Классическая музыка (CD)

37 коротких пьес Прокофьева, собранных здесь в транскрипции для скрипки и фортепиано, действительно должны сопровождаться предупреждением о вреде здоровью.

Контуры, углы и просторы мелодий Прокофьева, взятых из, казалось бы, неисчерпаемого источника, настолько характерны, что даже кратковременное воздействие на контуры памяти мозга может привести к устойчивому увлечению.

Этот альбом полон таких мелодий, предлагая совершить экскурсию по пяти десятилетиям необычайно богатой, разнообразной, но в конечном счете печально оборвавшейся жизни.

Скрипач Юрий Кальниц участвовал в фестивалях по всему миру и выступал в самых известных концертных залах. Он является как преданным камерным музыкантом, так и солистом-концертмейстером.

Новый альбом знакомит международную аудиторию с музыкой Эдуардаса Бальсиса, ключевой фигуры литовской музыки с 1950-х гг. до его смерти в 1984 г. В этот альбом, выпущенный Литовским национальным симфоническим оркестром под управлением Модестаса Питренаса, вошли три произведения лауреата премии, включая его раннее, основополагающее сочинение - Концерт для скрипки с оркестром № 1, а также две другие оркестровые партитуры. В этих произведениях Бальсис проявляет себя как мастер богатых, красочных оркестровых партитур.

Бальсис прошел удивительный путь стилистического развития от ранних сочинений, написанных в классической форме, до поздних экспрессионистских и додекафонических произведений. Его творчество отражает повороты развития литовской музыки - от идеологически мотивированного "народного" романтизма (до 1958 года) до новых стилистических тенденций и композиторских приемов. Скрипичный концерт № 1, написанный им после окончания учебы в Ленинградской консерватории, стал кульминацией первого творческого периода. Бальсис как бы сделал первый шаг к новому стилю. С другой стороны, это по-прежнему традиционное сочинение, не отходящее от мира скрипичных концертов Чайковского и Качатуряна. Драматические фрески" для скрипки, фортепиано и симфонического оркестра (1965) ознаменовали начало последнего творческого периода композитора. Это одночастное симфоническое произведение сочетает в себе черты нескольких жанров: Инструментального концерта, поэмы и симфонии. Солирующие инструменты рассматриваются здесь как основные элементы оркестра. В этом произведении композитор обобщает драматические конфликты современности, в том числе угрозу войны. Одно из последних оркестровых сочинений композитора - "Отражения моря" (1981), написанное для струнного оркестра. Произведение насыщено экспрессивными настроениями и острыми контрастами, что стало возможным благодаря приему деления инструментальных частей на более мелкие подразделы.

В начале XX века украинский регион страдал от значительной политической нестабильности и угнетения. После длительной и ожесточенной Освободительной войны (1917-1921 гг.) советское правительство начало проводить новую политику коренизации, которая предоставила советским республикам гораздо больше свободы. Это привело к бурному, хотя и непродолжительному, культурному ренессансу и появлению нового поколения художников, писателей и музыкантов, которые в разной степени опирались на восточные и западные образцы, уважая при этом свое национальное наследие.

Борис Миколаевич Лятошинский (1895-1968): Украинский квинтет, op. 42

Борис Миколаевич Лятошинский родился 3 января 1895 года и был одним из ведущих представителей нового поколения украинских композиторов. Приехав в Киев из родного Житомира в 1913 году, он поступил сначала на юридический факультет Киевского университета, а затем в только что основанную Киевскую консерваторию, где учился композиции у Рейнгольда Глиэра. Окончив юридический факультет в 1918 году, он в 1919 году завершил обучение в консерватории и в том же году поступил на преподавательскую работу, завершившуюся получением профессорской степени в 1935 году. С 1935 по 1938 и с 1941 по 1944 год он также преподавал в Московской консерватории, а впоследствии был судьей конкурса пианистов имени П.И. Чайковского. Он писал в разных жанрах, причем ранние произведения отличались лирическим стилем и часто ссылались на Шумана и Бородина. Во время создания первой симфонии (1919) он увлекся Скрябиным, а в первой фортепианной сонате (1924) обратился к новым европейским разработкам. Так продолжалось до 1929 года, когда он начал сочетать украинские мелодии с современными гармоническими и формальными особенностями. Лятошинский, считающийся отцом украинской музыки, умер в Киеве 15 апреля 1968 года.

В обширно задуманном Украинском квинтете (1942) Лятошинский проявляет свою наиболее эмоциональную сторону. Первая часть начинается с мрачной темы скрипки, которую вскоре подхватывают остальные струнные в напряженной полифонии, причем фортепиано не просто аккомпанирует. Энергичный переход приводит ко второй теме, которую выразительно проводит виолончель, а затем присоединяется к остальным струнным. Фортепиано дает нежный финал, после которого интенсивное развитие переходит в пышную репризу начальной темы, начинающую модифицированную рекапитуляцию, и музыка переходит в коду, которая приводит к теплому завершению. Вторая часть, во всех смыслах эмоциональная центральная часть, начинается с задумчивых струнных, за которыми фортепиано разворачивает ясную мелодию, становящуюся в итоге аккомпанементом для разработки на солирующих струнных. Покачивающееся движение альта вводит более беспокойную среднюю часть, на которую фортепиано отвечает фаталистическими аккордами на пути к продолжительной кульминации, дающей самое глубокое выражение произведения. Затем все затихает, возвращаясь к начальной мелодии, которая уже не так волнует, как при первом появлении, а музыка возвращается к своему началу с удовлетворительной симметрией.

Третья часть - скерцо, призрачный начальный жест которого вновь появляется в виде рефрена в оживленном диалоге фортепиано и струнных. Центральное трио более ритмически заострено, что не в последнюю очередь связано с ярко выраженными народными отголосками, и развивается до усиленного повторения начального жеста, после чего квинтет возобновляет взаимодействие, переходя к непринужденному заключению. Финал начинается декламационно, все пять инструментов продолжают призрачный диалог, который в итоге уступает место красноречивой теме, введенной альтом. Эта тема набирает силу, прежде чем задумчивая интерлюдия у фортепиано дает образную трактовку уже прозвучавших идей и уступает место усиленной репризе начальной темы. Отсюда музыка устремляется к кульминационному появлению второй темы, а затем к яростному решительному завершению.

Относительная культурная свобода в Украине резко оборвалась в конце 1920-х годов, когда Сталин стремительно захватил власть в СССР и социалистический реализм стал лейтмотивом. Национальная украинская музыка подавлялась, западноевропейские достижения осуждались, а новый режим зачастую осуществлялся путем систематических чисток и цензуры. Только в середине 1950-х годов молодому поколению украинских композиторов, почти все из которых были учениками Лятошинского, при поддержке своего наставника удалось продвинуться в более радикальном направлении.

Валентин Сильвестров (р. 1937): Фортепианный квинтет (для Бориса Лятошинского)

Валентин Сильвестров родился в Киеве 30 сентября 1937 года. В музыку он пришел сравнительно поздно и поначалу был самоучкой. С 1955 по 1958 год он посещал вечерние классы, получая специальность инженера-строителя, а затем с 1958 по 1964 год учился композиции и контрапункту у Лятошинского и Левко Ревуцкого в Киевской консерватории. После нескольких лет преподавания в музыкальной студии в 1970 году он стал независимым композитором в Киеве. Он считался одним из ведущих представителей киевского авангарда, получившего широкую известность около 1960 г. и подвергшегося резкой критике со стороны советской государственной власти. В 1960-1970-е годы его музыка практически не исполнялась в родном городе, премьеры проходили в основном в Ленинграде и на Западе. Его "Спектры" для камерного оркестра были с большим успехом исполнены в 1965 году Ленинградской филармонией под управлением Игоря Блашкова, а в 1968 году состоялась премьера Второй симфонии Сильвестрова. В 1967 году Сильвестров был удостоен композиторской премии имени Кусевицкого, а "Гимн для шести оркестровых групп" получил почетное звание на фестивале Gaudeamus в 1970 году, однако его музыка не нашла отклика на родине. И в ранний радикальный период, и в период стилистической трансформации Сильвестров сохранял независимость замысла. В последующие десятилетия он открыл для себя идиому, сопоставимую с западным постмодернизмом, которую назвал "метамузыкой", что означает "метафорическая музыка".

Фортепианный квинтет (1961), посвященный Лятошинскому, знаменует начало модернистской одиссеи Сильвестрова. Первая часть начинается с риторических фортепианных аккордов, на которые струнные отвечают неопределенными словами. Созданный таким образом контраст движется по нерешительному, но образному пути, приближаясь к короткой, но мощной кульминации, а затем переходит в рефлексивный диалог, завершающийся сдержанным финалом. Наиболее резко это контрастирует со второй частью, где угловатая главная тема вызывает острую дискуссию между фортепиано и струнными, но в средней части музыка возвращается к более спокойному выражению. Наконец, оживленная музыка возвращается, чтобы подвести рассуждения к энергичному завершению. Заключительная часть снова обращена внутрь, разворачивая свое мимолетное взаимодействие с виолончелью на первом плане. Постепенно инструменты умолкают, оставляя призрачные скрипичные гармонии над мрачными фортепианными аккордами.

Виктория Полева (р. 1962): Симург-квинтет

Виктория Полева родилась 11 сентября 1962 года в Киеве в семье музыкантов. Училась в Киевской консерватории у Ивана Карабица и Левко Колодуба, где с 1990 по 2005 год сама преподавала композицию. Ее ранние сочинения, такие как балет "Гагаку", "Трансформация" для большого оркестра и "Гимн" для камерного оркестра, отличаются авангардистской и полистилистической эстетикой. С конца 1990-х гг. она все чаще обращается к духовным темам и музыкальной простоте, развивая стиль, названный впоследствии "сакральным минимализмом". Ее произведения были заказаны многими представителями новой музыки, в том числе Гидоном Кремером в 2005 году для Sempre Primavera и в 2010 году для The Art of Instrumentation, а также Кронос-квартетом в 2013 году для Walking on Waters. В 2009 году их "Ода к радости" прозвучала в концерте, посвященном 20-летию падения Берлинской стены.

Квинтет "Симург" (2000), название которого отсылает к крылатому существу из персидской мифологии, представляется переходным произведением в творчестве Полева. Содержание одночастного сочинения во многом сдержанно и зачастую загадочно. Это заметно уже в самом начале, когда в струнных появляются мягкие диссонансы на фоне замирающих фортепианных аккордов. Постепенно возникает тональная направленность, струнные сливаются в фактуру, напоминающую хоровую, но при этом нет параллельного эмоционального накала. Особенно поражает то, как повторяющиеся мотивы и фразы играют роль мотивных блоков, обеспечивая определенное единство, несмотря (а может быть, и благодаря) отсутствию определенного тематического развития. Динамика сохраняется в фортепиано и вокруг него, пока внезапный всплеск рикошетирующих струнных и птичьих жестов фортепиано не приводит к эмоциональной кульминации, и музыка не затихает с тоской в последних тактах.

Отзывы

об "Лятошинском - Украинском квинтете": "Высокополифонический и хроматически глубоко изборожденный квинтет всегда движется на границе тональности, но никогда не становится неверным ей. Его медленная часть ("Lento e tranquillo") способна размягчить даже камни" (Фонофорум, май 2022 г.)

Медитация на Рождество - разве это не отголосок ушедшей эпохи? Самое тихое время года - это, конечно же, и время, когда музыка звучит не только чаще всего на публике - в магазинах, на рынках, но и когда, возможно, больше всего поют в сельской местности. Таким образом, после успешного издания "100 рождественских классических произведений" (jpc 9456096) Capriccio представляет на этом 5-CD боксе целых 100 созерцательных и расслабляющих классических рождественских произведений в исполнении знаменитых хоров и солистов. От сложнейших рождественских ораторий Иоганна Себастьяна Баха до простых сельских рождественских песен, которые передаются из поколения в поколение.

"Insieme" ("Вместе") - так называется первый дуэтный альбом Йонаса Кауфмана и его друга, звездного французского баритона Людовика Тезье. Знаменитые дуэты из опер Верди, Пуччини и Понкьелли были записаны с оркестром Национальной академии Санта-Чечилия под великолепным руководством Антонио Паппано.

На сцене они часто соперничают, в реальной жизни Йонаса Кауфмана и Людовика Тезье связывает тесная дружба. После многочисленных признанных совместных концертных выступлений выходит первый дуэтный альбом этих двух выдающихся певцов: "Insieme", что в переводе с итальянского означает "Вместе". В сопровождении выдающегося оркестра Национальной академии Санта-Чечилия под управлением Антонио Паппано они представляют дуэты, которые пели вместе на сцене, и произведения, отрепетированные специально для этого альбома.
После совместного исполнения "Вертера" в Париже в 2010 году они неоднократно становились сценическими партнерами в различных постановках; как и в их дуэтном альбоме, произведения Верди играют центральную роль.

Когда в 2013 году в Баварской государственной опере они впервые воплотили соперников в "La forza del destino", это было заметно сразу: двое нашли друг друга, которые болеют друг за друга. в 2017 году они вышли на сцену в Париже в оригинальной французской версии "Дона Карлоса" Верди; вполне логично, что знаменитый дуэт Карлоса и Родрига звучит в этой версии на их дуэтном альбоме. Здесь они впервые предстают не вечными противниками, а настоящими союзниками, в одной из самых красивых мужских дружб в опере.
Более того, впервые они звучат вместе в "Отелло". Для дебюта Кауфмана в роли Отелло в 2017 году на сцене Королевской оперы в Лондоне вместе с ним в роли Яго должен был дебютировать Тесье, но, к сожалению, ему пришлось отказаться. Так и получилось, что сессии записи во время блокировки в 2021 году стали первым совместным "Отелло" для них двоих, еще до того, как Тесье "догнал" своего первого сценического Яго в Венской государственной опере. То, что на подиуме с Антонио Паппано за пультом его Оркестра Национальной академии Санта-Чечилия находится один из самых выдающихся оперных дирижеров современности со своим великолепным оркестром, - еще одна удача для этой записи.

Оба певца впервые звучат здесь в великих дуэтах из оперы Верди "Сицилийские войны" в редко исполняемой французской версии. Дуэт из шедевра веризма Понкьелли "Джоконда" также является настоящим двойным дебютом, за которым вскоре последует совместное исполнение всей оперы. А вот "Богема" Пуччини уже исполнялась ими обоими на сцене, но еще не вместе; здесь они впервые звучат вместе в дуэте из 4-й картины.

Отзывы

в сценах из "Дона Карлоса" (парижская оригинальная версия) и "Сицилийских красавиц" Кауфман и Тезье наиболее удаляются от первоначального стилистического идеала и приходят к сильным и бархатистым интерпретациям. (...) Здоровая уверенность в себе и индивидуальность певцов создают благоприятное общее впечатление, а их идиосинкразия радует слушателя" (концерты)

После нескольких лет исследований, экспериментов и концертов Жорди Саваль и перкуссионист Педро Эстеван записали в 1994 году альбом "La Lira d'Espéria". Для интерпретации средневековых произведений Саваль выбрал исторические инструменты: лиру (древний смычковый струнный инструмент), ребек (предшественник современной скрипки), теноровую скрипку и ребаб (смычковая лютня из арабского мира). Название, наряду с древней лирой, означает "Гесперия", что соответствует инструментарию и средневековому репертуару христианской, иудейской и арабо-андалузской культур, распространенных в то время в Пиренейском и Итальянском регионах. В греческой античности Гесперией назывались два самых западных полуострова Средиземноморья - Итальянский и Пиренейский. Лира была одним из первых музыкальных инструментов, описанных в эллинской мифологии.

Отзывы

"Хорди Саваль отправляется в увлекательное путешествие во времени вместе с перкуссионистом Педро Эстеваном. Курцвейл создается чередованием медитативных, импровизационных и танцевальных фрагментов, а также очень по-разному звучащими скрипками - в том числе четырехструнным инструментом из Афганистана" (Stereo, август 2021 г.)

новая серия "Decca's Most Wanted Recitals", сокращенно DMWR, представляет 50 альбомов величайших певцов XX века. Серия начинается с 20 альбомов таких легенд, как Чезаре Сипи, Ханс Хоттер, Джордж Лондон, Жерар Сузай, Лиза делла Каза, Хосе Каррерас, Антон Дермота, Хильде Геден, Пилар Лоренгар, Ингвар Виксель, Кристина Дойтеком и многих других.

В каждом случае используются оригинальные LP-компиляции, дополненные богатым бонусным материалом из архива Decca. Многие наименования впервые появляются на CD или в другом цифровом формате. Разумеется, используются обложки LP первого релиза.

В новом ремастеринге всех записей использован самый современный 24-битный / 192 кГц трансфер с самых первых, оригинальных мастер-лент! Результатом стало выдающееся звучание True High Fidelity Decca, позволяющее насладиться звездными моментами вокального искусства в беспрецедентном качестве.

Русская песня между романтизмом и современностью
В начале XVIII века царь Петр I вывел Россию из изоляции и открыл гигантскую империю для Запада, как бы распахнул окна русского дома и унес старые традиции с ветром современной Европы. В знак абсолютистской революции он основал на болотах севера России свою новую столицу - Санкт-Петербург, Северную Венецию.

С Запада пришла и новая музыка, в придворном театре звучали оперы Галуппи, Паизиелло, Чимарозы, итальянские и французские композиторы занимали решающие позиции и обучали русских музыкантов. Между тем в конце XVIII века в музыке пробудилась русская душа, были открыты богатые традиции русской народной песни, и так постепенно возникла национальная русская музыка.

Борьба с Наполеоном в начале XIX века окончательно ввела Россию в круг европейских держав, а также приобщила к интеллектуальным течениям континента. Так в Россию пришел романтизм с его раскрепощением чувств и небывалым культом личности; он способствовал появлению в университетах и в среде буржуазии интеллектуально образованного класса, стремящегося к духовной независимости, который формировался и в царской империи, и оплодотворил процесс пробуждения русской национальной культуры. Именно в этой атмосфере возникла русская романтическая песня, в которой поэзия и музыка слились в искусство, впервые обратившееся к народным чаяниям и чувствам.

В конце эпохи русского романтизма стоял Сергей Рахманинов, от которого до нас дошло необычайно открытое высказывание художника, сдержанного в личных признаниях: "В музыке композитора должна чувствоваться страна его происхождения, его любовные истории, его религия, книги, которые его впечатлили, картины, которые он любит. Это должна быть сумма переживаний композитора" Нигде Рахманинов не реализует этот постулат так ярко, как в 82 песнях, написанных им в период с 1890 по 1916 год, которые также отражают его стилистическое развитие от московских лет учебы до грани бегства в 1917 году, когда он бежал из России, потрясенной Октябрьской революцией, в США.

Шостакович всегда писал свою музыку в условиях враждебной культурной политики, балансируя между собственными запросами и бдительным оком и ушами цензоров. Однако его песни не свидетельствуют об этом напряжении, они написаны без вынужденной двусмысленности, свойственной его великим симфоническим и камерным сочинениям.

Отзывы

FonoForum 09/04: "Латри наполняет "Jesus bleibet meine Freude" Баха спокойствием и временем, а "Marche hongroise" Берлиоза - не бурным, а почти элегантным Прелюдию Рахманинова op.3,2 Латри наполняет мягким сиянием и импрессионистически размытыми темными тембрами. Вывод: пластинка, которой можно наслаждаться не только в полночь только в полночь"

новая серия "Decca's Most Wanted Recitals", сокращенно DMWR, представляет 50 альбомов величайших певцов XX века. Серия начинается с 20 альбомов таких легенд, как Чезаре Сипи, Ханс Хоттер, Джордж Лондон, Жерар Сузай, Лиза делла Каза, Хосе Каррерас, Антон Дермота, Хильде Геден, Пилар Лоренгар, Ингвар Виксель, Кристина Дойтеком и многих других.

В каждом случае используются оригинальные LP-компиляции, дополненные богатым бонусным материалом из архива Decca. Многие наименования впервые появляются на CD или в другом цифровом формате. Разумеется, используются обложки LP первого релиза.

В новом ремастеринге всех записей использован самый современный 24-битный / 192 кГц трансфер с самых первых, оригинальных мастер-лент! Результатом стало выдающееся звучание True High Fidelity Decca, позволяющее насладиться звездными моментами вокального искусства в беспрецедентном качестве.

Святослав Рихтер считается одним из величайших пианистов XX века. Его невероятная культура прикосновения, развязность и нежность, сочетание виртуозности и душевности уже при жизни сделали его легендой.

Бокс-сет Decca "Solo Recordings" представляет все многообразие творчества Рихтера на 33 записях, включая основные произведения классического фортепианного репертуара - Баха, Бетховена, Гайдна, Моцарта, Брамса, Шуберта, Шумана. Невероятное чувство цветовых оттенков Рихтера можно обнаружить в записях Дебюсси, его техническое мастерство - в записях произведений Ференца Листа Произведения Ференца Листа.

Кроме того, в специальное издание включены эталонные записи произведений русских композиторов - Прокофьева, Мусоргского, Шостаковича, Скрябина, Рахманинова, Стравинского.

Svjatoslav Richter - Solo Recordings - это уникальное собрание пианистического блеска и рекомендация для каждого серьезного любителя классической музыки.