Фирма Melodiya

Информация о продукте

"Я всего лишь простой чешский музыкант", - сказал однажды Антонин Дворжак окружавшим его журналистам. Столь скромная самооценка очень точно характеризует этого гиганта чешской романтической музыки. Будучи с ранних лет оркестровым исполнителем, Дворжак смог изучить индивидуальные особенности всех инструментов оркестра. Он усвоил на практике все характерные черты и интонационные особенности чешской народной музыки, впитал ее мелодику и ритм, познакомился с принципами построения формы и особенностями оркестровки. Простой чешский музыкант" действительно происходил из простого крестьянского сословия, участвовал в народных собраниях и повсеместно знакомился с народными музыкальными традициями. Поскольку он был "простым чешским музыкантом", все его творчество принадлежит его народу и родине, горячо любимой композитором. Родине посвящены многие сочинения Дворака, в том числе оркестровые увертюры "Моя страна", "Среди природы", "Карнавал". Вместе со своим предшественником Бедрихом Сметаной Дворжак воспевал редкую красоту чешской земли.

В 1892 году уже признанный композитор и музыкальный деятель принял приглашение Жанетты Турбер и стал директором Национальной музыкальной консерватории в Нью-Йорке. Три года, проведенные Двораком в США, не прошли бесследно для его музыки. Глубоко погрузившись в новую, незнакомую музыкальную среду, Дворак впитал в себя интонационные и ритмические индивидуальные черты негритянской и индийской музыки. Черты чешской культуры и музыки жителей Америки смогли слиться воедино в его последней, самой значительной симфонии "Из Нового Света". Несмотря на явное влияние других культур, Дворжак утверждал, что его лучшее оркестровое сочинение "остается настоящей чешской музыкой". В одном из своих писем Дворжак писал: "Я стремился передать в своей симфонии характер индейских и негритянских мелодий. Я не взял ни одной из этих мелодий. Я просто написал характерно похожие мелодии, привнеся в них черты индийской музыки, и, используя эти мелодии как свои темы, развил их, применив к ним все достижения современного ритма, гармонии, контрапункта и оркестрового колорита". В этом сочинении с новой энергией проявились тенденции композитора к национальному освобождению, что выразилось в глубоком драматизме произведения.

Девятая симфония Дворака (по собственной нумерации композитора она была Пятой) представляет собой четырехчастный симфонический цикл с медленной второй частью, за которой следует Скерцо. Сонатному Allegro первой части предшествует небольшое декламационное вступление эпического характера, в котором звучат строгие призывы рогов. Главная тема Сонаты Allegro основана на ритмически синкопированной мелодической фигуре, заимствованной из негритянских песен. В дальнейшем она появится в важнейших темах симфонии. Сопоставление сосредоточенно-мрачного вступления с активной главной темой и формирует основной конфликт симфонии - угнетенное положение народа и его стремление к свободе. Лирические черты образа народа присутствуют в двух последующих темах первой части, напоминающих игру на народных дудках.

Вторая часть симфонии первоначально называлась "Легенда", поскольку ее образы были вызваны впечатлениями от знакомства композитора с длинной поэмой Лонгфелло "Hiawatha". Однако многие исследователи музыки Дворака отмечают в музыке этой части чувство тоски по родине. Главная медленная мелодия, изложенная в партии английского рожка, придает звучанию музыки интимность. Третья часть, представляющая собой стремительное Скерцо, также пронизана необычной мелодической и ритмической индивидуальностью. Оно построено на непрерывном чередовании красочных танцевальных мелодий, внутри которых ощущается огромное напряжение и натянутость. Так, Скерцо возвращает слушателя в мир героико-патриотических образов, который во всей полноте раскрывается в победном Финале.

Начальные напористые интонации главной темы Финала создают жизнеутверждающее героическое настроение. Произведение завершается монументальной кодой, объединяющей тематический материал всех четырех частей симфонии. Итог симфонии воспринимается как общий призыв к освобождению угнетенных народов.

Имя знаменитого дирижера Геннадия Рождественского известно всем, но мало кто знаком с творчеством его отца, выдающегося дирижера Николая Аносова. Будучи дирижером по призванию, Аносов не имел возможности получить специальное дирижерское образование. Его карьера на дирижерском подиуме началась довольно случайно, в результате внезапной болезни главного дирижера оркестра. Дебютировал он не с какой-нибудь оркестровой миниатюрой, а с целым оперным спектаклем - "Орфеем" Глюка. Проявив себя как талантливый дирижер, он возглавлял различные оркестры, среди которых были Ростовский-на-Дону симфонический оркестр и Азербайджанский филармонический оркестр. Завершив обучение на композиторском факультете Московской консерватории, где он учился заочно, Аносов был выдвинут на должность главного дирижера Оперной студии Московской консерватории, с помощью которой возродил постановки незаслуженно забытых опер "Кучер на распутье" Евстигнея Фомина и "Сын-соперник" Дмитрия Бортнянского.

Репертуар Аносова отличается широтой охвата и включает большое количество произведений советских композиторов. Множество оперных и оркестровых произведений записано Аносовым на грампластинки. Его интерпретации отличает точное внимание к деталям и скрупулезность, ярким примером чего может служить исполнение дирижером симфонии Дворака "Из Нового Света". Помимо чрезвычайно известного Концерта для виолончели с оркестром Дворак написал также Скрипичный концерт, который представлен здесь в исполнении выдающегося музыканта и замечательного скрипача Давида Ойстраха.

Информация о товаре

Романтическая школа, характерная для европейской духовной среды начала XIX века, первоначально возникла в кругу немецких писателей и философов: Вакенродер, Людвиг Тик, Новалис, братья Шлегели. Будучи подхваченным в разных странах Европы, он одновременно проявился в различных жанрах искусства, но наиболее ярко - в музыке.

Развитие романтизма в музыке формировалось в каждой конкретной стране по-своему, в соответствующих национально-исторических условиях. Однако их объединяла общая тенденция к отражению индивидуального внутреннего мира человеческих эмоций, связанных с социальным положением человека. Трагедия заключалась в том, что общество не понимало и отвергало личное кредо. На первый план в творчестве композиторов-романтиков выдвинулась личная драма художника, ищущего утешения в царстве грез и фантазий.

Миниатюра стала самой необходимой формой в творчестве наиболее ярких представителей романтизма. Вокальное искусство было представлено романсами и песенными циклами Шумана и Шуберта. В наследии Шопена, Шумана, Мендельсона появилось множество фортепианных пьес различных жанров. Своего расцвета достигло оперное искусство, увенчанное театральными постановками Беллини, Верди и Вагнера.

Выдающийся французский композитор Гектор Берлиоз (1803-1869) положил начало традициям симфонического романтизма. Его "Фантастическая симфония", написанная в 1830 году, стала своего рода предвестником музыкального романтизма во Франции. Берлиоз, не стесненный рамками малой формы, смог создать симфоническими средствами настоящий портрет современника.

Создание его имело некоторую предысторию. Из его автобиографических заметок известно, что молодой композитор был одержим любовью к английской драматической актрисе Генриетте Смитсон. Терзаясь безответной любовью и находясь под впечатлением от "Фауста" Гете, Берлиоз написал симфонию в пяти частях с подзаголовком "Из жизни художника". Кроме того, он снабдил свое произведение кратким сюжетом.

Молодой человек мучается от страстной любви и пытается найти хоть какие-то способы утешения. Его преследуют фантастические сны ("Сны (страсти)", часть I). Он пытается забыть свою возлюбленную в танцах ("Бал (Un bal)", часть II), на лоне природы ("Сцена в поле (Scène aux champs)") и, наконец, в бреду (последние части "Марш на эшафот (Marche au supplice)" и "Сон о колдовской субботе (Songe d'une nuit de sabbat)"). Все части пронизаны единой музыкальной темой, характеризующей образ возлюбленной. Она предстает в различных образах - лирических, зазывных и даже гротескно-уродливых.

Существуют знаменитые записи "Фантастической симфонии" под управлением Шарля Мунка или Сергея Кнушевицкого, но в любой интерпретации слушатель найдет что-то совершенно новое, испытает новые эмоции, слушая хорошо знакомые музыкальные темы.

На этом диске представлены записи выдающегося русского дирижера Геннадия Рождественского, чей музыкальный вкус всегда отличался повышенным вниманием к музыкальным новинкам в отечественной и зарубежной творческой жизни.
"Вальпургиева ночь" - одна из самых величественных сцен оперы "Фауст" французского композитора-романтика Шарля Гуно (1818-1893). Со временем она обрела собственную концертную жизнь, заняв прочное место в репертуаре симфонических оркестров мира. Согласно либретто, сцена происходит в поместье Мефистофеля в тот момент, когда он предлагает Фаусту насладиться земными благами. Мефистофель надеется усмирить его мысли о Маргарите. Введение этого танцевального эпизода в оперную партитуру было обусловлено традициями французской "Гранд-оперы".

Великолепные, великолепно оркестрованные танцы "Вальпургиевой ночи" привлекли внимание выдающихся хореографов. И Мариус Петипа (XIX век), и Леонид Лавровский (середина XX века) представили свои оригинальные версии танцев "Вальпургиевой ночи".

Информация о продукте

Традиционный латинский текст заупокойной мессы неоднократно привлекал внимание самых выдающихся композиторов в мировой истории. Кому-то из них удавалось открыть новое содержание строгих богослужебных текстов - так появились такие шедевры, как произведения Моцарта и Верди. Немецкий композитор XVII века Генрих Шутц первым обратился к текстам Священного Писания на родном языке, переведенным Мартином Лютером. Вслед за ним Иоганнес Брамс назвал свой реквием "Немецким". Отрывки, взятые из Ветхого и Нового Заветов и объединенные в композицию, не соответствуют установленному порядку заупокойной мессы. Возможно, "Реквием" Брамса - это некое размышление о казуистичности человеческой жизни и неизбежности физической смерти, выраженное в вокально-симфоническом жанре.

Идея этого сочинения вынашивалась Брамсом в течение десяти лет. Трагическая смерть его близкого друга Роберта Шопена стала некой "отправной точкой" замысла. Кроме того, смерть матери послужила веским основанием для завершения начатого.

Объединенные в композиции тексты Ветхого и Нового Заветов составляют основу семи разнородных частей. Первая и последняя части - "Блаженны скорбящие..." и "Блаженны мертвые..." - органично обрамляют цикл. Размышления о смерти ("Ибо всякая плоть - как трава...") во второй части уравновешиваются идеей воскресения ("Ибо здесь мы не имеем продолжения города...") в шестой. Скорбная третья часть ("Господи, дай мне знать мой конец...") находит свое утешение в пятой. В центральной части Реквиема "Как прекрасны скинии твои" осуществляется постепенный переход от печали и скорби к надежде на жизнь после смерти.

Имя Александра Юрлова было присвоено Государственному академическому хору вскоре после смерти талантливого музыканта и дирижера хора. Его неожиданная смерть произошла в тот момент, когда хор достиг пика своего мастерства. Этим успехом коллектив был обязан своему гениальному руководителю. За те роковые 15 лет, что Александр Юрлов и хор работали вместе (1958-1973 гг.), они снискали славу лучшего союза певцов и дирижера в русской хоровой музыке советского периода. Юрий Ухов, работавший капельмейстером хора с 1964 года, воспитывался и взрослел в самом сердце хора. В то время он был свидетелем блестящего исполнения "Немецкого реквиема" и "Шиксалиды" Брамса. Спустя несколько лет ему представилась возможность исполнить "Реквием" в концерте. Запись из Большого зала Московской консерватории дает яркое представление о звучной хоровой манере пения, состоявшей из мягкого тембра женского хора, серебристого звона теноров и мощных басов. Последние особенно ценились в нашей стране за свою неповторимость и обаяние. (melody. su)

Информация о товаре

Князь Игорь и полное издание 1890 года

Александр Бородин (1833-1887) был химиком по профессии и имел международную известность как ученый. Он написал всего несколько произведений. Однако, помимо единственной оперы "Князь Игорь", к ним относятся такие известные произведения репертуара, как "Из степей Средней Азии", симфония "Ре-минор", два струнных квартета. Не случайно его имя носит знаменитый русский струнный квартет.

Опера "Князь Игорь" была написана в 1869-1887 годах, но так и не была закончена Бородиным. После его смерти оперу завершили Римский-Корсаков и Глазунов. В основу оперы положен древнерусский эпос "Песнь о полку Игореве", повествующий о том, как в XII веке Киевское царство неоднократно подвергалось нападению половцев. Разделенная на множество княжеств, страна была разобщена и не могла противостоять опасности. В 1185 г. князь Игорь, действуя без ведома великого князя Киевского и без поддержки других князей империи, отправился в поход, в ходе которого его войска были разгромлены, а сам он и его сын взяты в плен: неудача похода означала, что враг смог вторгнуться в страну и совершить страшную месть.

Несмотря на сюжет, опера Бородина не является пышным изображением поля боя. Скорее, это красочная картина раннего Средневековья с большими и возвышенными хорами, страстными песнями, элегическими и нежными мелодиями. Он создает интереснейшие характеры, выступает на стороне русских, но при этом ему удается убедительно и чутко изобразить странный и чуждый характер вражеского лагеря. Так половецкие пляски были вырваны из своего первоначального контекста и стали популярным произведением, которое часто звучит в концертах и по радио.

Слава этой эпической русской оперы была незрелищной, но неотразимой. Впервые она была исполнена на сцене Императорского Мариинского театра в Санкт-Петербурге в 1890 г. Первое исполнение в Большом театре состоялось в 1898 г., и с тех пор опера входит в его стандартный репертуар. Ведь Большой театр располагает именно такими первоклассными певцами, каких требует это произведение, а также достаточно большим хором.

В большинстве оперных театров "Князь Игорь" значительно сокращается, а в последние десятилетия в ряде экспериментальных версий были сделаны попытки убрать дополнения, внесенные Римским-Корсаковым и Глазуновым. Однако Большой театр продолжает использовать традиционную редакцию, созданную Н.А. Римским-Корсаковым и А.К. Глазуновым для первого исполнения оперы в 1890 году (мелодия. su)