Geistliche Musik

Информация о продукте:

Вокальный секстет Cinquecento быстро становится одним из самых популярных ансамблей старинной музыки. Легкие, чистые, но в то же время богатые и теплые тона шести певцов идеально подходят для сложной полифонии габсбургского двора XVI века, которую они сделали своей специализацией.

Последний релиз представляет музыку Якобуса Ваэта - репертуар, который они начали изучать на своем первом диске для Hyperion ("Музыка для двора Максимилиана II"). Ваэт, несомненно, вошел бы в число самых известных композиторов XVI века, если бы не умер в возрасте около тридцати семи лет. За свою короткую карьеру Ваэт создал, в частности, девять обработок Мессы, а его Missa Ego flos campi, пародийная Месса на необычный мотет Клеменса нон Папы (который также представлен на диске), является ярким примером его особого мастерства. Увлекательная подборка мотетов демонстрирует яркий подход композитора к постановке слов и фантазийный выбор текстов.

Отзывы

"Потрясающе... Одночастный подход Cinquecento с контртенорами в верхних строках идеально подходит для этого репертуара и действительно творит чудеса... В показательные моменты они модулируют свою подачу, добиваясь значительного выразительного эффекта... Это высококлассное пение не привлекает к себе внимания (по крайней мере, не излишне), а фокусирует внимание непосредственно на композиторе". Если бы не ранняя смерть Ваэта, он наверняка стал бы ведущей фигурой своего поколения... Это произведение заслуживает того, чтобы быть широко услышанным" (Gramophone)

'[Spiritus Domini] Восхитительное пиршество гармонического напряжения и внутренне прочувствованной архитектуры. Среди других жемчужин - выразительная Miserere mei и блестящая Salve Regina" (BBC Music Magazine)

Информация о продукте:

Первый диск Стивена Лейтона с хоровыми произведениями Лукашевского (с хором Тринити-колледжа, Кембридж) получил высокую оценку слушателей, очарованных уникальным, но доступным музыкальным языком композитора. Для нового релиза Лейтон и Polyphony вместе с Britten Sinfonia и командой солистов мирового класса взялись за масштабное произведение, которому суждено стать современной классикой в духе "Завесы храма" Тавенера или "Страстей по Иоанну" Пярта. Via Crucis - это драматизация Крестных ходов, музыкальное прочтение этого самого торжественного пути, который на протяжении 55 минут развивается по кульминационной ритуальной дуге.

Отзывы

репутация Лукашевского быстро растет, и это справедливо... Здесь победа Христа над смертью позволяет Лукашевскому закончить произведение триумфальной кодой, несущей первобытную мощь, напоминающую "Кармина Бурана" Орфа и "Страсти по Луке" Пендерецкого... Все исполнители демонстрируют эмоциональную приверженность содержанию, а также точное техническое воплощение музыки. Чистота звука, достигнутая сопрано Polyphony и контратенором Иестином Дэвисом, заслуживает внимания, как и звучное повествование Роджера Аллама" (BBC Music Magazine)

"Композитор с глубоким пониманием технического и эмоционального диапазона человеческого голоса... Сияющее письмо для контратенора Евангелиста (в исполнении выдающегося Иестина Дэвиса)... и воскресное сияние финального "Christus vincit". Этот ряд моментов, попеременно светлых и гнетуще мрачных, драматических и рефлексивных, Polyphony и Britten Sinfonia под управлением Стивена Лейтона исполняют с глубочайшей убежденностью, а запись звучит великолепно" (Gramophone)

Информация о продукте:

Этот последний релиз в полном издании Берда The Cardinall's Musick - несомненно, одно из самых долгожданных событий в календаре старинной музыки. Предыдущие диски этого отмеченного наградами исследования величайшего композитора эпохи получили самые высокие оценки критиков. Исполнение, отличающееся филигранной чистотой, но в то же время большой страстью и искренностью, позволяет особому гению композитора засиять в беспрепятственном блеске.

Произведения, вошедшие в одиннадцатый том, представляют Берда-отступника: он завершает последний год своей модной карьеры в Лондоне и переходит к более спокойной жизни в сельской местности Эссекса. Музыка взята из двух источников: великолепных Cantiones Sacrae 1591 г. и Gradualia 1607 г. Семь мотетов 1591 г. показывают, что Берда занимают мысли об опустошении, утрате, лишениях и разлуке - знакомые католикам-затворникам. Ощущение угнетенности в музыке скрашивается чувством спасения и проблеском надежды, которые являются постоянным рефреном композитора. В "Градуалии" собрана самая образная, современно звучащая и энергичная музыка, которую когда-либо писал композитор.

Вдохновляющий директор The Cardinall Эндрю Карвуд предлагает увлекательные примечания в буклете, которые иллюстрируют сложные политические и религиозные условия, в которых создавалась эта великая музыка.

Отзывы

музыка The Cardinall взывает к слушателям, как самые пылкие молящиеся у алтарных перил. Плавные линии богаты характером, а смесь представляет собой смелое смешение индивидуальностей" (журнал Classic FM)

"Произведения для святых Петра и Павла... позитивно мерцают изобилием... Красота этих исполнений раскрывается: легкость, энергия и интеллект" (International Record Review)

исполнители великолепно направлены, чутко реагируют на слова, ясно излагают контрапункты, тщательно сочетаются в гомофонных пассажах. Cardinall's Musick - это квалифицированный коллектив певцов, которые точно знают, что они делают" (Gramophone)

завершение этой серии станет знаменательным событием, но не ждите, чтобы услышать этот прекрасный диск" (Fanfare, США)

Отзывы

А.Фризенхаген в FonoForum 02/07: "Анне Софи фон Оттер обладает необходимой чувствительностью и зрелостью, чтобы довести значительную партию ангела к продолжительной жизни а Аластер Майлз в своих двух небольших басовых партиях - это Хор Лондонского симфонического оркестра можно услышать в сложных хорах Хор Лондонского симфонического оркестра блистает в сложных хоровых партиях, особенно во второй части особенно во второй части Однако тайным героем этой записи является человек на подиуме Для Колина Дэвиса "Мечта" должна быть делом сердца Мечта должна быть делом сердца, настолько она полнозвучна, но в то же время он заставляет ее обрести форму"

Информация о продукте:
Звезда этой записи - Лондонский симфонический хор, чье исполнение уже получило восторженные отзывы концертных критиков. Запись, которая рисует драму в больших контрастах, как писал Gramophone в феврале 2000 года.

Альфред Шнитке (1934-1998) - одна из ключевых фигур отечественного музыкального искусства второй половины ХХ века. Его музыка представляет собой перекресток важнейших тенденций композиторского искусства того времени, она вобрала в себя все - или почти все, - чем отличался ХХ век, и этот сплав породил уникальный неповторимый стиль композитора. Несмотря на достаточно динамичную творческую эволюцию, порой радикально меняющую как эстетические ключевые моменты, так и принципы техники (период авангарда, полистилистика, "новая простота", период "тихой музыки", синтез стилей, поздний период), в стиле Шнитке всегда присутствуют неизменные и незыблемые тенденции - экспрессивность, смелость музыкального высказывания, острота контрастов (недаром его называли Достоевским в музыке).

Альфред Гарриевич Шнитке родился в городе Энгельсе, центре Республики немцев Поволжья, в семье журналиста и переводчика.

В 1946-1948 годах он жил с семьей в Вене, где его отец работал в немецкой газете "Österreichische Zeitung". Там мальчик получил первые музыкальные впечатления, стал брать уроки игры на фортепиано и начал сочинять. Этот период запечатлелся в памяти композитора на всю жизнь: его жизнь была пронизана влиянием Австрии и австрийской культуры, ее традициями, уходящими в далекие века (по выражению самого композитора, "звено, скрепленное чувством исторической цепи", "аура прошлого").

Вернувшись в Россию, Шнитке в 1953 году окончил Музыкальное училище имени Октябрьской революции (ныне Музыкальное училище имени Шнитке, филиал Московского государственного института музыки имени А.Г. Шнитке), затем продолжил обучение в Московской консерватории, которую окончил в 1958 году, а в 1961 году - аспирантуру. С 1961 по 1972 год он работал преподавателем Московской консерватории, где преподавал оркестровку, чтение партитур и контрапункт; по композиции у него был только один студент, так как в то время "авангардистам" Альфреду Шнитке и Эдисону Денисову не доверяли учить молодых композиторов в консерватории.

В годы советской власти музыка Шнитке не имела никакой официальной поддержки. Долгое время он был практически лишен возможности выехать за границу из-за своей позиции, не совпадавшей с мнением руководства Союза композиторов. С наступлением перестройки музыка Шнитке стала более известной и признанной не только в родной стране, но и за рубежом. В 1988-1990 годах прошел целый ряд фестивалей, посвященных его творчеству, - в Горьком, Мальме, Гетеборге, Стокгольме, Берлине, Лондоне. В конце 1980-х годов Шнитке часто выезжал за границу, с 1989 года вел класс композиции в Высшей школе музыки и театра в Гамбурге, а в 1991 году переехал в Гамбург. Тем не менее, композитор никогда не терял связи с родной страной, где он получил признание и любовь слушателей.

Альфред Шнитке - автор более 200 сочинений в самых разных жанрах. Его предпочтение крупномасштабных жанров связано с концептуальной и драматургической остротой и ощущением конфликтности музыкального мышления. На протяжении всей своей жизни он писал также музыку для кино и театра, что позволило сформировать тенденцию полистилистики и соединить в его музыкальном языке высокое и банальное как средство восприятия современного мира.

В музыке Шнитке сочетаются экспериментальные поиски нового и опора на глубокую традицию, острая выразительность звучания и неоромантическое начало. Композитор тесно связан как с русской культурой (Гоголь, Достоевский), так и с немецкой; он воплотил в своей музыке важнейшие черты русского и немецкого менталитета - возвышенную духовность, философский ум, сложный эмоциональный мир. Характерной чертой музыкального искусства XX века является диалог с прошлым, например, возрождение исторических жанров. Среди последних особое место занимает жанр concerto grosso. Это широко распространенный в эпоху барокко, в творчестве таких композиторов, как И.С. Бах и Гендель, тип концерта для оркестра и концертной группы солирующих инструментов. К этому жанру Шнитке обращался на протяжении всей своей жизни (Первый концерт гроссо, самый популярный из всех, был написан в 1977 году, а последний, Шестой, - в 1993 году, за пять лет до смерти композитора).

Concerto grosso №2 для скрипки, виолончели и симфонического оркестра (1981-1982) написан в технике полистилистики: основы барочного стиля сочетаются с музыкальным языком XX века. Четырехчастный цикл построен по принципу контраста. Во вступлении солирующая виолончель (позже к ней присоединяется скрипка) излагает основную лейтмотивную тему сочинения - это своего рода личные размышления, собственный голос композитора. Она прерывается веселой моторной музыкой - здесь наиболее очевидны аллюзии на барочный концерт, хотя диссонансные вкрапления напоминают о современности (прием "затирания" стилистической модели).

Вторая часть - пассакалья, представляющая вариации на басовую тему (жанр, также характерный для эпохи барокко). В ней сочетаются вековая семантика жанра (от Баха до Шостаковича) и индивидуальная экспрессия, поднимающая эту музыку до высот подлинной трагедийной стихии. Это "ядро" произведения эмоционально наиболее раскрыто, оно подвержено враждебным вторжениям и заряжено внутренними конфликтами. Музыка "Пассакальи" относится к лучшим страницам творчества Шнитке. Третья часть, в которой происходит возвращение в мир образов первой части, содержит те же барочные моторные качества, энергичный мажорный характер музыки и активно прогрессирующий тип развития. В кульминации звучит тема пассакальи, а завершается часть драматическим разрывом.

Четвертая часть (которая следует за третьей без перерыва) представляет собой послесловие, общее подведение итогов всего, что было до нее. Она построена исключительно на материале темы вступления. Отголоски других тем (пассакальи, мотивов барочного концерта и похоронного хорала) не меняют характера их звучания - светло-созерцательного и катарсического.

Кантата "История доктора Иоганна Фауста", написанная в 1983 году, - одно из самых значительных сочинений Альфреда Шнитке. Тема Фауста вообще является преобладающей в его творчестве. Кантата стала своеобразным итогом размышлений композитора над проблемами добра и зла, вины и искупления от нее жертвенностью, смерти и духовного бессмертия - всего того, что создает особую атмосферу его музыки: в ней живет дух высокой трагедии. Первоначально композитор задумал оперу на основе второй части "Фауста" Гете, но вскоре обратился к "Фольксбуху" Иоганна Шписа, написанному в 1587 году.

Фигура Фауста оказалась чрезвычайно привлекательной для композитора - как квинтэссенция той религиозно-философской тематики, которая волновала его на протяжении всей жизни. На эту тему уже через одиннадцать лет, за четыре года до своей смерти, Шнитке создал оперу, в которой музыка кантаты стала третьим актом.

В качестве либретто для своей "Кантаты" Шнитке взял последние главы "Фольксбуха", повествующие о конце жизни Фауста. Текст настолько хорошо подошел к задуманной им музыке, что он не изменил ни одного слова; был использован оригинальный немецкий текст (мировая премьера состоялась в Вене: кантата была написана по заказу Венского концертного общества, в честь 125-летия Венской вокальной академии), а для исполнения в России брат композитора, известный поэт и переводчик Виктор Шнитке, сделал эквиритмический перевод. Сам по себе жанр кантаты уже подразумевает эпоху барокко, однако это произведение больше напоминает ораторию, точнее, определенный тип "Страстей" или "антистрастей", по терминологии композитора, "негативных страстей". Даже распределение партий в целом соответствует "Страстям": рассказчик (евангелист) - тенор, Фауст (антагонист Христа) - бас, а хор выполняет двойную функцию - участника действия и комментатора событий.

Фигура Мефистофеля находится на расстоянии от остальных персонажей. Решение композитора в данном случае весьма оригинально: Мефистофель предстает в двух образах - "сладкоголосого соблазнителя" (контратенор) и "сурового карателя" (контральто).

Кантата состоит из 10 эпизодов:
1. Пролог. "Вот рассказ о суровой, страшной смерти доктора Фауста" (хор). 2. Близок час. "Когда истекли 24 года..." (рассказчик, Мефистофель, хор). 3. Прощание Фауста с учениками и друзьями. "Все идут в таверну и садятся за стол..." (хор, рассказчик). 4. Исповедь Фауста. "Многоуважаемые, возлюбленные господа, друзья мои..." (Фауст, хор, рассказчик). 5. Плач друзей Фауста. "Раз уж так вышло, и нет иного исхода..." (хор, рассказчик). 6. "Ложное утешение" (о Фаусте от Мефистофеля). "О, мой Фауст, что это за слабость сердца?..." (Мефистофель - обе партии, в два голоса). 7. Смерть Фауста. "Когда, после двенадцати, к часу ночи..." (Мефистофель, хор) 8. После смерти Фауста. "Те же магистры, бакалавры, студенты..." (Рассказчик, хор). 9. Эпилог (хор) 10. Заключительный хорал (продолжение кантаты, назидание потомкам). "Так бодрствуйте, бдите! Непрерывно ваш кусачий враг, дьявол жаждет жертв!" (четыре солиста, хор).

Кульминация кантаты - сцена преодоления Мефистофелем Фауста. Как ввести ее в музыку? Это поставило композитора перед проблемой. Сначала композитор решил воссоздать этот эпизод с помощью экспрессивной, диссонирующей музыки, что вполне соответствует эстетике XX века. Однако вскоре он понял, что не достигнет нужного эффекта. Вот как он сам об этом рассказывает: "Для того чтобы передать атмосферу адской бездны, необходим новый стилистический тип очернения, в частности, шокирующий стилистический контраст. Для этого я использовал ритм танго" "Популярный песенный стиль - хорошая маска для всякой дьявольщины, средство обволакивания души, поэтому я не вижу другого способа изобразить зло в музыке, кроме как добавить элемент народного стиля"

Этот эпизод производит на слушателя самое сильное впечатление. Часы бьют двенадцать. И с последним ударом появляется Мефистофель-убийца, каратель. Популярная певица (первоначально на эту роль планировалось пригласить Аллу Пугачеву) с микрофоном проходит через весь концертный зал, поднимается на сцену и одновременно поет популярную мелодию. Контраст между элементарной мелодией и пугающим натуралистическим текстом, описывающим самые страшные подробности гибели Фауста, поразителен. Это, в частности, то, что композитор в определенный момент назвал "приниженностью и банальностью".

Концертная судьба этого сочинения была непростой. После первой же репетиции (с Аллой Пугачевой) концерт был запрещен. Так получилось, что мировая премьера "Фауста" состоялась в Вене, и только через четыре месяца, 23 октября 1983 года (после многочисленных ходатайств и несмотря на непрекращающиеся препятствия) - в Москве; позднее, в 1984 году, он был показан в Ленинграде (в последнем спектакле, уже с Раисой Котовой в роли Мефистофеля-наказателя).

(мелодия. su)

Информация о продукте

Традиционный латинский текст заупокойной мессы неоднократно привлекал внимание самых выдающихся композиторов в мировой истории. Кому-то из них удавалось открыть новое содержание строгих богослужебных текстов - так появились такие шедевры, как произведения Моцарта и Верди. Немецкий композитор XVII века Генрих Шутц первым обратился к текстам Священного Писания на родном языке, переведенным Мартином Лютером. Вслед за ним Иоганнес Брамс назвал свой реквием "Немецким". Отрывки, взятые из Ветхого и Нового Заветов и объединенные в композицию, не соответствуют установленному порядку заупокойной мессы. Возможно, "Реквием" Брамса - это некое размышление о казуистичности человеческой жизни и неизбежности физической смерти, выраженное в вокально-симфоническом жанре.

Идея этого сочинения вынашивалась Брамсом в течение десяти лет. Трагическая смерть его близкого друга Роберта Шопена стала некой "отправной точкой" замысла. Кроме того, смерть матери послужила веским основанием для завершения начатого.

Объединенные в композиции тексты Ветхого и Нового Заветов составляют основу семи разнородных частей. Первая и последняя части - "Блаженны скорбящие..." и "Блаженны мертвые..." - органично обрамляют цикл. Размышления о смерти ("Ибо всякая плоть - как трава...") во второй части уравновешиваются идеей воскресения ("Ибо здесь мы не имеем продолжения города...") в шестой. Скорбная третья часть ("Господи, дай мне знать мой конец...") находит свое утешение в пятой. В центральной части Реквиема "Как прекрасны скинии твои" осуществляется постепенный переход от печали и скорби к надежде на жизнь после смерти.

Имя Александра Юрлова было присвоено Государственному академическому хору вскоре после смерти талантливого музыканта и дирижера хора. Его неожиданная смерть произошла в тот момент, когда хор достиг пика своего мастерства. Этим успехом коллектив был обязан своему гениальному руководителю. За те роковые 15 лет, что Александр Юрлов и хор работали вместе (1958-1973 гг.), они снискали славу лучшего союза певцов и дирижера в русской хоровой музыке советского периода. Юрий Ухов, работавший капельмейстером хора с 1964 года, воспитывался и взрослел в самом сердце хора. В то время он был свидетелем блестящего исполнения "Немецкого реквиема" и "Шиксалиды" Брамса. Спустя несколько лет ему представилась возможность исполнить "Реквием" в концерте. Запись из Большого зала Московской консерватории дает яркое представление о звучной хоровой манере пения, состоявшей из мягкого тембра женского хора, серебристого звона теноров и мощных басов. Последние особенно ценились в нашей стране за свою неповторимость и обаяние. (melody. su)

Отзывы

К.П. Рихтер в KLASSIK heute 10/98: "Диапазон прекрасно освоен шведским хором, который базируется в Стокгольме в "Missa" хор умеет вместе с неброским, но богатым контурами ансамблем Philidor ансамблем Philidor - звучности и энергичности"

Отзывы

Д.Рексрот в FonoForum 7/84: "Именно качество Качество записей английского hilliard Ensemble..., которое вызывает восхищенное изумление от изумление перед огромным богатством европейская музыкальная культура XV века была Century was"

Отзывы

Ф.П. Мессмер в "Фонофоруме" 9/91: "Сгамбати, почти неизвестный сегодня, прошел свой собственный путь Между оперным стилем Верди и Новой немецкой школой великолепное исполнение в этой постановке благодаря великолепному исполнению в этой постановке несправедливо забытое произведение превращается в незабываемое впечатление Опыт

Отзывы прессы:
Убедительная интерпретация
RBB Kulturradio am Mittag, 11.05. 2006
Вокальный ансамбль Templum Musicae придает произведениям большое великолепие, не пренебрегая текстовой интерпретацией и живостью.
Fono Forum 7 / 2006

Информация о продукте:
Есть композиторы, которые забыты только потому, что почти ничего из их творчества не сохранилось. Сальваторе Сакко (1572 - ок. 1622) - один из них. В его случае до наших дней дошел только сборник духовной музыки 1603 года. В этой премьерной записи Винченцо ди Донато и Templum Musicae предлагают нам более чем приятное знакомство с предполагаемым учеником Палестрины, который, без сомнения, может быть причислен к великим мастерам римской вокальной полифонии начала XVII века.

Рецензии

Р.Эманс в журнале FonoForum 07/06: "Последовательно двуххорные композиции Сакко дышат, несмотря на то, что в них есть все необходимое композиции Сакко дышат, несмотря на всю полифоничность полифоническая вокальная фактура, они дышат простым великолепием" Вокальный ансамбль Templum Musicae придает произведениям много Не пренебрегая интерпретацией текстов и пренебрежения"