Фирма CPOSE

Виртуозные концерты для кларнета Франца Кроммера

Франц Кроммер до сих пор оставался в тени музыковедческих исследований. Только в 1997 году чешский музыковед Карел Падрта опубликовал подробный каталог его произведений с вводным биографическим разделом, который во многом впервые содержал результаты исследований, выходящие за рамки того, что было передано из XIX века. В своем творчестве Кроммер полностью сосредоточился на инструментальной музыке. Первый концерт Кроммера для двух кларнетов с оркестром ми-бемоль мажор op. 35 (Padrta III: 3), по-видимому, был очень популярен. Рецензент концерта, исполненного в Бреслау зимой 1803/04 года, написал в газете Allgemeine musikalische Zeitung: "Прекрасный концерт" и закончил свой отзыв восклицанием: "Если бы господин Кроммер дал нам больше таких концертов!". Особенность Концертино op. 38 заключается в его партитуре: оно написано для флейты, гобоя и скрипки как сольные инструменты и для рожков, альтов и басов в оркестровом tutti. Еще одно отличие от концерта - в структуре тех частей концертино, которые наиболее сопоставимы с концертными: это крайние части и средняя часть. Они имеют гораздо более свободную структуру и, даже если в них есть виртуозные пассажи, служат скорее для развлечения, чем для развития инструментального мастерства исполнителей.

Четыре времени года с волшебством флейты

Времена года" Антонио Вивальди - важная веха в музыке. С одной стороны, цикл прочно связан с эстетикой барокко, а с другой - уже движется в направлении стиля галант. В нашей новой записи произведения Вивальди были тщательно переложены для панпипы с оркестром композитором Карлосом Пино-Кинтаной. Большой задачей было сохранить и даже подчеркнуть полифонические элементы оригинальной сольной партии в новом инструментарии, тонко перенести технические характеристики скрипки на панфлейту, найти подходящие клавиши и сбалансировать возникающие контрасты и тональные краски между соло и тутти в духе concerto grosso. Аккомпанемент клавесина в качестве basso continuo, который в противном случае выступал бы только как сопровождение secco в длинных фразах и разделах, был опущен, что открыло новые возможности для фактуры полифонии и дало сольной партии панфлейты больше возможностей для выражения и музыкальности. И вот, пожалуйста: концерты звучат так, как будто они были написаны для панфлейты. В этом, конечно, есть и заслуга нашей исполнительницы Андреа Чира, которая играет на исторической панфлейте "Най" с неповторимым тембром. Непревзойденный звуковой опыт!

Отзывы

Журнал о культуре Seuilletonscout 12/2022: "Захватывающая новая запись. Чистое музыкальное удовольствие, полное бодрости, вдохновения и позитивных сюрпризов. Андреа Чира добилась здесь не только сбалансированной и увлекательной звукозаписи, но и личного художественного заявления. Она представляет широкую музыкальную палитру Вивальди уверенно и с поразительным богатством интерпретационных средств. Лирические, экспрессивные, танцевальные или бурные элементы приводят к непревзойденному единству. Ее исполнение искренне, выразительно и чрезвычайно нюансировано. Неожиданное открытие, которое не должен пропустить ни один любитель музыки"

"Музыкант румынского происхождения, живущая сейчас в Вене, в совершенстве овладела игрой на бамбуковых дудочках и опробовала их действие во многих художественных контекстах. Многие из ее проектов, включая мюзиклы, получили большой отклик. Записав барочную виртуозную музыку Антонио Вивальди, Андреа Чиро достигла нового уровня художественной зрелости и заявила о себе как о мастере игры на этом инструменте" (klassik-heute.de)



Времена года с магией флейты

Времена года" Антонио Вивальди - важная веха в музыке. С одной стороны, цикл прочно связан с эстетикой барокко, а с другой - уже движется в направлении стиля галант. В нашей новой записи произведения Вивальди были тщательно переложены для панфлейты с оркестром композитором Карлосом Пино-Кинтаной. Большой задачей было сохранить и даже подчеркнуть полифонические элементы оригинальной сольной партии в новом инструментарии, тонко перенести технические характеристики скрипки на панфлейту, найти подходящие клавиши и сбалансировать возникающие контрасты и тональные краски между соло и тутти в духе concerto grosso. Аккомпанемент клавесина в качестве basso continuo, который в противном случае выступал бы только как сопровождение secco в длинных фразах и разделах, был опущен, что открыло новые возможности для фактуры полифонии и дало сольной партии панфлейты больше возможностей для выражения и музыкальности. И вот, пожалуйста: концерты звучат так, как будто они были написаны для панфлейты. В этом, конечно, есть и заслуга нашей исполнительницы Андреа Чира, которая играет на исторической панфлейте "Най" с неповторимым тембром. Непревзойденный звуковой опыт!

Информация о продукте

Четыре времени года с магией флейты
Времена года" Антонио Вивальди - важная веха в музыке. С одной стороны, цикл прочно укоренен в эстетике барокко, с другой - уже движется в направлении стиля галант. В нашей новой записи произведения Вивальди были тщательно переложены для пан-флейты с оркестром композитором Карлосом Пино-Кинтаной. Большой задачей было сохранить и даже подчеркнуть полифонические элементы оригинальной сольной партии в новом инструментарии, тонко перенести технические характеристики скрипки на пан-флейту, найти подходящие клавиры и сбалансировать возникающие контрасты и тембры между соло и tutti в смысле concerto grosso. При этом клавесин в качестве basso continuo, который в противном случае выступал бы только в качестве secco сопровождения в длинных фразах и разделах, был опущен, что открыло новые возможности для полифонической ткани и дало солирующему голосу пан-флейты больше возможностей для выражения и музыкальности. И вот, пожалуйста, концерты звучат так, как будто они были написаны для пан-флейты. В этом, конечно, есть и заслуга нашего переводчика Андрея Чира, который играет на исторической пан-флейте "Най" с неповторимым тембром. Ни с чем не сравнимое звуковое впечатление!

Отзывы

"Музыкант румынского происхождения, живущая сейчас в Вене, отточила свою игру на бамбуковых дудочках и опробовала их действие во многих художественных контекстах. Многие ее проекты, включая мюзиклы, получили большой отклик. С этой записью виртуозной музыки Антонио Вивальди в стиле барокко Андреа Чиро достигла нового уровня художественной зрелости и заявила о себе как о мастере игры на этом инструменте" (klassik-heute.de)

Мощные квартеты Антона Рубинштейна

Как Антону Рубинштейну удалось в итоге создать обширное творчество, охватывающее все жанры, помимо потрясающей концертной и гастрольной деятельности пианиста, - одна из непостижимых особенностей его жизни, которую определяла железная трудовая этика. За свою насыщенную событиями жизнь он создал более десятка опер, шесть симфоний, ораторию и балет, около 200 песен, бесчисленное количество сольных и концертно-оркестровых фортепианных сочинений, а также камерную музыку для различных составов с фортепиано и без него. А еще он сочинил десять струнных квартетов, два из которых теперь изданы на cpo. Квартет Рейнхольда, состоящий из музыкантов оркестра Лейпцигского Гевандхауса, создал их во время своей жизни в Лейпциге и мощно интерпретировал. Два произведения 1 и 3 из op. 47, оба в минорном ключе, с одной стороны, тонко связаны мотивно, а с другой - мыслимо по-разному оформлены. Особенно яркие триольные мотивы, оживающие в побочных партиях, изысканные трансформации мотивов, всплески фортиссимо с ярко выраженной оркестровой звучностью - таковы характерные черты квартетного стиля Рубинштейна, в котором яркое завершение 1-го квартета все же затмевается гигантским, виртуозным, гармонически и формально смелым завершением 3-го квартета.

Информация о продукте

Мощные квартеты Антона Рубинштейна

Как Антону Рубинштейну удалось в конце концов создать обширную коллекцию, охватывающую все жанры, и при этом совершить головокружительные концертные и гастрольные туры в качестве пианиста - это то, что относится к числу непостижимых моментов его жизни, отмеченной неутомимым трудовым подвигом. За свою насыщенную жизнь он создал более десятка опер, шесть симфоний, ораторию, балет, около двухсот песен, бесчисленные произведения для фортепиано соло, для фортепиано в концертном стиле и с оркестровым сопровождением, камерную музыку для различных составов с фортепиано и без него. Кроме того, он написал десять струнных квартетов, два из которых сейчас издаются на cpo. Рубинштейн написал эти произведения во время своей жизни в Лейпциге, и квартет Рейнхольда, участники которого являются музыкантами оркестра Гевандхауса в Лейпциге, предлагает их мощную интерпретацию. Два квартета №№ 1 и 3 в минорных тонах из op. 47, с одной стороны, тонко связаны между собой мотивно, а с другой - очень сильно отличаются по замыслу. Особенно яркие триольные мотивы, оживляющиеся во второстепенных сегментах, изысканные мотивные трансформации, фортиссимо всплески абсолютно оркестровой мощи - все это характерные черты квартетного стиля Рубинштейна. А что может превзойти впечатляющее завершение первого квартета? Гигантское, виртуозное, гармонически и формально более смелое завершение третьего квартета, вот что!

Отзывы

klassik-heute.com 10/2020: "Изысканные образцы музыки в классическом духе Феликса Мендельсона-Бартольди. Квартету Рейнхольда, состоящему из музыкантов Лейпцигского оркестра Гевандхауса, удается сделать очень красиво звучащую запись, которая придает этим привлекательным произведениям нужное напряжение, не наделяя их искусственно "русской душой".интонация и взаимодействие в этих технически сложных квартетах безупречны, что доставляет удовольствие при знакомстве с этим незнакомым репертуаром. Запись отличается и цветом, и прозрачностью, а завершает ее прекрасное вступление к произведениям"

Торжественные натуральные концерты для трубы

Помимо классических и открытых концертов для трубы Йозефа Гайдна и Иоганна Непомука Гуммеля, в музыкальную эпоху, называемую сегодня "классической", существовали и другие сольные концерты для трубы. Однако эти концерты были написаны еще не для клавишной, а для бесклавишной натуральной трубы - инструмента, на котором игрок в принципе может исполнять только ноты натурального тонального ряда. Венгерский трубач Криштьян Ковац интерпретирует концерты Иоганна Матиаса Шпергера, Иоганна Стамица и других на барочной трубе с 4 отверстиями в сопровождении ансамбля L'arpa festante. Праздничные концерты для трубы, в которых литавры выразительно усиливают tutti оркестра. Эта запись призвана привлечь внимание к искусству игры на кларнете, которое давно забыто. Необходимым условием для этого является игра на оригинальных инструментах, позволяющих очень близко подойти к звуковому замыслу композитора. По сравнению с современными вентильными инструментами натуральная труба эпохи барокко имеет гораздо более длинный корпус, что обусловливает богатый обертонами звуковой спектр. Записанный здесь репертуар в свое время исполнялся весьма привилегированными и специализированными трубачами, чье мастерство позволяло им имитировать артикуляцию и легкость человеческого голоса в регистре кларино.

Информация о продукте

Праздничные концерты для трубы с натуральными инструментами

Наряду с признанными классиками концертной литературы для трубы Йозефом Гайдном и Иоганном Непомуком Гуммелем в музыкальную эпоху, известную сегодня как "классицизм", были написаны и другие сольные концерты для трубы. Эти концерты были написаны не для трубы с клапанами, а для натуральной трубы без клапанов - инструмента, на котором исполнитель в принципе может воспроизводить только тоны натурального гармонического ряда. Венгерский трубач Криштьян Ковац, играющий на четырехдырочной барочной трубе в сопровождении богатого нюансами ансамбля L'arpa festante, интерпретирует праздничные концерты для трубы Иоганна Матиаса Шпергера, Иоганна Стамица и других, в которых литавры выразительно усиливают tutti оркестра. Цель настоящей записи - привлечь внимание к давно забытому искусству игры на кларнете. Использование оригинальных инструментов, позволяющих приблизиться к музыкальному замыслу композитора, является здесь весьма существенным условием. Корпус натуральной трубы эпохи барокко гораздо длиннее, чем у современных вентильных инструментов, поэтому в результате получается богатый обертонами звуковой спектр. Записанный здесь репертуар в свое время исполняли лишь несколько самых привилегированных и специализированных трубачей, чье мастерство позволяло им имитировать артикуляцию и легкость человеческого голоса в регистре кларино.

Рецензии

Toccata 09/2020: "Ковац считает Концерт ми-бемоль мажор некоего Иоганна Отто одним из самых сложных в трубной литературе эпохи барокко и классицизма. Его игра технически впечатляет: поразительно, как он справляется с трудностями и заставляет сольные партии звучать так, что кажется, будто он делает это с легкостью.стилистически его интерпретация также абсолютно убедительна, а ансамбль l'arpa festante находится на том же высоком уровне. С любой точки зрения, этот диск - один из самых интересных и важных, появившихся на рынке в последнее время"

Заключение издания Видора

Шарль-Мари Видор - это имя является олицетворением французской органной музыки XIX века. Выдающийся органный мастер Кавайе-Колл взял его в ученики, а также рекомендовал на должность титулярного органиста Сен-Сюльпис. Видор быстро заявил о себе и как композитор, а его 10 симфоний для органа соло до сих пор считаются non plus ultra виртуозной французской школы. Кристиан Шмитт, вероятно, самый выдающийся немецкий органист молодого поколения, уже тогда был подходящим интерпретатором первых четырех органных симфоний Видора. А до сих пор отсутствующие симфонии Шмитт исполняет на органе церкви аббатства Сент-Уан, построенном Аристидом Кавайе-Коллем в 1888-1890 годах. "Une orgue à Michel-Ange" - так, по преданию, сказал об этом инструменте Шарль-Мари Видор. Аллюзия на художника-универсала Микеланджело вполне может означать, что Видор считал этот инструмент столь же универсальным, сколь и совершенным. Орган Сен-Уана - один из последних инструментов, построенных Кавайе-Коллем, он даже сохранился без изменений и поэтому имеет большое историческое значение. И это замечательно, что мы можем услышать эту музыку и орган в захватывающем объемном звучании. Формально мало что меняется в пятой и шестой симфониях. Обе они по-прежнему состоят из пяти частей и лишь местами адаптируются к "классическим" оркестровым симфоническим форматам. Богатая палитра звуков органа, достигающая кульминации в величественном tutti, играет более весомую роль, чем в оркестре. Видор, кажется, поставил в центр своих органных симфоний представление его бесконечно сочетаемых звуков в контексте самых разнообразных форм. Совсем другой Видор выступает в поздних органных симфониях. Альберт Швейцер назвал их (1906) "переходными произведениями". Они органные и в то же время смело оркестровые по замыслу. В то же время в них все сильнее проявляется аскетизм, который Видор затем возвращает к сакральному искусству в двух последних симфониях [№ 9 и № 10]" Швейцер, протестант, имел в виду окончательное возвращение Видора к литургическим источникам, особенно к григорианскому пению.

Информация о продукте

Заключение об издании Видора

Шарль-Мари Видор - это имя олицетворяет французскую органную музыку XIX века. Прославленный органный мастер Кавайе-Колл способствовал карьере Видора, когда тот был еще студентом, и рекомендовал его на должность титулярного органиста в Сен-Сюльпис. Видор быстро приобрел известность как композитор, а его десять симфоний для органа соло и сегодня считаются non plus ultra виртуозной французской школы. Выпуск Кристианом Шмиттом первых четырех органных симфоний Видора сразу же продемонстрировал, что этот музыкант, считающийся самым выдающимся немецким органистом молодого поколения, является их конгениальным интерпретатором. Теперь Шмитт интерпретирует остальные шесть симфоний на органе церкви аббатства Сент-Уэн, построенном Кавайе-Коллем в 1888-1890 гг. Говорят, что Видор назвал этот инструмент "Une orgue à Michel-Ange" - отсылка к художнику-универсалу Микеланджело, которую можно интерпретировать так, что для него этот орган был столь же многогранным и совершенным. Орган St-Ouen был одним из последних инструментов, созданных Кавайе-Коллем. Поскольку он сохранился без изменений, он имеет большое историческое значение. А возможность услышать эту музыку и орган в эффектном объемном звучании делает прослушивание великолепным. В формальном отношении в пятой и шестой симфониях меняется не так много. Обе они по-прежнему состоят из пяти частей и лишь в некоторых пассажах адаптируются к "классическим" оркестровым симфоническим форматам. Богатая звуковая палитра органа, приводящая к величественному tutti, играет более важную роль, чем в оркестре. В своих органных симфониях Видор, по-видимому, придает главное значение представлению бесконечно сочетаемых тонов органа в контексте самых разных форм. Другой Видор говорит с нами в своих поздних органных симфониях. Альберт Швейцер назвал их (1906) "переходными произведениями". Они предназначены для органа и в то же время смело оркестровы по своему замыслу. Но в то же время на первый план все больше выходит аскетический элемент, тот самый аскетический элемент, который затем в двух последних симфониях [№ 9 и 10] вернул Видора к сакральному искусству" Здесь протестант Швейцер имел в виду окончательное возвращение католика Видора к литургическим источникам, в частности, к григорианскому пению.

Отзывы

klassik.com 03/2019: "Цикл Видора на века. Те, кто слушает три гибридных SACD с открытым сердцем, будут снова и снова ошеломлены, особенно в режиме объемного звучания, звуковым богатством, которое звучит"

klassik-heute.com 02/2019: "Слушая три компакт-диска этой второй части всех органных симфоний Шарля-Мари Видора на лейбле cpo, не перестаешь удивляться тому, как композитор постоянно придумывает новые и удивительные мелодии, ритмы, композиционные приемы, смешения тональных красок, настроения и оттенки.а если у вас мощная стереосистема с усилителем баса, то включите ее на полную мощность - когда соседи далеко. Тогда возникает звуковой шторм, который просто захлестывает. То, что звукорежиссер может передать этот звуковой шторм так, что структурирует помещение, делает его третьим героем этой серии дисков"

Грациозная мандолина II

После "Mandolino e Violino in Italia" вышел "Mandolino e Fortepiano" с успешной мандолинисткой Анной Торге, которая очаровывает прежде всего своей удивительно кантабильной, тонко артикулированной, мелодически и гармонически осознанной игрой, что крайне редко встречается на щипковых инструментах" (Neue Musikzeitung 05 / 2018). В подборке произведений, представленных на новом диске, звучит четырехаккордная мандолина. Изящное и чуткое звучание инструмента создавали струны с кишечной, медной и серебряной обмоткой, по которым ударяли пером или плектром из коры. в 1804 году Иоганн Непомук Гуммель написал торжественную и изящную Большую сонату, которая сегодня может считаться последним великим произведением так называемого классического расцвета мандолины. Соната Габриэле Леоне перенесет слушателей в звуковой мир галантно-чувственной эпохи и продемонстрирует высокоразвитое искусство игры того времени. Связи европейских аристократических домов привели к распространению и популярности мандолины во всех странах континента. Так, в Национальной библиотеке в Лиссабоне хранятся несколько сонат для мандолины и фортепиано португальского композитора Порту Фелициану. А молодой Бетховен, очарованный красотой и изяществом игры на мандолине графини Йозефины Клари-Альдринген, также написал восхитительные произведения для мандолины и клавишного инструмента.

Информация о продукте

Мандолина Шарм II

Вслед за Mandolino e Violino in Italia мы выпускаем Mandolino e Fortepiano с признанной мандолиной-виртуозом Анной Торге, которая "вызывает восхищение прежде всего своей удивительно кантабильной, тончайше артикулированной, мелодически и гармонически интеллектуальной игрой, что крайне редко встречается на щипковых инструментах" (Neue Musikzeitung 5 / 2018). Для исполнения произведений, представленных на этом диске, используется мандолина с четырьмя курсами. Изящное и чувствительное звучание инструмента создавалось с помощью кишечных, медных и посеребренных струн, которые перебирались пером или плектром из коры. В 1804 году Иоганн Непомук Гуммель написал торжественную и изящную Большую сонату, которая сегодня может считаться последним большим произведением того периода, который называют классическим зенитом мандолины. Соната в исполнении Габриэле Леоне перенесет слушателей в звуковой мир стиля galant sensitive и продемонстрирует высокоразвитое исполнительское мастерство этого периода. Связь мандолины с сетью знатных европейских семей привела к ее распространению и популярности во всех странах континента. Например, в Национальной библиотеке Лиссабона хранятся сонаты для мандолины и фортепиано португальского композитора Порту Фелициану. Даже молодой Бетховен, привлеченный красотой и чарующей игрой на мандолине графини Йозефины Клари-Альдринген, написал восхитительные произведения для мандолины и клавира.

Отзывы

klassik-heute.de 12/2018: "Торге и Хамбицер преподносят богатую пищу с исключительным вкусом, формируя музыку с большим духом, великолепной игрой и очень естественной, никогда не искусственной музыкальностью.современный рояль, вероятно, сплющил бы этот нежный щипковый инструмент, который может предложить гораздо больше, чем народное гудение, к которому его часто сводят. Самым большим сюрпризом на этом диске являются произведения Бетховена, который - слушайте и удивляйтесь - также писал для этой комбинации. В последнем случае ценитель слушает с благоговением - и убеждается"

Reger & Weinberger Vol. 5

Наше успешное издание Регера наконец-то может быть продолжено, и критики по-прежнему более чем восторженно отзываются о предыдущих выпусках, а журнал Musik & Theater даже утверждает: "Эти записи - одни из лучших на сегодняшний день в области органной музыки Регера" И вот пятый том снова с двумя SACD в лучшем объемном звучании. В центре внимания - пьесы из его монологов op. 63, op. 65 и op. 57. Двенадцать пьес op. 65, написанные в 1902 году, принадлежат к сборникам с небольшими органными сочинениями Регера. В отличие от крупных репрезентативных органных сочинений, "пьесы", не обладающие значительным обаянием, предназначены для использования в церковных службах, по крайней мере, частично, но прежде всего для менее опытных органистов, что, однако, не должно служить основанием для недооценки их сложности. Пьеса № 7 (Прелюдия), например, - одна из слишком малоизвестных жемчужин огромного творчества Регера. Короткая, динамически совершенно сдержанная B-часть - это пленительное по красоте хоральное движение, которое также завершает прелюдию с альтернативной гармонизацией и в fff.

Информация о продукте

Регер и Вайнбергер Том 5

Наше успешное издание Регера продолжается в этом месяце, в то время как критики еще не перестали восторгаться предыдущими релизами этой серии. Журнал Musik & Theater даже высказал мнение: "Эти записи - одни из лучших на сегодняшний день среди релизов органной музыки Регера" Том 5 вновь содержит два SACD-диска, предлагающих самое лучшее объемное звучание. В центре внимания - пьесы из "Монологов" Регера op. 63, op. 65 и op. 67. Двенадцать пьес op. 65 стоят в ряду его антологий, состоящих из более коротких органных произведений. В отличие от крупных полнометражных органных сочинений, эти "пьесы", не лишенные значительной привлекательности, хотя бы в некоторых частях предназначались для использования в религиозных службах и прежде всего для органистов с более скромными навыками, что не означает недооценки их только из-за степени сложности. Например, Пьеса № 7 (Прелюдия) стоит в ряду слишком малоизвестных жемчужин в огромном творчестве Регера. Короткая, динамически полностью приглушенная партия В представляет собой хоровую фактуру пленительной красоты, а завершается Прелюдия альтернативной гармонизацией и в fff.

Отзывы

klassik-heute.com 09/2018: "Нет необходимости много говорить об органичности интерпретатора. Вайнбергер играет с опытом и знанием зрелого исполнителя и заставляет музыку Регера сиять без экстравагантности, но с блестящим чувством жеста и выразительности этой музыки. Вывод: единственная запись, с которой стоит познакомиться, несмотря на то, что на рынке уже есть несколько полных записей"

kulturradio.de 09/2018: "Для знатоков Регера, а также для новичков этот двойной диск предлагает прекрасное знакомство с его разнообразным творчеством для органа"

Чистый восторг: полные симфонии Шпора в объемном звучании теперь в доступном бокс-сете

Вряд ли кто-либо из композиторов инструментальной музыки, кроме Бетховена, получил в первой половине XIX века столько внимания и признания, как Луи Шпор. После смерти Бетховена в марте 1827 года широкие круги европейской музыкальной общественности считали его величайшим из ныне живущих композиторов. "Кто еще теперь будет писать симфонии?" - риторически вопрошал в 1828 году видный музыкальный критик Фридрих Рохлиц: Шпор должен был продолжить начатое Бетховеном. Уже в то время симфонии Шпора можно было воспринимать как абсолютную противоположность бетховенской симфонии: Если в симфониях Бетховена господствует гениальный произвол, то в симфониях Шпора - классическая упорядоченность. Как бы то ни было, Шпор занимал важное место в концертной жизни своего времени и поэтому заслуживает переоценки. Говард Гриффитс записал полное собрание симфонических сочинений Шпора с Радиофилармонией НДР для cpo, используя новое критическое издание. То, что при этом состоялась мировая премьера 10-й симфонии, которую Шпор изъял из обращения, - замечательный побочный эффект! "Один из самых важных проектов лейбла cpo", - писал klassik-heute. com после выхода 4-го тома нашего издания всех симфоний Шпора, которое получило высокую оценку и по другим параметрам.

Информация о продукте

Совершенно захватывающее - Полное собрание симфоний Шпора в объемном звучании теперь доступно по специальной цене в бокс-сете

В первой половине XIX века Луи Шпор как композитор инструментальной музыки уступал по степени внимания и признания только Бетховену. После смерти Бетховена в 1827 году он рассматривался широкими слоями музыкальной общественности как величайший из ныне живущих композиторов. В 1828 году ведущий музыкальный критик Фридрих Рохлиц риторически вопрошал: "Кто еще должен теперь писать симфонии?" Шпор должен был продолжить начатое Бетховеном. Однако уже тогда симфоническая музыка Шпора была признана абсолютной противоположностью типу бетховенской симфонии. Если в творчестве Бетховена господствует гениальная музыкальная вольность, то у Шпора - классический порядок. Но неважно - он был ведущей фигурой в концертном мире своего времени и потому заслуживает новой оценки. Говард Гриффитс записал полное симфоническое творчество Шпора для cpo с Филармоническим оркестром Радио NDR на основе нового критического издания партитур. После того как Шпор снял с производства Симфонию № 10, здесь она наконец-то получила прекрасную мировую премьеру! После выхода 4-го тома нашего общепризнанного полного издания его симфоний klassik-heute. com написал: "Один из самых значительных проектов лейбла cpo!"

Рецензии

klassik.com 09/11: "Запись звучит очень естественно и может раскрыть все свое великолепие, особенно в формате SACD"

FonoForum 10/11: "Запись сыграна с большим темпом, энергичной артикуляцией и приятным шероховатым звуком, заставляющим вспомнить об оригинальном дробном звучании."

klassik-heute.com 09/08: "Эта тщательность здесь вновь оказалась уместной, поскольку, очевидно, к тонкому богатству нюансов и "бидермайеровскому" драматизму его Второй симфонии (1820) или филигранным переливам так называемой "английской" Восьмой 1847 года нужно относиться как к превосходному вину: Не пригубить, а дать ему подышать, чтобы ароматы раскрылись и заполнили пространство. Тогда лучшие вещи Луи Шпора - большая часть его концертов, во многом изысканная камерная музыка и симфонии - будут не только приятными, но и очень вкусными"

klassik-heute.com 12/07: "Серия начинается с Третьей симфонии - серьезного, весомого произведения, плотно выстроенного и мелодически восхитительного, которое совершенно захватывающе слушать в новой записи под управлением разностороннего англичанина Говарда Гриффитса"

Kurier am Sonntag (Австрия) 12/07: "Прекрасное, очень хорошо реализованное начало полной записи"

Münsterländische Volkszeitung 12/07: "Самая первая запись последней, десятой симфонии Шпора. Хриплое, почти ломкое старинное произведение в ми-бемоль мажоре, очень концентрированное и остроумное, полное неожиданных поворотов, но без малейшей тенденции к потворству. Как будто композитор хотел показать, как бы продолжалась симфония после Моцарта и Гайдна, если бы Бетховен так бессовестно все не перемешал..."

klassik-heute.com 10/2013: "Один из самых важных проектов оснабрюкского лейбла cpo. Особенно четвертая симфония "Die Weihe der Töne" превосходит по своей ощутимой программности Бетховена и даже Берлиоза и, таким образом, указывает прямо вперед на Листа, Вагнера и Штрауса.но прежде всего Шпор реализовал в Четвертой симфонии свои собственные модели идей и формы, которые сегодня кажутся захватывающе современными и которым следует уделять гораздо больше внимания в контексте романтизма. Поэтому очень удачно, что эти шедевры во всех отношениях образцово представлены в издании cpo. Кроме того, замечательно ярко изображен оркестр"

klassik.com 10/2013: "Восхитительная запись"

Pizzicato. lu 12/2013: "Это объемное издание очень хорошо сделано. В нем представлены три великолепно сыгранных произведения. Прозрачная, красочная и энергичная игра Радиофилармонии НДР - именно то, что нужно этой музыке для оптимального воздействия на слух"

klassik-heute.com: "Действительно, симфонии №№ 7 и 9 - одни из самых интересных и сложных творений Майстера Шпора. В звуковом отношении звукорежиссеры NDR проделали отличную работу, что является выдающимся достижением, особенно в сложной многослойной оркестровке Седьмой симфонии.вступительный текст также безупречен и содержит массу полезной информации - неудивительно, ведь он вновь написан Бертом Хагельсом, редактором издания партитуры, которое теперь, надеюсь, будет исполняться во многих местах"

Ларс Ульрик Мортенсен и Месса си минор Баха Впечатляющая прозрачность сольного хора

Ведущий скандинавский ансамбль, культивирующий историческую исполнительскую практику
Concerto Copenhagen под руководством Ларса Ульрика Мортенсена сегодня считается одним из самых ярких и изобретательных оркестров в своей области, чья жизненная сила, чувство стиля и способность к общению стали безошибочной визитной карточкой. Поэтому мы решили выпустить Мессу си минор Баха на двух SACD-дисках (да еще и в высококачественном объемном звучании!) с этим выдающимся коллективом и высококлассными солистами. Месса си минор считается одной из самых высоких вершин в истории музыки. В данной записи размер оркестра соответствует тому составу, который был в распоряжении Баха, и настроен в более низком концертном тоне, который был распространен в то время. Однако использование сольных партий в большинстве хоральных частей является спорным. Это связано с различными, крайне противоречивыми теориями, начало которым положил в 1981 году американский дирижер и музыковед Джошуа Рифкин, считающий, что большинство хоровых произведений Баха предназначалось для сольных голосов. Клавесинист и дирижер Ларс Ульрик Мортенсен описывает эту идею как новый способ мышления, который "медленно, но верно меняет всю нашу концепцию тональной вселенной Баха и является, на мой взгляд, одним из наиболее важных современных открытий в исторической исполнительской практике". Он продолжает: "По сравнению с более традиционными, большими ансамблями, отношения между певцами и исполнителями полностью меняются, что неизбежно делает музыку гораздо более легкой и прозрачной. Певческие голоса "индивидуализируются", возникает более выраженный контраст между "индивидуальным" и "групповым", что вообще является чрезвычайно важным архитектоническим аспектом в вокальной музыке Баха. Это делает возможным и необходимым прояснение бесчисленных деталей, которые в противном случае были бы утеряны". Соответственно, в хоральных партиях солисты были усилены только одним певцом-рипиено. Слышимость и прозрачность просто захватывает дух!

Информация о продукте

Ларс Ульрик Мортенсен и Месса си минор Баха

Впечатляющая прозрачность с хором солистов
Concerto Copenhagen, ведущий скандинавский коллектив в области исторической исполнительской практики, под руководством художественного руководителя Ларса Ульрика Мортенсена сегодня считается одним из самых ярких и изобретательных оркестров в этой области. Жизнерадостность, чувство стиля и коммуникативный талант оркестра стали его визитной карточкой. В связи с этим мы решили выпустить Мессу си минор Баха на двух SACDS (к тому же в качественном объемном звучании) с участием этого выдающегося коллектива и высококлассных солистов. Месса си минор считается одним из выдающихся достижений истории музыки. В данной записи инструментальные размеры оркестра соответствуют размерам ансамбля самого Баха; здесь также используется привычный для его времени более низкий концертный шаг, являющийся эталоном настройки. Однако использование сольных голосов в большинстве хоровых номеров является спорным. Этот конфликт восходит к крайне спорным теориям, выдвинутым в 1981 году американским дирижером и музыковедом Джошуа Рифкиным, который считал, что большинство хоровых произведений Баха предназначалось для сольных голосов. Клавесинист и дирижер Ларс Ульрик Мортенсен называет эту идею новым подходом, который "медленно, но верно меняет все наши представления о тональной вселенной Баха и, на мой взгляд, относится к числу наиболее важных современных открытий в исторической исполнительской практике" Он продолжает следующим образом: "По сравнению с более традиционными, большими ансамблями, соотношение между вокалистами и инструменталистами полностью меняется, так что музыка обязательно становится гораздо более легкой и прозрачной. Вокальные партии "индивидуализируются", возникает более выраженный контраст между "индивидуальным" и "групповым", что вообще является чрезвычайно важным архитектоническим аспектом в вокальной музыке Баха. Поэтому становится возможным и необходимым высветить бесчисленные детали, которые в противном случае были бы утеряны" Соответственно, в хоровых номерах солисты в каждом случае усилены одним певцом-рипиено. Глубина и прозрачность звука поражают воображение!

Отзывы

klassik.com 12/2015: "Месса си минор Баха с Копенгагенским концертом: действительно удачная, живая заявка на размышления Рифкина о баховском хоре, конкретизированная Парротом. В то же время впечатляющее художественное и вокальное исполнение.в таком "полном" инструментарии результат звучит необычайно легко, структурно ясно, он обладает почти обескураживающей интенсивностью, если полностью погрузиться в густую сеть средних и нижних голосов. Это часто кажется мерцающе виртуозным, хотя и мотивированным удивительно интенсивной, точно не хоровой интерпретацией текста. Звуковой образ ясный, некоторого, безусловно, очень хорошо контролируемого размера, к тому же богатый яркими деталями"

Музыкальные драгоценности XV века

Stimmwerck уже получил высшую оценку от klassik-heute. de за компакт-диск cpo с "Немецкими церковными песнями". Исполнители проявили себя как "первоклассные интерпретаторы". Отличное понимание текста дополняется тонким музыкальным оформлением содержания" В очередной раз оживленный мюнхенский вокальный квартет Stimmwerck отправился в путь по интересным и малопроторенным тропам европейской музыкальной истории. Запись позднесредневековых мотетов и песен Брассарта, Мартини, Руле и Анонима из различных рукописных источников представляет собой обширный срез ранней вокальной музыки, в котором уникальным образом ощущается как жизнерадостность, так и глубокое благочестие той эпохи. Редко когда архаическое вокальное искусство было столь трогательным. Эти произведения были записаны в рамках научно-исследовательского проекта "Музыкальная жизнь позднего Средневековья в регионе Австрия (ок. 1340 - ок. 1520 гг.)" и позволяют музыкально прочувствовать эпоху, когда Габсбурги стали мировой державой, а Вена - городом музыки.

Информация о продукте

Музыкальные жемчужины XV века

За компакт-диск Deutsche Kirchenlieder cpo компания Stimmwerck также получила высшую награду от журнала klassik-heute. Исполнители проявили себя как "первоклассные интерпретаторы". Выдающаяся текстовая разборчивость дополняется нюансным музыкальным оформлением содержания" И вновь Stimmwerck, удивительно изобретательный мюнхенский вокальный квартет, отправляется в путь по захватывающим и неизведанным тропам европейской музыкальной истории. Представленная запись, включающая позднесредневековые мотеты и песни Брассарта, Мартини, Рулле и анонимных композиторов из различных рукописных источников, дает глубокий срез ранней вокальной музыки, в которой уникальным образом ощущаются радость жизни и глубокое благочестие той эпохи. Архаичное вокальное искусство редко бывает столь трогательным. Эти произведения, записанные в рамках музыковедческого проекта "Musikleben des Spätmittelalters in der Region Österreich (ca. 1340-ca. 1520)", посвященного позднесредневековой музыке, зафиксированной в австрийской сфере влияния, дают нам возможность прочувствовать в музыке ту эпоху, когда Габсбурги стали мировой державой, а Вена - столицей музыкального мира.

Отзывы

klassik.com 09/2015: "В итоге получился интересный научный труд с приятной музыкально-интерпретационной отдачей. Движениям стоит пожелать закрепления в репертуаре, хотя нет уверенности, что это действительно произойдет за пределами данного диска"

Информация о продукте:

Видор Симфонии для органа соло op. 13

Шарль-Мари Видор - это имя является олицетворением французской органной музыки XIX века. Выдающийся органный мастер Кавайе-Колл взял его в ученики, а также рекомендовал на должность титулярного органиста Сен-Сюльпис. Видор быстро заявил о себе как композитор, а его 10 симфоний для органа соло до сих пор считаются non plus ultra виртуозной французской школы. Исполнителем первых, недавно записанных симфоний для органа соло вновь стал Кристиан Шмитт, пожалуй, самый выдающийся немецкий органист молодого поколения. Его запись симфоний для органа ор. 42, 3 и 69 была удостоена премии ECHO Klassik 2013. Симфонии op. 13 он исполняет на органе церкви аббатства Сент-Уэн, построенном Аристидом Кавайе-Коллем в 1888-1890 годах. Шарль-Мари Видор, по преданию, сказал, что этот инструмент - "орган Мишеля-Анжа". Аллюзия на художника-универсала Микеланджело вполне может означать, что Видор считал этот инструмент столь же универсальным, сколь и совершенным. Орган Сен-Уана - один из последних инструментов, построенных Кавайе-Коллем, он даже сохранился без изменений и поэтому имеет большое историческое значение. И это замечательно, что мы можем услышать эту музыку и орган в захватывающем объемном звучании.

Информация о продукте

Симфонии Видора для органа соло op. 13

Шарль-Мари Видор - это имя является синонимом французской органной музыки XIX века. Ведущий органный мастер Аристид Кавайе-Колл взял Видора под свое крыло еще в школьные годы и впоследствии рекомендовал его на должность титулярного органиста Сен-Сюльпис. Видор быстро заявил о себе и как композитор, а его десять симфоний для органа соло и сегодня считаются non plus ultra виртуозной французской школы. Кристиан Шмитт, безусловно, самый выдающийся немецкий органист молодого поколения, вновь выступает в качестве исполнителя нашего первого, только что записанного сольного опуса Органных симфоний. Его запись органных симфоний op. 42, 3 и 69 была удостоена премии ECHO Klassik в 2013 году. Симфонии op. 13 он исполняет на органе церкви аббатства Сент-Уэн, построенном Кавайе-Коллем в 1888-1890 годах. Шарль-Мари Видор, по преданию, назвал этот инструмент "органом Мишеля-Анжа" Ссылку Видора на художника-универсала Микеланджело следует понимать так, что он считал этот инструмент столь же многогранным, сколь и совершенным. Орган Сен-Уан был одним из последних инструментов, построенных Кавайе-Коллем, и даже сохранился без изменений, что придает ему большое историческое значение. К тому же он просто великолепен

Отзывы

BR 12/2014: "То, что Кристиан Шмитт извлекает из шедевра Кавайе-Колла здесь, между поэзией и безудержной, захватывающей мощью игры и красочными валерами, но при этом "трубит", колеблется между нежно-таинственной медитацией и удивительно величественно-виртуозным звуковым великолепием, и это захватывает дух!"

Информация о продукте:

Северогерманское органное барокко XIII

Помимо небольших полных органных произведений Давида Абеля, Иоганна Бэра, Якоба Бёльше, Петруса Хассе I и II, Вильгельма Каргеса, Иеронима Праэториуса III, Андреаса Веркмайстера и Мельхиора Вольтмана, 13-й том нашего издания органных произведений северогерманского барокко посвящен прежде всего полным органным произведениям Михаэля Праэториуса, который был исключительной фигурой среди немецких музыкантов на рубеже от позднего Возрождения к раннему барокко. Он был не только органным композитором выдающегося уровня, но и музыкальным консультантом и организатором, автором литургической музыки, отличающейся широтой выражения по форме и содержанию, а также достиг общерегионального значения как автор музыкальных трудов, которые актуальны и сегодня, и должен рассматриваться как первый действительно профессиональный немецкий музыковед. Эти немногие сохранившиеся органные сочинения позволяют считать М.П. одним из великих мастеров немецкого органного искусства, еще до эпохи влияния голландской клавирной музыки, например, Яна Питерсзона Свелинка, и новых музыкальных форм так называемой "seconda pratica" Монтеверди и многих других итальянских композиторов. Впоследствии они оказали значительное влияние на музыку MPC. Фридхельм Фламме использует эту интересную программу для портрета органа Кристофа Треутмана (1734-37) из монастырской церкви Святого Георгия в Граухофе близ Гослара.

Информация о продукте

Северогерманское органное барокко Том 13

Наряду с небольшими полными органными сочинениями Давида Абеля, Иоганна Бэра, Якоба Бёльше, Петруса Хассе I и II, Вильгельма Каргеса, Иеронима Праэториуса III, Андреаса Веркмайстера и Мельхиора Вольтмана, 13-й том нашего полного собрания органных сочинений северогерманского барокко посвящен прежде всего полному органному творчеству Михаэля Праэториуса (MPC), который был исключительной фигурой среди немецких музыкантов в период перехода от позднего Ренессанса к раннему барокко. Он был не только выдающимся органным композитором, но и выдающимся музыкальным консультантом и организатором, а также сочинителем литургической музыки, отличающейся большой выразительностью формы и содержания. Кроме того, он был широко известен как музыкальный писатель, значительный вклад которого в эту область ощущается и сегодня, и считается первым по-настоящему профессиональным немецким музыковедом. Немногочисленные сохранившиеся органные сочинения М.П. подтверждают его статус одного из величайших мастеров немецкого органного искусства, еще до эпохи влияния голландской клавирной музыки, например, Яна Питерсзона Свелинка, и новых музыкальных форм так называемой seconda pratica Монтеверди и многих других итальянских композиторов. Впоследствии эти композиторы окажут явное влияние на музыкальное творчество MPC. Фридхельм Фламме использует эту интересную программу для представления портрета органа Кристофа Треутманна (1734-37 гг.) в монастырской церкви Святого Георгия в Граухофе, близ Гослара.

Отзывы

klassik.com 12/2014: "Фридхельм Фламме убедительно играет на восхитительном органе. Именно три большие хоральные фантазии показывают, насколько властно Праэториус владел формой и содержанием: в разросшемся богатстве вариаций композитор создает сложное движение, богатое изяществом, черпая из пышного фонда XVI века, снова и снова встраивая новые элементы.органист Фридхельм Фламме движется по этой программной местности, характерной для серии, с сомнамбулической уверенностью: мануал и педаль у него безупречны, он разворачивает музыку технически идеально и непринужденно, даже в быстрых прогонах он кажется не напряженным.чтобы добиться такого успеха, нужно обладать глубоким пониманием и большим мастерством. Звучание также очень приятное. Из и без того высокого уровня серии органной музыки северогерманского барокко этот особенно удачный комплект, кажется, выделяется еще больше: программно абсолютно актуальный и великолепно сыгранный на интереснейшем инструменте"
ich-habe-gehoert. blogspot.de 05/2015: "Если вы интересуетесь северогерманской органной музыкой, вы не можете пропустить эту запись

Информация о продукте:

Северогерманское органное барокко XI

В 11-м томе нашего издания органных произведений северогерманского барокко представлены органные сочинения Кристиана Флора, Дитриха Мейера, Иоганна Декера, Маркуса Ольтера, а также все сохранившиеся органные произведения Дельфина Штрунка и его сына Николауса Адама Штрунка. Предположительно, Дельфин Штрунк родился как сын брауншвейгского органиста Иоахима Штрунка, однако об образовании Дельфина Штрунка практически ничего не известно. Помимо органиста, он активно работал как композитор для города Брауншвейга, но, к сожалению, кроме хороших отношений Штрунка с Генрихом Шютцем, о его северогерманских современниках известно мало, однако контакты более чем вероятны. Одним из самых ярких и разносторонних немецких музыкальных деятелей второй половины XVII века был, несомненно, его старший сын Николаус Адам Штрунк, который, благодаря широте своего композиторского творчества и заимствованию форм, испытавших итальянское и южногерманское влияние, внес новые элементы в северогерманскую школу своими 7 каприччио и 2 ричеркаре в "stile classico" или "antico", подобно тому, как это сделал несколькими годами ранее Маттиас Векманн при изучении клавирных сочинений Иоганна Якоба Фробергера.

Информация о продукте

Северное немецкое органное барокко, том XI

В XI томе нашего издания органных сочинений северогерманского барокко представлены полные сохранившиеся органные сочинения Дельфина Штрунка и его сына Николауса Адама Штрунка, а также сочинения Кристиана Флора, Дитриха Мейера, Иоганна Деккера и Маркуса Ольтера. О музыкальном образовании Дельфина Штрунка почти ничего не известно, но считается, что он был сыном брауншвейгского органиста Иоахима Штрунка. Он активно работал как органист, выполнял композиторские обязанности для города Брауншвейга, поддерживал хорошие отношения с Генрихом Шютцем. Вполне вероятно, что он общался и с другими северогерманскими музыкантами того времени, но достоверно об этом почти ничего не известно. Его старший сын Николаус Адам Штрунк был, бесспорно, одной из самых ярких и многогранных немецких музыкальных личностей второй половины XVII века. Широта его композиторского творчества и использование форм итальянского или южногерманского влияния в семи каприччио и двух ричеркарах в стиле классико или антико внесли новые элементы в северогерманскую школу, как это сделал несколькими годами ранее Маттиас Векманн, занимаясь клавирным творчеством Иоганна Якоба Фробергера.

Отзывы

klassik-com 04/2014: "Фридхельм Фламме, конечно же, доказывает свое выдающееся техническое мастерство, свое высоко дифференцированное искусство артикуляции, свое мануальное присутствие и в этой части серии, которая будет издана cpo. Фламме приобрел уникальный опыт и развил его на пути через непростой репертуар. Он обогащает знание северогерманского органного барокко с необычайным упорством. Кроме того, как всегда, здесь можно услышать прекрасные портреты очень интересных органов."