Музыка к театральному спектаклю

Во второй части цикла симфоний Чайковского с Гётеборгским оркестром и Неэме Ярви мы переходим непосредственно от симфонического завещания композитора, Симфонии № 6 "Патетическая", к его первой попытке создания этой формы. Симфония № 1 соль минор ("Зимние грезы") - сочинение 26-летнего композитора, которым Чайковский дорожил всю жизнь, называя его "грехом моей милой юности". В этом сочинении нетрудно обнаружить черты его поздней музыки - мелодическое богатство и зачастую чрезвычайно искусную оркестровку. Завершают программу еще два довольно ранних произведения из каталога композитора.

Первая из "шекспировских" увертюр Чайковского - "Ромео и Джульетта" - также стала одной из первых его удач и до сих пор остается одним из самых популярных сочинений. В ней композитор в полной мере использует все драматические возможности пьесы: любовь, борьбу и, наконец, смерть.

Для сравнения, "Снегурочка" русского поэта А.Н. Островского больше похожа на сказку, повествующую о том, как Снегурочка, полюбив смертного, сама становится уязвимой и тает с первыми лучами солнца. Видимо, эта тема пришлась по душе композитору, чья инцидентная музыка получила больше похвал, чем сама пьеса на ее премьере в 1873 г. Для этого диска Неэме Ярви выбрал четыре своих любимых эпизода из партитуры длиной около 80 минут. (Танец буффонов, завершающий эту "сюиту", дирижер часто выбирает в качестве биса)

Как и предыдущий диск Чайковского/Ярви, этот также является гибридным SACD - и также привлекательно упакован в стильный слипкейс - и можно предположить, что качество звука на этот раз будет столь же высоко оценено. (По мнению рецензентов Симфонии № 6, "DSD-запись BIS обладает всей ясностью, присутствием и воздействием, которые только можно пожелать" и "От малейшего шепота pp до полной силы мощных фортиссимо - все чисто, ясно, открыто и, прежде всего, очень реалистично, без каких-либо признаков перегруженности. Струнные бархатистые, ни разу не прозвучали жестко или "по-цифровому", все слышно в целостной акустике") В сочетании с "виртуозной и глубоко самоотверженной игрой" Гетеборгского симфонического оркестра это релиз, на который стоит обратить внимание!

Отзывы

П. Коссе в FonoForum 1/91: "Второй фортепианный концерт Стенхаммара второй фортепианный концерт Стенхаммара оркестрово суверенный, это, вероятно, самое Исполнение, вероятно, впервые доступно на CD

Отзывы

Г. Винке в журнале FonoForum 11/91: "Неэме Ярви сосредоточен на интимном, чувствительном звуке и, таким образом, точно соответствует программе, что является необходимым для Необходимой для понимания этой музыки

.

Информация о продукте

Мало кто из норвежцев получил такую широкую известность и произвел такое глубокое впечатление, как Григ. Врожденная мелодичность и жизненная сила музыки Грига снискали ему признание многих поколений любителей музыки во всем мире, и сегодня эта музыка кажется такой же свежей, как и в момент ее создания. Ее притягательность заключается не только в ярко выраженном национальном характере, но и в универсальности человеческих чувств, выраженных в ее музыке. Таким образом, творчество Грига является воплощением его собственного творческого кредо: "Прежде всего, нужно быть человеком. Все истинное искусство вырастает из того, что характерно для человека"

Эдвард Григ (1843-1907), один из самых ярких представителей норвежской музыкальной школы, мастер фортепианной миниатюры, камерной и вокальной музыки, стал известен миру как композитор к драме Генриха Ибсена "Пеер Гюнт". Получив в 1874 году письмо от талантливого драматурга и театрального деятеля, Григ очень заинтересовался готовящимся произведением. Предложение было очень привлекательным, так как Григ, по его признанию, очень ценил и любил поэтические произведения Ибсена. Красота норвежской природы оказала сильное влияние на композитора во время работы над музыкой к драме в 1874-1875 гг. Григ по-своему интерпретировал сюжет драмы, усилив его лирические черты и введя пейзажные описания.

Каждая вещь в музыке Грига раскрывает тот или иной образ/персонаж драмы, передает психологическую ситуацию героев. Жизнь и судьба Пера Гюнта - главная тема повествования. Будучи мечтателем и фантазером, он проходит путь от деревенского простака до Креза. Однако мы наблюдаем изменения в его характере, его духовную деградацию. Через образ Пера Гюнта Ибсен осуждает разрушительную силу человеческого эгоизма, побуждающего людей к множеству дурных поступков.

Музыка к "Пееру Гюнту" получила всеобщее признание в виде двух оркестровых сюит. Номера первой сюиты (1888 г.) вводят контрастные образы драмы: лирическое настроение "Утра" сочетается с драматизмом "Смерти Аазы" (она была матерью Пера Гюнта); скерцо "Танец Анитры" (арабской девушки) противостоит яркой и динамичной зарисовке "В зале горного короля". Вторая сюита также написана на контрасте (1896): поэтический центр - "Песня Сольвейг", создающая образ любящей крестьянки, которая всю жизнь ждет Пеера Гюнта в маленькой хижине в горном лесу.

Мастерство Грига в переложении музыки для оркестра нашло отражение в сюитах. Сюита "Хольберг" (1884-1885) ярко демонстрирует мастерство Грига в сочинении для струнного оркестра. Это стилизация старинной сюиты эпохи Баха и Генделя. Сюита была приурочена к 200-летию скандинавского Мольера, норвежского драматурга и просветителя Людвига Хольберга. В сюите использованы не только характерные для музыки XVIII века названия частей - Прелюдия, Сарабанда, Гавот, Ария, Ригодон; использованы и соответствующие средства музыкальной выразительности - форма частей, гармонические особенности, способы оркестровки, орнаментация мелодии. Первоначально пьеса была написана для фортепиано, и только через год Григ ее оркестровал.

Четыре фортепианные миниатюры из пятой книги "Лирических пьес", создававшиеся на протяжении всей жизни композитора, составляют так называемую "Лирическую сюиту для оркестра". Здесь и зарисовка северного пейзажа ("Маленький пастух"), и странные образы из фольклора ("Марш гномов"), и мгновенная зарисовка душевного настроения ("Ноктюрн").

Имя Геннадия Рожественского (1931) широко известно во всем мире. Он воспитывался в семье знаменитых музыкантов - дирижера Николая Аносова и певицы Натальи Рождественской. Учеба в Центральной музыкальной школе при Московской академии музыки, а затем и в самой академии в классе талантливого пианиста Льва Оборина, уроки дирижирования с отцом привели его за дирижерский пульт Большого театра. В течение многих лет жизнь талантливого артиста была неразрывно связана с Большим театром: с 1951 по 1960 год он работал дирижером балета, с 1978 по 1983 год - оперным дирижером. В течение 15 лет он был ведущим дирижером - с 1965 по 1970 г. В сентябре 2000 года Рождественский был назначен на должность генерального художественного руководителя, которую занимал в течение всего следующего сезона.

Репертуар маэстро насчитывал около 40 оперных и балетных постановок. Он первым поставил в СССР оперу "Человеческий голос" Ф. Пуленка (1965) и "Сон в летнюю ночь" Б. Бриттена (1965). К 225-летию Большого театра Рождественский подготовил мировую премьеру оперы С. Прокофьева "Игрок" во второй авторской редакции.

Помимо работы в Большом театре Рождественский был ведущим музыкальным руководителем Московского камерного музыкального театра, где вернул к новой жизни оперы "Нос" Д. Шостаковича и "Ход граблей" И. Стравинского.

С 1950-х годов имя Рождественского стало хорошо известно не только любителям оперной, но и симфонической музыки. За свою творческую жизнь маэстро Рождественский дирижировал практически всеми выдающимися российскими и зарубежными симфоническими оркестрами. В 1961-1974 гг. он был ведущим дирижером и художественным руководителем Большого симфонического оркестра Государственной российской радиовещательной компании. К середине 70-х годов Рождественский стал одним из самых авторитетных и компетентных дирижеров Европы. В 1974-1977 годах он был ведущим дирижером Стокгольмского симфонического оркестра, затем в 1978-1981 годах возглавлял Симфонический оркестр Би-Би-Си, а в 1980-1982 годах - Венский филармонический оркестр.

В 1982 году дирижер возглавил созданный незадолго до этого Государственный симфонический оркестр Министерства культуры СССР. За время его руководства оркестром были осуществлены такие уникальные программы, как "Брукнер и его время", записаны все симфонии Брукнера, Малера, Глазунова, Шостаковича.

Как один из самых ярких интерпретаторов музыки XX века Рождественский познакомил своих соотечественников с неизвестными произведениями А. Брукнера, А. Шенберга, П. Хиндемита, Б. Бартока, О. Мессиана, Д. Мийо, А. Хонеггера, И. Стравинского. Дирижировал оркестром при премьерном исполнении произведений Р. Щедрина, С. Слонимского, А. Эшпая, Б. Тищенко, А. Шнитке, С. Губайдуллиной, Э. Денисова, Я. Тавенера.

Дмитрий Китаенко родился в 1940 году в Ленинграде (ныне Санкт-Петербург). Он принадлежит к плеяде крупнейших дирижеров современности. Учился в музыкальном училище имени Глинки и в Петербургской академии музыки. Окончив ее, он продолжил обучение в аспирантуре Московской академии музыки в классе Льва Гинзбурга. Затем у него преподавали профессора Ч. Свароваки и С. Остерейхер.

В 1969 году Дмитрий Китаенко был удостоен второй премии на Международном конкурсе дирижеров имени Караяна в Берлине. Другим значительным событием стало его сотрудничество с выдающимся немецким оперным режиссером и профессором Б. Фельзенштейном стало еще одним значительным событием в его жизни. Результатом их совместной работы стало историческое исполнение "Кармен-сюиты" Бизе в Москве и Берлине.

В 29 лет Китаенко был назначен ведущим дирижером Музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко, где осуществил множество оперных постановок. Он много гастролировал по России и за рубежом. Работал за пультом лучших симфонических оркестров мира, в том числе Венского, Берлинского, Пражского филармонических оркестров, Филадельфийского оркестра.

С 1976 по 1990 год Китаенко работал ведущим дирижером симфонического оркестра Московской филармонии. Под его руководством оркестр много гастролировал в Европе, США и Японии, участвуя во многих престижных музыкальных фестивалях. В это же время ему удалось осуществить постановки "Пиковой дамы" П. Чайковского (1982) и "Бориса Годунова" М. Мусоргского в Венском оперном театре.

Начиная с 1990 года маэстро работал за рубежом в качестве ведущего дирижера таких оркестров, как Оркестр Франкфуртского радио (1990-1996), Бергенский филармонический оркестр в Норвегии (1990-1998), Бернский симфонический оркестр в Швейцарии. Кроме того, он гастролирует с другими известными симфоническими оркестрами.

Наиболее выдающимися записями, сделанными под его руководством, являются сборники избранных произведений А. Скрябина, С. Рахманинова, И. Стравинского, С. Прокофьева, Э. Грига, Н. Римского-Корсакова. Много времени и сил Китаенко уделяет воспитанию и поддержке молодых и талантливых музыкантов.

В 1999 году Дмитрий Китаенко стал ведущим дирижером оркестра KBS, играющего важную роль в музыкальной жизни Кореи. Сотрудничество маэстро с этим оркестром привлекает на его концерты множество благодарных слушателей. В 2002 году оркестр KBS под управлением Китаенко успешно гастролировал в Японии и Китае.

Рецензии

MusicWeb International: "Бергенский филармонический оркестр под управлением Оле Кристиана Рууда играет образцово, заставляя даже самые заезженные части звучать так, словно они были изобретены заново... Эти диски предлагают удивительно свежий взгляд на музыку Грига в прекрасном, идиоматическом исполнении"

Томас Линли родился в Бате 7 мая 1756 г. в семье клавесиниста, композитора и учителя пения. Томас Линли-старший сыграл значительную роль в музыкальной жизни Бата, уже в юном возрасте представив публике членов своей удивительно талантливой семьи. Элизабет Энн (род. 1754 г.), Мэри (род. 1758 г.) и Мэри (род. 1763 г.) уже в раннем возрасте были искусными певицами и актрисами, а Сэмюэл (род. 1760 г.) до того, как стать моряком, был талантливым гобоистом. Томас-младший уже в семь лет исполнял скрипичные концерты и был блестящим композитором, после чего отправился в Италию учиться у Нардини (где познакомился с Моцартом, родившимся в один год с ним). Томас вернулся в Англию в 1771 году и быстро стал одной из ведущих фигур в музыкальной жизни Лондона. Этому способствовало назначение его отца дирижером оркестра театра Друри-Лейн (1773 г.) и музыкальным руководителем того же театра (1774 г.).

Информация о продукте:

Томас Линли родился в Бате 7 мая 1756 г., сын клавесиниста, композитора и учителя пения. Томас Линли-старший играл заметную роль в музыкальной жизни Бата и уже в раннем возрасте представил публике членов своей чрезвычайно талантливой семьи. Элизабет Энн (р. 1754), Мэри (р. 1758) и Мария (р. 1763) уже в раннем возрасте были искусными певицами и актрисами, а Сэмюэл (р. 1760) до того, как стать моряком, был талантливым гобоистом. Томас-младший уже в семь лет играл скрипичные концерты и был опытным композитором, а затем отправился в Италию учиться у Нардини (где познакомился с Моцартом, своим точным современником). Томас вернулся в Англию в 1771 году и быстро стал ведущей фигурой в музыкальной жизни Лондона, чему способствовало назначение его отца руководителем оркестра Друри-Лейн (1773) и музыкальным директором театра (1774).

Отзывы

"Выдающийся диск из новаторской серии: настоятельно рекомендуется" (BBC Music Magazine)

'Неотразимая музыка заставит вас приобрести эту запись' (Early Music Review)

'Все участники звучат так, словно им нравится каждый момент этой увлекательной и приятной программы' (American Record Guide)

"Я совершенно пропустил этот релиз 1994 года, в результате чего последние 13 лет оказались несколько беднее!.. Эта коллекция кантат и театральной музыки просто потрясает - редко мы слышим композитора той эпохи, который хотя бы приблизился к тому, что делал Моцарт, но если кто-то и может сделать такое заявление, то Линли точно может... свежесть и изобретательность будут поражать вас снова и снова... Эти старинные исполнения безупречны по концепции и исполнению, а лейбл Hyperion Helios по средней цене делает их практически неотразимыми" (Audiophile, USA)