Музыка и песни Schubert, Franz Peter / Шуберт Франц Петер

Интервью с Ольгой Мартыновой Желание играть фортепианную музыку на клавесине возникает в наше время то у одного, то у другого исполнителя. Ольга Мартынова рассказала о том, как появилась такая идея у нее. Все началось с того, что несколько лет назад мне из любопытства захотелось сыграть на клавесине музыку, которая на самом деле написана не для него. Было интересно, как это прозвучит на моем инструменте. Я знаю, что на клавесине играли уже и Шостаковича, и Прокофьева, но я не слушала такие записи – может быть, сознательно. Правда, я слышала современную музыку, написанную для клавесина, но сейчас мне кажется, что ее далеко не всегда так удобно на нем играть, как некоторые сочинения, вроде бы для этого инструмента не предназначенные. Многое ли меняется в фортепианном произведении, когда его переносят на клавесин? Конечно. Привычные приемы оказываются не у дел, штампы исчезают сами собой, поэтому пьеса звучит свежо, она кажется новой, как будто помолодевшей. Текст остается неприкосновенным, но в прочтении происходит очень много изменений. Клавесин – это ведь совсем другой инструмент, он требует другого прикосновения, другого исполнительского подхода. На клавесине невозможно плавное увеличение и уменьшение громкости, кроме того, у него нет педалей. Как, в таком случае, сохранить на нем выразительность фортепианной пьесы? Да, плавной динамикой и педалями мы пользоваться не можем. Если сильно грянуть по клавесину, будет только деревянный стук, музыкальный звук при этом получится не громкий, а, наоборот, сдавленный. Но нам остаются штрихи и агогика (владение временем). Например, если играть ноты короче, стаккато, кажется, что звук становится тише; если мы играем тяжелее, как бы склеивая ноты, он получается более громким, и так далее. Естественно поэтому, что, исполняя фортепианную пьесу на клавесине, мы меняем штрихи. Вот, например, «Музыкальный момент» Шуберта. В нотах над верхней строчкой написано legato. Но если на клавесине это играть честным фортепианным легато, полифония, которая здесь изначально заложена, не будет слышна. Это связано с самой природой инструмента: на фортепиано, играя эту пьесу таким штрихом, можно достичь выразительного исполнения, на клавесине – нет, вот и все. Что же касается динамики, то часто у композиторов времен барокко, которые прекрасно знали особенности инструмента, она выстраивается благодаря фактуре: многозвучные аккорды звучат громче, чем отдельно взятые звуки. Если автору нужна большая громкость, он пишет более плотно. Но композиторских приемов недостаточно: фактурные перемены исполнитель должен подкреплять умелым распределением музыкального времени. Если этого нет, остальные приемы оказываются почти бесполезными, они не приводят к должному эффекту. А владение временем, умение и понимание того, как создать впечатление движения и как этим движением управлять, требует особого «клавесинного» мышления, и вот этому научиться труднее всего. Итак, вы выбираете в фортепианном репертуаре пьесы, которые собираетесь играть на клавесине. На что, помимо диапазона, нужно обратить внимание? На фактуру. Все произведения, которые представлены на этом диске, для клавесина очень удобны. То есть, если их послушать ушами, привыкшими к барочной музыке, они не покажутся «дикими», – напротив, можно подумать, что это типичный клавесинный стиль. Даже странно, что такие пьесы были написаны не в то время, когда искусство игры на клавесине процветало, а в эпоху, когда этот инструмент был уже забыт. Клавесинисту, наверное, не только приятно, но и удивительно бывает встретить в фортепианной музыке 19 или 20 века пьесу, которая написана как будто для его инструмента. Были неожиданные находки, когда вы выбирали этот репертуар? Да, конечно. Меня очень удивил, например, Крамер. Он был учеником Клементи и прославился как виртуоз, кроме того, он пользовался уважением как педагог и ученый музыкант. В свое время (а это было время Бетховена) он слыл известным бахистом, что было явлением не столь уж частым в 19 веке. Легко предположить, что он прекрасно знал Баха, и это порой заметно в его музыке, так что она замечательно звучит на клавесине. Мне кажется, музыка многих «второстепенных» композиторов (а Крамер, наверное, относится не к первой когорте) выдает их увлечения: в их сочинениях слышно, кто был их кумиром. В этюдах Крамера слышно, что ему была интересна эпоха барокко. Он опубликовал два сборника этюдов, которые с тех пор и до наших дней широко используются в педагогической практике; Бетховен отзывался о них весьма доброжелательно и задавал играть их своим ученикам. Каждая из этих пьес, как и полагается этюду, направлена на развитие какого-то вида фортепианной техники. Например, Этюд фа минор – это упражнение на перекрещивание рук. Но при этом в нем очень виден Рамо, и если не знать истинного автора, можно подумать, что пьеса написана в 18 веке. Она выдержана в стиле, который Рамо очень любил (можно вспомнить и его «Перекличку птиц», и «Циклопов»). И по фактуре, и по настроению Этюд очень созвучен тому времени. В си-бемоль-мажорном Этюде ясно прослеживается си-бемоль-мажорная Прелюдия Баха из первого тома «Хорошо темперированного клавира». Ля-минорный Этюд – это этюд на арпеджио, он достаточно медленный и, видимо, предполагает, что исполнитель благодаря этой пьесе научится плавно задерживать звуки. Но сама фактура (разложенные аккорды) отсылает нас к барочной музыке, к прелюдиям арпеджиато и множеству клавирных опусов. В ми-мажорном Этюде как будто слышен Мендельсон, и мне было приятно узнать, что мое впечатление совпало с мнением Ганса Бюлова. Есть издание этюдов Крамера под его редакцией, и в комментариях он называет Этюд ми мажор прототипом мендельсоновских «Песен без слов», а также замечает, что он ничуть не уступает им по музыкальным достоинствам (по-моему, это справедливо). Но если обратить внимание на фактуру, то мы увидим трехголосие, в котором самый подвижный голос – средний: в нем непрерывные шестнадцатые, в то время как мелодия и бас написаны более крупными длительностями. Такая фактура встречается и у Рамо, и у Генделя, она была очень популярна и у более ранних композиторов… Красивое сопоставление – Крамер и Мендельсон. На этом диске есть одна «Песня без слов», но она совсем непохожа на крамеровскую кантилену. Мендельсон для этого альбома был выбран чуть ли не первым: мне очень хотелось записать на клавесине его оптимистичную, но очень трудную пьесу. Когда-то я играла ее как бы на спор с собой, чтобы проверить, насколько я владею инструментом и могу ли я сделать то, что на нем как будто невозможно. С другой стороны, вы играете пьесы из «Альбома для юношества» Шумана и из «Детского альбома» Хачатуряна. Это связано с тем, что пьесы для детей заведомо не требуют той фортепианной техники, которая рассчитана на максимальные возможности взрослого пианиста. Поэтому они хорошо приспосабливаются к клавесину: в них используются легко достижимые гармонии, у них «клавесинный» диапазон, их полифония не требует большого инструментального масштаба. А музыка эта мне очень нравится. «Миньон» Шумана – одна из моих любимых пьес вообще. «Май, милый май» – прелестная миниатюра, написанная в форме рондо, которую так любил Куперен. По своему пасторальному настроению она тоже очень напоминает французских клавесинистов, и даже название вполне могло бы принадлежать Куперену. Но пьесы с таким названием у Куперена нет, а вот «Жнецы»… Что вы думаете о «Жнецах» Куперена и Шумана? Они абсолютно разные по тексту, но, мне кажется, сходны по состоянию. Бодрые, мажорные, не лишенные изящества. Видимо, технология сельского хозяйства в шумановские времена еще недалеко ушла от барочной, поэтому и жнецы у них похожи… Шуман на вашем инструменте звучит довольно необычно. А затею играть на клавесине Хачатуряна, многие, я думаю, сочтут экстраординарной. В числе пьес из «Детского альбома» вы играете фортепианное переложение Адажио из «Гаянэ». Чем вас привлекла эта музыка? В фортепианном переложении это Адажио превращается в двухголосную инвенцию. Она медленная, очень прозрачная, можно сказать, скупая по фактуре. В ней много темповых указаний, которые я стараюсь выполнять, и они очень помогают (это к вопросу о динамике и владении временем). Вообще, играть фортепианную полифонию на клавесине довольно соблазнительно. Если сила удара не влияет на громкость звука, все голоса прослушиваются идеально, причем для этого от исполнителя не требуется никаких особых усилий, направленных на динамику. Детали, которые могут остаться незамеченными при исполнении на рояле, оказываются ясно уловимыми на слух в клавесинной транскрипции, полифония звучит как нельзя более отчетливо. Это аргумент и в пользу того, чтобы играть на клавесине фуги Шостаковича, тем более что они созданы «по мотивам» Баха. Но неужели Шостакович тоже писал «клавесинно»? И да, и нет. Многие из тех прелюдий и фуг, в которых есть явные аллюзии на баховские сочинения, совершенно неисполнимы на клавесине. Очень большой диапазон, педаль, без которой не обойтись (скажем, если в пьесе есть «зависающие басы») – все это делает их совершенно неподходящими для старинного инструмента. Прелюдий и фуг, которые без серьезных изменений могут быть исполнены на клавесине, у Шостаковича мало. Кроме тех, которые я играю, мне кажется, две-три, не больше. При этом полифония Шостаковича настолько филигранна, что если технически его фуги исполнимы на клавесине, звучат они прекрасно. Единственная сложность, которая здесь может возникнуть, это динамические кульминации. Но, скажем, в фуге си-бемоль минор есть единственное динамическое указание: пианиссимо в начале. И больше – ни одного, на все десять минут звучания. Ну, как после этого не сыграть ее на клавесине! А чудесная ля-минорная фуга? Она отсылает нас, как мне кажется, к фуге до минор из первого тома «Хорошо темперированного клавира». Эти произведения похожи не только ритмически, они сходны и по эмоциональному состоянию. Однако Шостакович остается Шостаковичем: в его фуге много сарказма, может быть не злого, но колючего. Он очень выгодно звучит на клавесине, потому что «колючий» звук на нем дается без труда. Ре-мажорная фуга воспринимается на этом инструменте очень забавно, потому что обе ее первые фразы заканчиваются, не достигнув сильной доли. Это нехарактерно для барочной фразировки. На рояле концы фраз временами играют тише, на клавесине это невозможно, все звуки оказываются одинаково громкими, и фуга звучит с большим юмором. Такая простая деталь… Я сама не сразу поняла, в чем дело! В общем, мне было интересно попытаться прочесть эти фуги так, как их прочли бы люди 18 века. Попробовать обойтись с ними так, как с ними обошлись бы тогда. Это замечание, наверное, можно отнести ко всем пьесам на этом диске? Да, конечно. Беседу вела Анна Андрушкевич Буклет диска "Harpsichord Gems, vol 4. Everything You Wanted To Know About Harpsichord, But Were Afraid To Ask"

Второй диск из серии, демонстрирующей искусство С.Рахманинова "Как пианист Рахманинов представляет совершенно выдающееся явление, обладая огромным темпераментом и могучим тоном, не имеющим по силе звучания себе равного у других современных ему пианистов, он способен был увлечь любую аудиторию. Его исполнение технически безупречное, ясное и четкое, отличалось простотой и искренностью, причем над всем исполнением властвовал стальной ритм. Сила его содержательного, насыщенного и сочного звука благодаря его яркому темпераменту производила незабываемое впечатление. " А.Б. Хессин На обложке - Сергей Рахманинов с любимой собакой Левко, убитой во время разграбления его поместья в Ивановке в октябре 1917 года.

Тигран Алиханов, фортепиано И. С. Бах. Токката ре мажор, BWV 912 Бетховен. Фантазия, ор. 77; Полонез, ор. 89 Шуберт. Скерцо № 1, D 593 Р. Штраус. Соната си минор, ор. 5 Берг. Соната си минор, ор. 1

В творческой биографии Тиграна Алиханова 60-е – начало 70-х годов стали судьбоносными: годы учения в классе легендарного Л. Н. Оборина (1961 – 1969), лауреатское звание на престижном Международном конкурсе имени М. Лонг и Ж. Тибо в Париже (1967), начало активной концертной деятельности, формирование художественных позиций, репертуарных пристрастий... В начале 70-х выходит в свет первая пластинка молодого пианиста, в которой впервые в России была представлена Соната, ор. 1 Альбана Берга – тогда мало известного у нас нововенца. В дальнейшем обращение Алиханова к новой музыке становится его артистическим принципом: он был первым исполнителем сочинений Пьера Булеза, Эдисона Денисова, Дьёрдя Куртага, Джона Кейджа, многих других композиторов XX века. Но и в «классическом» концертном репертуаре, и особенно в фондовых записях Алиханова преимущественное место занимают произведения редко исполняемые, или же, оказавшиеся вне кругозора нашей культурной памяти. Фактически все представленные на диске записи являются в истории российской грамзаписи «премьерными» и были осуществлены во второй половине 60-х (Берг, Бах), начале 70-х (Бетховен, Шуберт) и начале 80-х годов (Р. Штраус).
В разноплановых оценках искусства Алиханова мастерство фортепианной колористики остается величиной постоянной. Об особой привлекательности звучания говорят и критики, и музыкальные коллеги: «Звук пианиста неизменно красив, певуч, бархатист» («Советская музыка»); одна из важнейших черт алихановского пианизма – «тембровое богатство фортепианного звучания» (Н. Петров). Действительно, если судить и по данным записям Алиханова, звуковая палитра его рояля разнообразна, богата тембровыми переходами, нюансами, градациями. Но это также и высокая интонационная чуткость, смысловая наполненность фраз, гибкость дышащего музыкального времени, которые создают атмосферу непосредственного и при этом стилистически безукоризненно выдержанного повествования в барочной Токкате Баха, в декламационно-патетичной Фантазии, в Полонезе Бетховена, в камерно-изящном Скерцо Шуберта; абсолютная включенность в действие, вслушивание в каждую деталь многоплановой фактуры определяют яркую, эмоционально интенсивную жизнь звукового материала в позднее-романтической сонате Штрауса, создают экспрессивный мир глубоких рефлексий и чувствований в шедевре Берга. Вместе с тем для пианистической манеры Алиханова характерны неизменная точность исполнительских средств, тщательная выстроенность драматургических планов, конструктивная завершенность музыкального целого.
Сочетание «импровизационных» состояний с ясным структурным мышлением; вдохновение, контролируемое музыкантским вкусом и знанием; чувство меры, уравновешенность эмоциональных характеристик; наконец, неприятие артистического эгоцентризма – эти свойства исполнительского интеллектуализма выказывают несомненное сродство искусства Алиханова с этическими принципами оборинской школы. «Я воспитан профессором, который всегда занимал ясную позицию в понимании триады композитор – исполнитель – слушатель – говорит Тигран Алиханов. – Как учил нас Лев Николаевич Оборин, первостепенная и благородная задача исполнителя – не в показной демонстрации своего «Я», а в умении донести до слушателя содержание произведения. В этом – формула исполнительства, в этом – всё».

Владимир Чинаев

Исполнители:  Тигран Алиханов, фортепиано

Композиторы:  И. С.  Бах (1685-1750) Л. ван Бетховен (1770-1827) Ф. Шуберт (1797-1828) Р. Штраус (1864-1949) А. Берг (1885-1936)
 

ПОЛНОЕ СОДЕРЖАНИЕ ДИСКА:

И. С. Бах (1685-1750)
1 | Токката ре мажор, BWV 912 | 10.25
Л. ван Бетховен (1770-1827)
2 | Фантазия соль минор – си мажор, ор. 77 | 10.33
3 | Полонез до мажор, ор. 89 | 5.54
Ф. Шуберт (1797-1828)
4 | Скерцо № 1, D. 593 | 4.23
Р. Штраус (1864-1949) Соната си минор, ор. 5
5 | 1. Allegro molto appassionato | 9.49
6 | 2. Adagio cantabile | 5.42
7 | 3. Scherzo and trio | 2.53
8 | 4. Finale: Allegretto vivo | 7.17
А. Берг (1885-1936)
9 | Соната си минор, op. 1 | 8.45