от первопечатного издания и старых рукописей, хранящихся у кардинала Пьетро Оттобони.

С этой точки зрения содержание и выразительный диапазон "Времен года" буквально приглашают добавить к ним несколько духовых партий в соответствии с вивальдиевским "concerti con molti istrumenti": весной - два рекордера (гобои) и рожки, а также фагот, летом - два рекордера и фагот, осенью - два гобоя, два рожка и фагот. Для зимы Вивальди выбрал ключ фа минор, который он использовал еще только один раз для струнного концерта (RV 143). Этот ключ не слишком подходит для духовых инструментов, что позволяет в данном случае придерживаться оригинальной инструментовки. Погружение сольных секвенций в более пышную и разнообразную фактуру, обусловленное аспектом "molfi istrumenti", снижает бремя живописных представлений, ложащихся исключительно на солирующую скрипку и струнные, а палитра тембров передает ощущение еще более реалистичного исполнения - например, через пение птиц на флейтах или конкретизацию стилизованных композитором моделей: например, звучание пасторальной волынки в заключительной части "Весны" и фанфары рожка в финале "Осени".

О том, насколько удались "Времена года", можно судить, в частности, по многочисленным подражаниям, которые вызвал этот необычный концертный цикл. Одно из первых подражаний можно найти в "Армонических схемах к "Четырем временам года" op. lll Джованни Антонио Гвидо, о жизни и музыкальной деятельности которого имеются лишь скудные и, более того, неточные сведения. Вероятно, он был выходцем из Генуи. Прожив и проучившись некоторое время в Неаполе, он в 1702 году отправился в Париж, где до 1728 года на службе у герцога Орлеанского приобрел неплохую репутацию скрипача и композитора.

Во Франции, на родине иллюстративной и подражательной музыки, "Времена года" Антонио Вивальди имели немедленный и продолжительный успех. Поэтому не исключено, что версальское издание "Scherzi armonici" Гвидо появилось не ранее 1733 года, что подтверждает Кес Влаардингербрук. Несомненно, Вивальди оставил свой след в этом произведении: Композиция, посвященная Луи де Ноайлю, графу Айенскому, сопровождается программными стихами, а содержание и тематика во многом повторяют структуру вивальдиевского шедевра. Так, весной звучат стремительные потоки, поют птицы и танцуют пастухи; летом мы слышим кукушку и сильную бурю; сбор винограда, сон опьяненных и охота на оленя - тема осени; зимой объявляются северные льды, а ветры сражаются друг с другом.

Сочинения Гвидо представляют собой сюиты с разным количеством коротких частей (от пяти до тринадцати), состоящие из одно- или двухчастных танцев или рондо. В печатном издании представлены только партии для трех скрипок, виолончели, контрабаса (клавесина) или виолы, но в авертисменте есть и дополнительные инструментальные указания на флейты (гобой) и бас-альты (клавесин). Публикация говорит о многогранном сосуществовании итальянских и французских стилистических приемов, хотя колористические эффекты этих живописных переложений отнюдь не достигают того же уровня изобретательности, что и жестикуляционная, фантазийная музыка Вивальди. Как уже отмечалось, оба произведения посвящены примерно одним и тем же темам, и - в силу временной близости - в риторических кодах, повлиявших на их исполнение, также прослеживается явное сходство. Основное различие между двумя композиторами заключается в том, как они обращаются с мотериалом. В "Временах года" Вивальди с живостью пьесы и суггестивной силой фрески показаны "дионисийские" и "панические" ощущения человеческого существования в природе, не останавливаясь на особенно противоречивых, болезненных и пугающих аспектах. Именно эти аспекты присутствуют и во "Временах года" Гвидо, но здесь они приглушены, смягчены, имитированы - подобно тому, как придворный шут тривиализирует трудности бытия, превращая их в посмешище.

Чезаре Фертонани
Перевод: Экхард ван ден Хооген

И снова "Времена года"?

С тех пор как в 1940 году "Времена года" стали вновь представляться публике, этот цикл достиг самого большого и продолжительного успеха, который только можно себе представить. Дело дошло до того, что остальные восемь концертов Cimento dell' Armonio e dell lnventione превратились в настоящее шоу.

Если в XVIII веке было создано множество переложений и транскрипций для самых разных инструментов, то успех "Времен года" за последние шестьдесят лет совпал с развитием индустрии звукозаписи.
На сегодняшний день не существует действительно полного каталога всех сделанных записей, число которых может достигать нескольких сотен. Но о размерах дискографии можно судить по тому, что почти все великие скрипачи, лучшие молодые виртуозы и множество специализированных оркестров хотя бы раз принимали вызов этих произведений. Нет недостатка в солистах и ансамблях, которые за эти годы представили не одну интерпретацию концертов.

Помимо этих интерпретаций, которые мы можем назвать просто "традиционными" - независимо от того, исполнялись ли они на оригинальных инструментах или на современных, - существует множество версий для самых разных инструментов. Так, на протяжении многих лет мы слышали варианты "Времен года", например, с участием духовых или симфонических оркестров, с сольной партией в исполнении флейты, магнитофона, гитары или даже арфы.

Эти концерты вдохновляли многих композиторов "встречного слова" - не в последнюю очередь потому, что некоторые инструменталисты искали новый репертуар. В недавнем прошлом, кроме того, состоялся необычный и впечатляющий контакт между концертами "Prete rosso" и аргентинцем Астором Пьяццоллой, которого Вивальди вдохновил на создание "Estaciones Portenas" ("Времена года в Буэнос-Айресе").

в Японии "Времена года" делят первое место в хит-параде классической музыки с Девятой симфонией Бетховена. В церквях и дворцах Венеции каждый день проходят новые, качественно отличающиеся друг от друга представления. Более того, недавнее исследование показало, что первая часть "Весны" используется в телефонных очередях чаще, чем любое другое музыкальное произведение!

Все это должно было убедить нас не только не записывать десятые "Времена года", но и дать этим четырем произведениям референсный отдых. Но мы не смогли устоять перед Cimento, возможно, именно потому, что здесь такое богатство конкурирующих сопоставлений, как в научном плане, так и в плане интерпретации.

Несмотря на абсолютное уважение к нотному тексту и велениям исполнительской практики, нам захотелось попробовать в новой записи, можно ли адаптировать сохранившиеся версии скрипичных концертов, входящих в "Четыре линии года", к чрезвычайно сложному стилю вивальдиевского Concerto con molti istrumenti. Достигнутая таким образом "реконструкция" или "переписывание" явилась результатом сравнения всех доступных нам концертов, в которых Вивальди использовал большой сольный духовой инструмент, и представляет собой попытку как можно более добросовестно следовать оригинальной композиционной технике этих произведений.

В весеннем концерте солируют скрипки (гобои), рожки и фагот; летом мы решили расширить инструментарий за счет скрипок и фагота; осенью солируют гобои и рожки, а также фагот; зимой мы ограничились чисто струнным инструментарием - не в последнюю очередь из-за тона фа минор, который Вивальди никогда не использовал в своих концертах "con molti stromenti".

В этой записи мы постарались создать нотный текст, максимально приближенный к оригиналу, сравнив рукописные источники из Манчестера и Генуи с изданием, напечатанным в Амстердаме. Другим фундаментальным вкладом стало сравнение с современными изданиями Э. Селфридж-Филда, П. Эверетта и К. Хогвуда. Хогвуда.

кроме того, мы включили в издание редко звучащие "Скерци армоничи" с сопра "Четырех стаджиони дель Анно" генуэзского композитора Джованни Антонио Гвидо. Эти пьесы - явные подражания и идеальное свидетельство "французской манеры", на которую здесь перенесены вивальдиевские модели. Инструментарий этой сюиты, вероятно, не случайно схож с нашей вивальдиевской "реконструкцией": вновь в дополнение к струнным используются рекордеры (гобой) и фагот.

Федерико Гульельмо
Перевод Экхардта ван ден Хоогена

Отзывы

FonoForum 05/04: "Результат получился убедительным: в "Весне" гобой подменяет волынку, в "Лете" рекордеры в разных регистрах имитируют горлицу и золотого снегиря, фанфары "Осени" разумно звучат в исполнении охотничьих рожков; только "Зима", с ее морозным и нетипичным для ветра тоном фа минор, остается за одними струнными.однако L'Arte dell'Arco работает с партитурой, а не против нее, уточняя только то, что в ней есть, а в остальном культивируя стиль интерпретации, отличающийся естественной радостью игры и воспитанным вкусом. Бис - одноименный цикл Джованни Антонио Гвидо, написанный под влиянием Вивальди, - добавляет репертуарной ценности этой очень интересной записи"
klassik.com 09/04: "Исключительно восхитительный эксперимент, результатом которого можно любоваться на этом образцово отредактированном компакт-диске в потрясающе реалистичных звуковых картинах. Эти концерты редко ставились в более увлекательной, яркой, выразительной и поэтичной манере"

О содержании диска:

Рис как композитор оратории

В возрасте 18 лет Фердинанд Рис отправился в Вену, чтобы учиться у Людвига ван Бетховена. К моменту его приезда Бетховен был занят завершением работы над ораторией "Христос перед Ольбергом", поэтому Рис должен был помогать ему в написании частей и подготовке к первому исполнению в обмен на бесплатное обучение. Рис провел в Вене четыре года, и опыт работы над ораторией стал для него судьбоносным: К этому жанру относятся два его наиболее весомых произведения последних лет. Но обратился он к нему лишь очень поздно: в 1829 году по заказу Нижнерейнского музыкального фестиваля в Аахене он написал "Зиг глаубенов". С 1825 года Рис неоднократно приглашался в качестве главного приглашенного дирижера на музыкальные фестивали Whitsun, проводившиеся поочередно в Аахене, Дюссельдорфе и Кельне. После того как Мендельсон отпраздновал триумф с "Паулюсом", написанным для фестиваля 1836 года, Рис снова получил заказ на следующий год. Он сообщил другу, что теперь пишет "новую ораторию, примерно такую же большую, как у Бетховена" Оратория "Цари в Израиле" имела большой успех - и вполне заслуженный: великолепные хоры, драматические арии, искусные ансамбли.

Информация о продукте

Рис как композитор-оратор
В возрасте восемнадцати лет Фердинанд Рис отправился в Вену, чтобы учиться у Людвига ван Бетховена с Людвигом ван Бетховеном. К моменту его приезда Бетховен заканчивал последние штрихи к оратории "Христос в Оэльберге", и поэтому первые услуги, оказанные Рисом оратории первые услуги, которые Рис оказал своему учителю за бесплатное обучение первые услуги, которые Рис оказал своему учителю за бесплатное обучение, заключались в переписывании партий для оратории и подготовка к ее премьере. В Вене Рис провел четыре года, и "ораторское ассистентство" оставило у него неизгладимое впечатление. Хотя сам он обратился к этому жанру лишь в конце жизни, два самых значительных произведения его старости были ораториями. Он сочинил первую, "Зиг глаубенов", он сочинил в 1829 году по заказу музыкального фестиваля в Нижней Саксонии Музыкального фестиваля Нижней Саксонии в Аахене. С 1825 года он служил приглашенным дирижером и директором этого музыкального фестиваля, проводившегося в день Пятидесятницы в Аахене, Дюссельдорфе или Кельне. После того как Мендельсон одержал после того как Мендельсон с большим триумфом исполнил "Паулюса", написанного для фестиваля 1836 года, Рис вновь был призван написать фестивальную ораторию. Как он сообщал другу, он писал "новую ораторию, примерно такой же длины, как бетховенская "Цари в Израиле" имели большой успех - и вполне заслуженно, с ее великолепными и это справедливо, с ее великолепными хорами, драматическими ариями, и отточенными ансамблями.

Отзывы

klassik. com 02/08: "В очередной раз CPO представляет очень достойный комплект, который, снабженный информативным буклетом с либретто, может рассматриваться как значительный вклад в ораторию XIX века" Early Music Magazine 6/08: "Великолепное качество звука. Очень впечатляющий релиз" Opus HD: "Замечательное открытие" FonoForum 06/08: "Вторая работа Риса такого рода и при этом замечательная, действительно сильная"

О содержании компакт-диска:

Изабель ван Кеулен играет Петтерссона

"Человек пытается найти свою внутреннюю реальность, он бежит от внешней реальности, где представление о человеке стирается за счет идеологий. В этом ночном пейзаже ... звучит песня, исполняемая скрипкой с благородным тембром, несущая на себе отпечатки пальцев человека, одинокого существа, ищущего искупления от угрожающего внешнего коллектива" Эти слова принадлежат Аллану Петтерссону и относятся ко 2-му скрипичному концерту 1977/79 г. Как и во всех других своих произведениях, Петтерссон здесь стремится к передаче голой информации, к описанию сошедшего с рельсов машинизированного мира, в котором человек используется в лучшем случае как маленький винтик в колесе. Это требует почти гипертрофированного оркестрового аппарата, в котором индивидуальность, солирующий инструмент, может быть потеряна. После премьеры в 1980 году Петтерссону с неохотой удалось создать переработанный вариант, который легче воспринимается на слух.

Информация о продукте

Изабель ван Кеулен в исполнении Петтерссона

"Человек пытается найти свою внутреннюю реальность, он бежит от внешней реальности, в которой идея человека стирается в угоду идеологиям. В этом ночном пейзаже... звучит песня, исполняемая скрипкой с благородным тембром, песня с отпечатками пальцев человека, одинокого существа, ищущего спасения от угрожающего внешнего коллектива" Автор этих слов - Аллан Петтерссон, написавший их для своего Скрипичного концерта № 2 1977-79 гг. Как и во всех других своих произведениях, здесь Петтерссон стремится к передаче информации в чистом виде, к описанию механизированного мира, в котором человек нужен не более чем маленький винтик. Такая музыка требует почти гипертрофированного оркестрового аппарата, в котором личность, солирующий инструмент, находится под угрозой заглушения. После премьеры в 1980 году Петтерссон боролся за создание новой версии, отличающейся большей прозрачностью. Наша запись с Изабель ван Кеулен 1999 года - поистине судьбоносный музыкальный час - одновременно документирует премьеру этой второй версии.

Отзывы

"Премия Pizzicato Supersonic за февраль 2007 года"
klassik-com 02/07: "Огромная концентрация, с которой ван Кеулен исполняет почти часовой тур-де-форс, впечатляет своей последовательностью и снова и снова удивляет культивированным чувством звука, с которым она формирует сложную скрипичную партию"

О содержании CD:

Музыкальные образы ночного одиночества

Джан Франческо Малипьеро был трудным и сложным человеком, часто страдавшим от депрессии с легкой параноидальной тенденцией. То, что он сочинял как одержимый, возможно, было попыткой успокоить своих внутренних демонов. Тем не менее - а может быть, и благодаря этому - он стал, по словам Луиджи Даллапикколы, "самой важной музыкальной фигурой, появившейся в Италии после смерти Верди". Он был чрезвычайно влиятельным музыкальным деятелем, но сегодня его помнят скорее по его изданиям Вивальди и Монтеверди, чем по его собственному замечательному и многогранному творчеству. О том, насколько это замечательно, свидетельствуют, например, его 6 фортепианных концертов, написанных в период с 1934 по 1964 год. Сам Малипьеро так охарактеризовал свою позицию в концертах: "Все концерты - это оратории. Один голос поднимается, а остальные (оркестр) следуют за ним в ощущении слушающей толпы, которой есть что сказать или которой хочется что-то сказать" Первая полная запись этого захватывающего комплекса произведений вновь заполняет важный пробел в репертуаре.

Информация о продукте

Музыкальные картины ночного одиночества
Джан Франческо Малипьеро был сложным и трудным человеком, которого часто мучили депрессии, доходящие до легкой паранойи. Он сочинял как одержимый, возможно, пытаясь усмирить своих внутренних демонов. Тем не менее - или именно по этой причине - он стал, по словам Луиджи Даллапикколы, "самой важной музыкальной фигурой, развивавшейся в Италии после смерти Верди" Малипьеро был чрезвычайно влиятельным музыкальным деятелем, которого сегодня помнят скорее по его изданиям Вивальди и Монтеверди, чем по его собственному многогранному и поистине выдающемуся творчеству. Насколько оно было замечательным, показывают, например, его шесть фортепианных концертов, написанных в 1934-64 гг. Сам Малипьеро характеризовал позицию, занятую им в концертах, следующим образом: "Все концерты - это оратории. Звучит голос, а остальные (оркестр) следуют за ним в ощущении слушающей толпы, которой есть что сказать или которая хотела бы что-то сказать ему" Первая полная запись этого захватывающего комплекса сочинений вновь заполняет важный дискографический пробел.

Рецензии

klassik.com 10/07: "Двойной SACD разворачивает в плеере удивительную Замечательную жизнь в проигрывателе и является одним из тех тех релизов, которые - достаточно редко - я оставляю после первого прослушивания, потому что они после первого прослушивания, потому что они обладают странным очарованием они излучают странное очарование. Бартоли Способность Бартоли увлечься различными красками, превращает запись в настоящий опыт он справляется с ритмически и тембрально ритмически и тембрально трудными сольными партиями, и он также палитру своих технических возможностей даже там, где - как и в большей части где - как в большинстве средних частей - фортепиано меньше меньше как солирующий инструмент, а больше как дифференцированный ковер звука, на который ложатся сияющие оркестровые краски тот факт, что Бартоли также умеет играть на Бартоли также способна красноречиво говорить об этой музыке в буклете в буклете Бартоли красноречиво рассказывает об этой музыке, завершая постановку в другом и в других отношениях" Rheinischer Merkur 10/07: "Шесть фортепианных концертов исполняются исполняются Сандро Иво Бартоли и оркестром RSO Saarbrücken под управлением Микеле Карулли с большой энергией, ритмической Ритмической лаконичностью и классическим чувством стиля"

О содержании компакт-диска:

Vincent Lübeck & the Treutmann Organ

В нашем масштабном SACD-издании с полными записями великих органных мастеров северогерманского барокко на исторических инструментах мы посвящаем этот диск Винсенту Любеку, уроженцу Падингбюттеля, и его сыну. В возрасте 20 лет Винсент Старший стал органистом церкви Святого Космы и Дамиани, а с 1690 года - и титулярным органистом шведской церкви Святого Мариена в Штаде. Как преподаватель он пользовался там такой репутацией, что ученики приезжали к нему из разных мест. Но его высоко ценили и как композитора, и как специалиста по изготовлению органов, так что в 1702 году он был назначен в Николаиоргель в Гамбурге. После его смерти преемником стал его сын, также носивший имя Винсент. Настоящая запись объединяет все сохранившиеся органные сочинения отца и сына, большинство из которых были написаны до 1710 года. Обращает на себя внимание предпочтение реперкуссионных мотивов и большое количество фуг с двойными темами. Концертные пассажи, броская мелодия и часто ясная гармония свидетельствуют о повороте к галантному стилю. Фридхельм Фламме исполняет произведения серьезным, фундаментальным звуком на органе Treutmann, который является одним из важнейших инструментов первой половины XVIII века и единственным сохранившимся органом Treutmann, представляющим собой синтез северогерманского и среднегерманского органостроения.

Информация о продукте

Винсент Любек и орган Треутманна

Наше великолепное SACD-издание с полными записями великих органных мастеров северогерманского барокко на исторических инструментах теперь обращается к уроженцу Падингбюттеля Винсенту Любеку и его сыну. В возрасте двадцати лет Винсент Старший стал органистом в церкви свв. Космы и Дамиана, а с 1690 г. стал также титулярным органистом шведской церкви Святой Марии в Штаде. Как преподаватель он пользовался там такой репутацией, что ученики приезжали к нему из разных мест. Он также пользовался большим уважением как композитор и специалист по изготовлению органов и был назначен органистом церкви Святого Николая в Гамбурге в 1702 г. После его смерти его преемником стал сын, также носивший имя Винсент. В настоящей записи собраны все сохранившиеся органные сочинения отца и сына, большинство из которых относится к периоду до 1710 г. Обращает на себя внимание пристрастие к реперкуссионным мотивам и большое количество фуг с двойными темами. Концертные пассажи, броские мелодии, часто ясные гармонии отражают обращение к галантному стилю. Фридхельм Фламме интерпретирует эти произведения на органе Треутманна - единственном сохранившемся органе Кристофа Треутманна и, таким образом, одном из важнейших инструментов первой половины XVIII века, представляющем синтез северного и центрально-германского строительных стилей, - со звуком, отмеченным тяжестью и фундаментальными тонами.

Отзывы

Early Music Magazine 10/06: "Отличная игра, тонкое чувство архитектуры этих порой сложных произведений"
klassik.com 05/07: "Звучный инструмент с тремя мануалами и педалью идеально подходит для северогерманского репертуара и обладает впечатляющей тональной палитрой, с которой Фридхельм Фламме работает энергично: с большой виртуозностью и богатой дифференциацией в выборе стоп, органист, безусловно, соответствует зачастую высоким техническим требованиям игры.в очередной раз впечатляет невероятно естественное пространственное звучание, переданное командой cpo. Орган звучит как бы встроенным в церковное пространство, но при этом не слишком реверберирует или неясен. Это тот случай, когда технология SACD оправдывает себя"

О содержании компакт-диска:

И снова музыка воды и фейерверков(?)

Может ли новая запись "Музыки воды и фейерверков" Генделя увлечь кого-нибудь за печку? Если сделать это так, как делает барочный ансамбль L'Arte dell'Arco под руководством Федерико Гульельмо, то это станет настоящим событием - и все это в объемном звучании. Ансамбль уже смог убедить в "Временах года" Вивальди с помощью дополнительных духовых голосов - и не в последнюю очередь благодаря дьявольскому скрипачу Гульельмо: "Чрезвычайно восхитительный эксперимент, результатом которого можно любоваться на этом образцово отредактированном cpo CD в потрясающе реалистичных звуковых образах. Более увлекательной, яркой, выразительной, фантастической и поэтичной постановки этих концертов редко можно найти" (klassik-heute. com 9 / 2004) Так что с нетерпением ожидайте и Генделя - очередную бонанзу ясно видимой виртуозности.

Информация о продукте

Музыка воды и фейерверков Генделя - снова?
Новая запись "Водной музыки" и "Музыки фейерверков" Георга Фридриха Генделя - вот что гарантированно вызовет интерес, но почему? По одной очень веской причине: интерпретация этих классических произведений ансамблем L'Arte dell'Arco под управлением Федерико Гульельмо превращает их в особое событие, еще более усиливающееся при прослушивании в формате Surround Sound. Этот барочный ансамбль, опирающийся на скрипичную виртуозность Гульельмо и использующий дополнительные возможности духовых, известен слушателям cpo по впечатляющему исполнению "Времен года" Вивальди: "Чрезвычайно привлекательный эксперимент с результатом, вызывающим восхищение на этом образцово отредактированном cpo CD с изумительно реалистичной звуковой картиной. Эти концерты редко были исполнены более захватывающе, ярко, выразительно, фантастично и поэтично" (klassik-heute. com 9 / 2004). Таким образом, у вас есть все основания с нетерпением ждать этого нового Генделя - еще одной удачи, вдохновленной дальновидной виртуозностью!

Рецензии

Classicstoday.com: "Исключительно хорошо сыгранные спектакли. Релиз, который оставляет неизгладимое впечатление, несмотря на величайшую конкуренцию"
Schallplattenmann.de 09/08: "Почти незамеченные большим классическим музыкальным истеблишментом, итальянский скрипач и дирижер Федерико Гульельмо и его ансамбль оригинальных инструментов L'Arte dell'Arco превращаются в превосходный эталон исторически обоснованных записей барочных оркестровых произведений.естественное, незатронутое звучание записи и благородная сдержанность незаинтересованных солистов являются, не в последнюю очередь, дополнительными достоинствами этой записи, которая, несмотря на бесчисленных конкурентов, должна быть причислена к наиболее достойным прослушивания и наиболее удачным."

О содержании компакт-диска:

Te Deum К. Х. Грауна

Карл Генрих Граун, оперный дирижер и придворный композитор Фридриха II в Берлине с 1740 г. до своей смерти в 1759 г., проявляет себя как выдающийся композитор своей эпохи не только в своей Рождественской оратории, заново открытой cpo, но и в опубликованном ныне "Те Деум". Хотя, вопреки помпезности других "Те Deum", он обходится без "громких" инструментов - в соответствии с лирическим и чувствительным основным характером своего тонального языка - и предоставляет только две флейты, два гобоя, два фагота, два рожка, струнные и b. c., эффективное чередование хоровых партий с сильным звучанием и арий создает красочное богатство разнообразия и трогающую душу интенсивность. Граун отводит хору главную роль в своем Te Deum, который открывает произведение торжественной вступительной частью "Te Deum laudamus". Запись дополнена тремя образцовыми мотетами, которые по размеру и оформлению сопоставимы с мотетами И.С. Баха.
Солисты Моника Маух, Элизабет фон Магнус, Бернхард Гертнер, Клаус Мертенс, ансамбль L'arpa festante, играющий на старинных инструментах, и Basler Madrigalisten под руководством Феликса Нэфа дают всем этим произведениям чуткую и нюансированную интерпретацию!

Информация о продукте

C. Te Deum Г. Грауна

Карл Генрих Граун, который с 1740 года и до своей смерти в 1759 году был оперным дирижером и придворным композитором короля Фридриха II, проявляет себя как мастер-композитор своей эпохи не только в своей "Рождественской оратории", ранее заново открытой cpo (cpo 999 707-2), но и в новом издании его "Те Деум". Верный лирической чувственности своего музыкального языка, Граун противопоставляет его помпезности, присущей другим вариантам Te Deum, и обходится без "громких" инструментов, призывая лишь две флейты, два гобоя, два фагота, два рожка, струнные и basso continuo. Эффектное чередование хоровых партий большого звучания с ариями создает красочное и разнообразное музыкальное взаимодействие и будоражит эмоции. Хор начинает произведение торжественным вступительным номером "Te Deum laudamus", и в целом Граун отводит хору в этом сочинении главенствующую роль. Завершают запись три образцовых мотета, сравнимых с баховскими по своим размерам и проработанности.
Солисты Моника Маух, Элизабет фон Магнус, Бернхард Гаертнер и Клаус Мертенс, участники группы L'arpa festante, играющие на исторических инструментах, и Базельские мадригалисты под управлением дирижера Феликса Нэфа прекрасно интерпретируют все эти произведения во всем богатстве их нюансов!

Отзывы

City-trends.de 10/06: "Карл Генрих Граун устраивает интимную молитву с искусно, но экономно построенными хоровыми движениями и выразительными ариями, которым не нужно бояться обязательного сравнения с Бахом. Эталонная запись"
swo.de 11/06: "Нестареющая красота шедевра. Эталонная запись"